PINTURAS EN LINEA | GALERÍA DE ARTE ANTIGUO Y CONTEMPORÁNEO - Página 4

Óleo sobre lienzo. Se trata de una copia de época del grabado homónimo de Annibale Carracci (1560 -1609), que tuvo un éxito inmediato y dio lugar a una serie de réplicas impresas y copias pintadas. Representa el momento de la Pasión en el que Cristo es coronado con la corona de espinas, objeto de tortura que constituye un símbolo denigrante de su proclamación como Rey de Reyes. Dos figuras ejecutan el acto, el soldado romano y el judío, en representación de los dos pueblos que participaron en la condena a muerte de Cristo. Las figuras, vigorosas y sanguíneas las de los dos torturadores, más pálida e inerte la víctima, crean una composición entrelazada de cuerpos, con el central de Jesús que se une a los otros dos, uniéndolos en la responsabilidad compartida de lo que están haciendo; colocado de lado, Jesús tiene la cabeza inclinada a la fuerza hacia la izquierda por el soldado que le impone la corona de espinas, mientras que el judío, a la derecha, le coloca en la mano la caña de bambú, que sustituye al cetro. La escena está dominada por colores oscuros y sombríos, entre los que sólo destaca el rojo vivo de la túnica de Cristo, símbolo de su humanidad sufriente. El cuadro ha sido restaurado y retocado. Se presenta en un bello marco coetáneo, al que le faltan algunas partes.

Versión Reducida de un Retablo de Girolamo Mazzola Bedoli

Óleo sobre lienzo. Escuela Emiliana del siglo XVII. Enteramente en primer plano, esta escena de un grupo de figuras sagradas, presenta los rostros de María y el Niño Jesús en el centro, rodeados por San Juan Bautista en la parte inferior izquierda, y tres ángeles formando una corona alrededor de ellos. Todos los personajes están alegres y sonrientes, a pesar de la referencia a la Pasión, dada por el bastón rematado con la Cruz que Juan ofrece a Jesús. El movimiento de los cuerpos y los colores brillantes hacen que la escena esté viva. Se trata de una versión parcial y horizontal del retablo del mismo nombre realizado por el pintor manierista parmense Girolamo Mazzola Bedoli (1508-1570) para la iglesia de San Sepolcro de Parma, desarrollado verticalmente con la presencia de un paisaje de fondo detrás de los dos ángeles en la parte superior y la finalización de las figuras en la parte inferior. El cuadro se encuentra todavía en su primer lienzo, sin signos de restauración previa. Hay varias gotas de color, especialmente a lo largo del margen inferior y los dos laterales. Se presenta en un marco de madera lacado antiguo.

Óleo sobre lienzo. Escuela lombarda del siglo XVII. Según la iconografía clásica, la Magdalena penitente está representada con lágrimas en los ojos, el cabello suelto, sin ropa, sosteniendo el frasco de ungüento con el que ungió a Jesús en el episodio evangélico, y la calavera, Memento mori por excelencia. Sobre ella, un angelito señala el cielo. Los modos pictóricos están muy próximos a una obra similar de Panfilo Nuvolone (1581 -1651), pintor italiano activo entre Lombardía y Emilia, intérprete de un manierismo tardío anticuado inspirado en los dictados de la Contrarreforma, conocido por sus bodegones pero también autor de figuras similares a ésta. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un antiguo marco dorado.

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVII. Las figuras, retratadas en primer plano de medio cuerpo, tienen en el centro a María sosteniendo al Niño Jesús; detrás de ellos, a la izquierda, está San José y debajo el pequeño Juan Bautista, vestido con pieles y portando el tradicional bastón con la cruz y el fajín con la inscripción «Ecce Agnus Dei». Las miradas de estas cuatro figuras se dirigen hacia la izquierda, donde aparece Santa Catalina de Siena, reconocible por su hábito dominico negro y sus atributos iconográficos, la corona de espinas, los estigmas y el lirio. Jesús extiende sus manos hacia ella, para estipular el matrimonio místico que caracterizaba a la santa. Restaurado y retocado, el cuadro presenta pequeñas pérdidas de color generalizadas. Se presenta en un marco reacondicionado del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Retrato de un noble, orgulloso, con la mano apoyada en la empuñadura de su espada y vestido con un manto ribeteado de armiño. En la esquina superior derecha aparece el escudo de armas de su familia, que muestra un león rampante coronado de rojo que sostiene una espada; a lo ancho hay una banda con tres grupos de bolas dispuestas en forma de flor. Un león rampante similar se encuentra en el escudo de armas de algunas ciudades del centro de Italia, como Faenza. El cuadro, restaurado y retocado, se presenta en un marco de madera tallada y lacada coetánea.

Óleo sobre lienzo. De gran formato y contorno octogonal, el lienzo presenta un paisaje inscrito en un marco pintado con frisos, perteneciente a la categoría de la pintura del siglo XVIII concebida con fines decorativos. La escena está ambientada junto a un río, en cuyas orillas se alzan ruinas arquitectónicas de estructuras clásicas, que se elevan majestuosas sobre las figurillas de personajes populares que animan la escena. El cuadro, ya restaurado y retocado, presenta varios pequeños agujeros, caídas de color y manchas difusas.

Óleo sobre lienzo. De gran formato y contorno octogonal, el lienzo presenta un paisaje inscrito en un marco pintado con frisos, perteneciente a la categoría de la pintura del siglo XVIII concebida con fines decorativos. El paisaje muestra a la izquierda rocas estériles de las que brota una pequeña cascada, mientras que a la derecha se ven las ruinas de una estructura arquitectónica, delante de la cual conversan dos mujeres ataviadas con trajes populares tradicionales. El lienzo, que ya ha sido restaurado y retocado en el pasado, presenta pequeños agujeros generalizados, caídas de color y manchas. El lienzo pertenece a la categoría de pinturas de muebles del siglo XVIII.

Óleo sobre lienzo. De gran formato y contorno octogonal, el lienzo presenta un paisaje inscrito en un marco pintado con frisos, perteneciente a la categoría de la pintura del siglo XVIII concebida con fines decorativos. El paisaje representa un pueblo cercano a la costa, con barcas de pescadores a la orilla del mar; en el lado izquierdo, la ruina de una columnata domina el primer plano, bajo la cual conversan dos figuras. El lienzo, que ya ha sido restaurado y retocado en el pasado, presenta un desvanecimiento generalizado del color, pequeños agujeros y manchas.

Óleo sobre lienzo. Escuela francesa de la segunda mitad del siglo XVIII. Probablemente obra de un seguidor de Claude Joseph Vernet (1714 -1789), pintor francés especializado en marinas, que pintó varias veces vistas de tormentas y naufragios. La escena se desarrolla en una costa rocosa, cerca de un pueblo construido sobre el acantilado; una fuerte tormenta está en curso, descargando un rayo, que destella desde arriba a la derecha, por encima de unas figuras de viandantes asustados, y se dirige hacia el velero que navega a merced de las fuertes olas. El cielo está cargado de nubes negras, aunque un atisbo de azul parece abrirse ya en la lejanía. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. En el interior de una posada que parece casi excavada en una cueva y que se abre a un paisaje bastante árido, unos hombres comen, beben y se relajan en la mesa junto al fuego, mientras una mujer sentada en el suelo los observa divertida mientras come. Las figuras son grotescas, casi caricaturescas, los colores terrosos, para subrayar el fondo campesino de la escena. Restaurado y reentelado, el cuadro se presenta en un marco antiguo.

Óleo sobre lienzo. En el interior de una taberna, algunos clientes juegan a las cartas: el hombre sentado a la izquierda hace trampas, ocultando una carta en el cuello de su ajustada túnica, ante la divertida mirada del tabernero que llega. Las figuras son grotescas, casi caricaturescas; los colores son predominantemente terrosos, acentuando el ambiente popular. Restaurado y retocado (la etiqueta del restaurador en el reverso está fechada en 1952), el cuadro se presenta en un marco antiguo.

Adoración de los Pastores hacia 1620

Óleo sobre lienzo. Escuela véneta del siglo XVII. Siguiendo los modelos popularizados por Jacopo Bassano, el cuadro presenta una escena rica en figuras y elementos de contorno típicos de la vida pastoril, elegante pero con una sencillez rústica. Los pastores crean con María y José un círculo de figuras que adoran al Niño Jesús, círculo en el que también participan animales, el buey y la oveja, mientras que unos angelitos completan la escena dando vueltas por encima. La obra se remonta a la producción de Baldassarre D'Anna, pintor de origen veneciano que se formó con Leonardo Corona, cuyos vivos colores e instancias de claroscuro reprodujo, y que más tarde trabajó en Venecia, Dalmacia, Istria y en toda la zona de Friuli. Se sitúa en la mejor etapa del artista, entre 1610 y 1620. En particular, encontramos las mismas características y muchos de los personajes que en la serie de ocho lienzos pintados hacia 1620 para el Santuario de las Gracias de Cordovado, en la provincia de Pordenone: similares son los colores vivos extendidos con fondos nítidos y drapeados angulosos, los contornos enérgicos, las fisonomías severas y marcadas que encontramos tanto en los pastores como en la Virgen arrodillada. También encontramos en la obra las notas realistas «à la Bassano», como la cesta de huevos de la que emerge una servilleta, la arquitectura desprovista de toda monumentalidad.

Desnudo

Técnica mixta sobre papel. En la parte inferior aparece la firma y el título de la obra. Caccioni, artista nacido, formado y residente en Bolonia, es uno de los protagonistas de una generación que ha alcanzado una madurez lingüística definitiva y ocupa un lugar destacado dentro del panorama artístico contemporáneo. Su investigación utiliza principalmente materiales inusuales como acetatos, PVC y, más recientemente, telones de escenario de obras teatrales del siglo XIX, sobre los que interviene pintando formas extraídas de la memoria personal y de sugerencias procedentes de diferentes culturas y periodos históricos. Un elemento recurrente en la obra de Luca Caccioni es la escritura, un signo autosignificante que diseña la obra y es capaz de narrar pensamientos; Trabajando por superposición, las imágenes se construyen añadiendo o restando color en los distintos soportes. Obra enmarcada.

La conversación 1992

Técnica mixta sobre papel. El título en la parte inferior. En el reverso el sello del artista con firma, fecha y título. Caccioni, artista nacido, formado y residente en Bolonia, es uno de los protagonistas de una generación que ha alcanzado una madurez lingüística definitiva y ocupa un lugar destacado dentro del panorama artístico contemporáneo. Su investigación utiliza principalmente materiales inusuales como acetatos, PVC y, más recientemente, telones de escenario de obras teatrales del siglo XIX, sobre los que interviene pintando formas extraídas de la memoria personal y de sugerencias procedentes de diferentes culturas y periodos históricos. Un elemento recurrente en la obra de Luca Caccioni es la escritura, un signo autosignificante que diseña la obra y es capaz de narrar pensamientos; Trabajando por superposición, las imágenes se construyen añadiendo o restando color en los distintos soportes. Obra enmarcada.

Señales 1991

Técnica mixta sobre papel. El título está en la parte inferior izquierda. En el reverso aparece el sello del artista con el título, la fecha y la firma. Caccioni, artista nacido, formado y residente en Bolonia, es uno de los protagonistas de una generación que ha alcanzado una madurez lingüística definitiva y ocupa un lugar destacado dentro del panorama artístico contemporáneo. Su investigación utiliza principalmente materiales inusuales como acetatos, PVC y, más recientemente, telones de escenario de obras teatrales del siglo XIX, sobre los que interviene pintando formas extraídas de la memoria personal y de sugerencias procedentes de diferentes culturas y periodos históricos. Un elemento recurrente en la obra de Luca Caccioni es la escritura, un signo autosignificante que diseña la obra y es capaz de narrar pensamientos; Trabajando por superposición, las imágenes se construyen añadiendo o restando color en los distintos soportes. Obra enmarcada.