Naturaleza muerta con flores, frutas y calabazas

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia de los siglos XVII-XVIII. La obra de carácter devocional, ve a la Virgen, sentada sobre las nubes y asistida por dos ángeles que sujetan sus vestiduras, es venerada por dos santos, arrodillados a sus pies: a la derecha la joven vestida de príncipe, a cuyos pies está descansando una corona real, se refiere a Isabel de Hungría; a la izquierda, el santo que lleva en brazos al Niño Jesús se identifica como San Caetano da Thiene. Particular es el juego de miradas entre los distintos personajes, que se entrelazan junto con las posiciones y los gestos, para crear un movimiento casi circular. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco antiguo restaurado a principios del siglo XX, con varias carencias actuales (por restaurar).

Óleo sobre pizarra. Pintada sobre una gruesa losa de pizarra, la escena presenta el momento dramático en el que María, rodeada de un grupo de piadosas mujeres, llora sobre el cuerpo de su Hijo bajado de la Cruz: se abandona dramáticamente en los brazos de las dos mujeres. detrás de ella, mientras en su vientre descansa el cuerpo inerte del Hijo, en cuya mano llora una tercera mujer; arriba, un grupo de ángeles que asoman desde el cielo abierto, de donde brota la Luz divina, participan del lamento. María es la única figura que viste ropas de colores vivos, que contrastan con el color ceroso del cuerpo de Cristo que descansa sobre su regazo, mientras que las demás mujeres visten ropas de colores apagados, igual de neutros son los cuerpos de los angelitos. Las figuras se sitúan sobre un fondo oscuro, en el que apenas se aprecia la abertura del sepulcro: el efecto cromático se consigue gracias también al soporte pictórico utilizado, la pizarra, piedra también conocida como "pizarra", como la más importantes canteras de pizarra se encuentran cerca de la ciudad de Lavagna en Liguria. La modalidad pictórica recuerda las obras de Pietro Mera conocido como el flamenco, pintor originario de Bruselas que vivió entre los siglos XVI y XVII: activo durante mucho tiempo en Venecia, trabajando desde 1570 hasta 1603 al servicio del cardenal d'Este, Mera hizo un amplio uso de la pizarra como soporte pictórico de algunas de sus obras. El material con su característico color oscuro permitió al artista crear intensos contrastes lumínicos y realzar las figuras, representadas con una brillante gama cromática e iluminadas por brillantes toques de luz. En buen estado, el cuadro se presenta en un marco antiguo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia de los siglos XVII-XVIII. En un gran paisaje montañoso, bastante árido, que se ensancha y se desvanece a la derecha, hay una alta roca, en forma de arco, bajo la cual está San Jerónimo penitente, representado en el acto de oración y adoración de la Cruz. De acuerdo con los cánones de la pintura de los siglos XVII-XVIII, la figura del Santo, adaptada a la iconografía en su indumentaria y actitud, se inserta sin embargo en un paisaje incoherente, cercano al del pintor que se inspira en la realidad paisajística conocida por el. . La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda de finales del siglo XVII-principios del XVIII. La rica composición ofrece un gran ramo de flores de colores en un jarrón en relieve, junto a un cuenco lleno de hongos porcini y un racimo de uvas: con diferentes intensidades de color, los diversos elementos naturalistas emergen del fondo completamente oscuro, creando efectos de luces. y sombras Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVII-XVIII. En el reverso hay una etiqueta de la Galería de Arte Di Rosa, que atribuye la obra a la "Escuela veneciana de 1600". La gran escena, rica en figuras y muy animada en el entrelazamiento y superposición de los cuerpos, narra el episodio del Evangelio de Juan en el que una mujer sorprendida en adulterio es llevada ante Jesús por escribas y fariseos para conocer su opinión sobre la suya. sentencia a ser apedreado. Jesús, mientras escribe en el suelo con el dedo, insta a sus interlocutores a la misericordia con la frase "El que esté libre de pecado que tire la primera piedra", salvando así a la mujer de la pena de muerte y dejándola libre para marcharse, con la exhortación a no pecar más. El tema ha sido ampliamente replanteado en el arte, con diferentes visiones de los personajes. En este cuadro, la mujer está en una posición central, pero todos los demás personajes a su alrededor hacen converger la mirada hacia abajo, hacia la mano con la que Jesús, agachado, escribe en el suelo; tanto el rostro como el brazo derecho de la mujer son prácticamente paralelos a los de Cristo, como si siguieran y se ajustaran a la dirección que Jesús le indica. En las otras numerosas figuras domina la curiosidad, el intento de comprender, la pregunta que plantea Jesús con su pregunta, representada en múltiples variantes expresivas tanto de rostros como de cuerpos; curioso es el detalle de las lentes -las gafas del sacerdote cuya cabeza sale por detrás de la mujer y la lupa de la figura agachada de la izquierda al fondo- que utilizan dos figuras para "ver mejor" lo que sucede. Las modalidades pictóricas e interpretativas de la pintura recuerdan la producción veneciana cercana a Girolamo Brusaferro (1677 - 1745), el artista veneciano cuya pintura representa el camino intermedio entre la gran tradición de la pintura tardobarroca similar a Luca Giordano y la innovadora sensibilidad colorística propia de gracia del siglo XVIII. Restaurado y reasentado, el cuadro se presenta en un marco coetáneo, en madera tallada, estucada y lacada.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia de los siglos XVII-XVIII. En el reverso esta etiqueta de la Galería de Arte con la indicación "Escuela Veneciana de 1600". Se representa el episodio evangélico del descenso de Cristo de la cruz. El cuerpo de Jesús, que destaca el blanco por la palidez de la muerte pero también como símbolo de su pureza, destaca en el centro entre las demás figuras, el único inerte entre los demás personajes. Sus brazos aún abiertos mientras está desprendido de la Cruz, constituyen un vínculo entre las dos figuras de María y Juan que están debajo de él, y el cielo. Alrededor de varias figuras que coralmente crean movimiento, entrelazamiento, formas y colores. La obra restaurada y revestida se presenta en un marco coetáneo, en madera tallada, estucada y lacada.

Pintura al óleo sobre lienzo. Los dos grandes lienzos presentan las figuras de dos divinidades griegas, Venus y Mercurio, pintadas a modo de estatuas insertas en una logia, en tonos casi monocromáticos que recuerdan al mármol, y sobre un fondo oscuro. Mercurio es reconocible por el bastón con la serpiente enroscada, llamado Bastón de Asclepio, uno de los símbolos del dios; Venus se representa tradicionalmente en una pose que hace alarde de su desnudez, es decir, de su belleza. Los dos paneles se conciben como partes complementarias de un diseño interior. Restauradas y revestidas, están enmarcadas en sencillos listones de madera.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. La gran escena representa las Tres Parcas, o las tres deidades de la mitología romana, llamadas Moire en la mitología griega, que presidían el destino del hombre: la primera hilaba el hilo de la vida, la segunda dispensaba destinos, asignando uno a cada individuo, estableciendo ellos incluso la duración, el tercero, el inexorable, cortar el hilo de la vida en el momento señalado. Sus decisiones eran inmutables: ni siquiera los dioses podían cambiarlas. A veces representadas como tres ancianas, otras como jóvenes, aparecen en este cuadro con rasgos femeninos de varias etapas de la vida: en el centro la diosa que hila es de edad adulta, a la derecha hay una diosa joven que decide la duración de la el hilo, o la duración de la vida, a la izquierda una anciana que se dispone a cortar el hilo con una tenaza. En realidad, de este trabajo se desprende cómo las tres divinidades trabajaban en simbiosis y cómo las tres tareas se repartían, porque las tres juntas representaban el Hado, el Destino del hombre. El lienzo, previamente restaurado y rebasado, necesita una nueva restauración debido a pequeñas gotas difusas de color y una pátina de suciedad. Se presenta en un marco contemporáneo relacado.

S. Agata en Carcere Visitada por S. Pietro

Pintura al óleo sobre lienzo. El tema de la sugerente escena es el momento central de la vida de Santa Águeda, una joven mártir patrona de Catania que, según la leyenda, convertida al cristianismo primero rechazó los halagos del gobernador Quinziano y luego renunció a su fe y se sacrificó a los dioses paganos; encarcelada, fue sometida a la tortura de la amputación de los senos. Mientras estaba en prisión, un anciano canoso entró en su celda para medicarla, quien se reveló como San Pedro enviado directamente por Dios para aliviar los dolores de la joven. Este episodio se convirtió en un tema predilecto de la pintura por la riqueza de patetismo y la posibilidad de interpretación teatral que ofrecía. En particular, en la primera mitad del siglo XVII se han identificado seis tipos de interpretaciones de la escena: santa Águeda dormida mientras san Pedro entra en la celda, la mujer asustada y sorprendida por la visión inesperada, modesta, que rechaza el cuidado del hombre, que conversa con él casi en una disputa teológica, absorto y dormido mientras se deja curar y finalmente en éxtasis recibiendo las curas volviendo al Altísimo; finalmente está la escena de la santa que ahora está sola en su celda rodeada de ángeles. La obra que aquí se presenta propone la escena de la santa en actitud extática, consolada por un ángel que sostiene una vela mientras Pedro se acerca a ella con un frasco de ungüento y la mano derecha levantada: destaca en la composición el uso de la luz de la vela como fuente. de luz, interna a la escena misma y que irradia sobre los rostros y los senos de Agata, junto a la serenidad de las figuras, incluso en el patetismo del momento, que subraya la concentración extática y el significado espiritual del episodio. Esta representación se encuentra casi idéntica en un grupo de seis obras, ubicadas en distintas locaciones, cuya atribución ha sido objeto de estudio y discusión académica: la hipótesis más acreditada fue durante mucho tiempo la de Sergio Benedetti, quien las atribuyó todas a Rustichino. , nombre artístico del pintor Francesco Rustici. También discutimos una posible derivación caravaggesca de la obra, pero la modalidad compositiva con las figuras encerradas en una dimensión extática, junto con el uso de una fuente de luz dentro de la escena, no parecen atribuibles al poderoso dinamismo y uso de las luces. fuera de la escena que distinguen a Caravaggio. El crítico Luigi Agus, en un estudio pormenorizado, llega en cambio a definir las seis obras como réplicas, todas de manos diferentes, más bien de un mismo campo, más que de un taller, pero ciertamente no todas atribuibles a Rustichino, aunque parecería que la candidato más confiable para la paternidad de al menos uno de ellos. Según Agus, algunas peculiaridades pictóricas remiten el prototipo original (ahora perdido) a un artista nórdico, Joachim von Sandrart (1606-1688), activo en Roma entre 1629 y 1635, mientras que las réplicas, que datan casi con certeza de la década de 1940, debido a las cualidades no homogéneas (diferencias cromáticas, diferentes detalles, sobre todo diferentes configuraciones estilísticas) sugeriría un pequeño grupo de artistas que gravitan hacia Roma en los mismos campos que el pintor alemán. La réplica que aquí se propone procede de una colección particular y se subastó en 1999 y 2002. Restaurada y revestida, se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. La composición no es un bodegón tradicional porque la fruta (uvas y manzanas) y el pájaro se insertan en un gran paisaje, como sus elementos añadidos en primer plano; Detrás de ellos se abre un campo verde con un pueblo en la colina. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Aceite sobre la mesa. Escuela del norte de Europa del siglo XVII. La escena representa un episodio de la vida de Escipión narrado por Tito Livio y Valerio Massimo. Publius Cornelius Scipio, más tarde conocido como Scipio the African, en 209 a. durante la campaña española, tras la toma de Cartagena recibió como regalo personal una hermosa virgen, que estaba en el grupo de rehenes. Pero él, escuchando las súplicas de su familia, la respetó enviándola de regreso con sus padres y prometido, con la única recomendación de que su prometido trabajara por la paz entre Roma y Cartago. En la representación Escipión está en el centro, sentado en su trono, y se vuelve hacia la izquierda, hacia los suplicantes padres de la niña, mientras con un gesto misericordioso les indica que retomen a su hija, de pie a la derecha, flanqueada por su novio. A su alrededor, soldados y seguidores del rey. La escena está llena de figuras, luminosas y coloridas, y subraya la positividad del rey, un personaje central y poderoso, pero capaz de mansedumbre y clemencia. El cuadro restaurado ha sido reforzado en el reverso con listones de madera. Se presenta en un elegante marco.