Pintura de Francesco Ballesio - Escena interior

Óleo sobre lienzo. Mediados del siglo XIX. La gran escena representa un episodio histórico, no identificado, ambientado en la época del Renacimiento, en el que un arzobispo escucha la súplica de un joven de armas tomar, acompañado de su madre, que apoya su petición. El escenario se sitúa en el salón de recepciones del alto prelado, presumiblemente en el palacio episcopal, que, desde la logia del fondo, domina la catedral, cuya cúpula se vislumbra; el obispo está rodeado por sus subordinados y guardias, mientras varias personas del pueblo observan. Particular es la presencia del hombre sentado en primer plano a la izquierda, que mira hacia el espectador y señala la escena, como si la estuviera narrando. La atmósfera se juega en los contrastes entre luces y sombras, entre los colores vivos de los personajes dominantes frente a los tonos apagados y suaves de las figuras del contorno, que tienden literalmente a desaparecer en las sombras al borde de la escena. La obra se inscribe en la amplia producción del siglo XIX que recurría a temas históricos o literarios, reproponiéndolos en clave romántica. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un importante marco de la segunda mitad del siglo XIX, con faltantes.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. Dentro de un paisaje bastante árido, con ruinas arquitectónicas a la izquierda y cumbres nevadas al fondo a la derecha, unos pastores, al frente de sus rebaños de vacas, ovejas y cabras, pasan por el camino. En el paisaje septentrional, el tono rosado del cielo y el carácter pastoril de la escena confieren esa atmósfera idealista típica de la pintura de paisaje del siglo XVIII, en la que prevalecía la realización del sentimiento más que la intención de transposición realista. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. El paisaje de una campiña rica en vegetación, con al fondo una cordillera de picos escarpados, se ve animado por la presencia de tres lavanderas que se dirigen al río con carretillas llenas de ropa, mientras un viajero cruza el pequeño puente que cruza el riachuelo. La obra está realizada al estilo de Antonio Peruzzini (1650-1724), probablemente por uno de sus alumnos o seguidores. Peruzzini fue una figura clave de la pintura de paisaje de los siglos XVII y XVIII, donde partió de una expresión del siglo XVII para llegar a una interpretación del movimiento y el color típicos del rococó, utilizando tonos más claros y brillantes e infundiendo una especie de vitalidad en sus pinturas. El uso del color es particular, especialmente en el sombreado de las figuras humanas, delineadas por gruesas pinceladas de tela que las hacen emerger en primer plano del paisaje. La pintura ya fue restaurada y reentelada en el pasado, y actualmente se encuentra en buen estado. Se presenta en un marco de época.

Paisaje con Curso de Agua y Pastores

Óleo sobre lienzo. En una verde campiña de colinas, en la que fluye un curso de agua, unos pastores se sientan a gorjear a la sombra de los árboles, observando cómo abreva su rebaño. En el cielo, densas nubes oscuras se espesan. El estilo recuerda la obra de Marco Ricci, pintor bellunés célebre por su indudable talento para las representaciones naturalistas y arquitectónicas. Sus paisajes, todavía con un marcado sabor a siglo XVII, están ya iluminados por luces potentes y emotivas, árboles secos y retorcidos, rocas y torres, nubes cumuliformes que de repente se rompen en vagos destellos de azul, un complejo repertorio que transfigura la naturaleza en una representación dramática e inquieta. Se convirtió en una referencia para otros artistas de su época, que adoptaron su estilo, como en esta obra. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Paisaje Invernal con Figuras

Óleo sobre lienzo. En un paisaje campestre invernal, salpicado de nieve, sobre la naturaleza desnuda, sombría y árida, un camino serpentea entre árboles completamente pelados, conduce al pueblo, y por él pasan algunos caminantes, mientras a un lado trabajan algunos leñadores. Un denso cielo de nubes oscuras se cierne sobre todo, aunque a la izquierda se abre un atisbo de azul. El estilo recuerda la obra de Marco Ricci, pintor bellunés célebre por su indudable talento para las representaciones naturalistas y arquitectónicas. Sus paisajes, aún con un marcado gusto del siglo XVII, están ya iluminados por luces potentes y emotivas, árboles secos y retorcidos, rocas y torres, nubes cumuliformes que se rompen de repente en vagos destellos de azul, un complejo repertorio que transfigura la naturaleza en una representación dramática e inquieta. Se convirtió en una referencia para otros artistas de su época, que adoptaron su estilo, como en esta obra. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. Escuela véneta del siglo XVIII. Amplio paisaje de colinas prealpinas, atravesado por un riachuelo que llega hasta el molino en el primer plano de la derecha, mientras numerosas figuras de plebeyos animan el camino que conduce al edificio, dedicados a diversas ocupaciones; los dos pescadores con redes destacan en el primer plano del centro. Anteriormente atribuido a Giuseppe Zais (1709-1784), pintor veneciano conocido por sus amplios paisajes animados con figuras, caracterizados por una luminosidad aérea y un cuidado en la descripción de la naturaleza. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Este cuadro de grandes dimensiones relata el famoso episodio mitológico del Juicio de Paris, acontecimiento que contribuyó a desencadenar la Guerra de Troya. Paris, un príncipe troyano, fue llamado para dirimir la disputa entre las tres diosas, Hera, Atenea y Afrodita, sobre quién merecía la manzana de oro que se concedería a «la más bella», arrojada por la diosa Discordia sobre la mesa de los dioses. Cada una de las tres diosas prometió a Paris una recompensa a cambio de la manzana, y él eligió a Afrodita, que le había prometido la mujer más bella del mundo, Helena, esposa de Menelao, rey de Esparta. En la gran escena, Paris está sentado en el centro, entre las piernas de la diosa Afrodita, a la que tiende la manzana con el brazo levantado; Afrodita coge la manzana con una mano, mientras se vuelve hacia arriba para indicar al dios Cupido, que se cierne sobre ella, que cumpla su voluntad. A la izquierda, las otras dos diosas le dan la espalda, indignadas y con el ceño fruncido, mientras que arriba, el dios Mercurio decreta la victoria de Afrodita, señalándola con su bastón, el caduceo símbolo del acuerdo alcanzado, y el dios Cupido, siguiendo las instrucciones de Afrodita, prepara la estral ardiente con la que enamorará a Helena de Paris. La escena se completa con un niño con alas que vierte agua de un jarrón, tal vez una especie de bautismo, o consagración de la elección. Las figuras, imponentes y fuertemente carnales, llenan la escena en un entretejido de cuerpos que, con la variación de los colores de las tez -pálida la de las divinidades, más brillante la del príncipe pastor, (¡el único mortal en el hecho!), pero todos interpretados en una misma gama cromática-, consiguen una homogeneidad cromática. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. El gran cuadro representa el triunfo del dios Baco, encarnación del placer, que, ya ebrio, está sentado en el suelo, sosteniendo entre las piernas una jarra de la que mana vino, mientras a su alrededor varias ménades danzan y tocan música, y una mujer enjoyada, quizá Ariadna de la realeza, le arroja pétalos de flores sobre la cabeza. Arriba, un ángel toca una trompeta en señal de celebración, mientras dos pequeños sátiros duermen, agazapados en el suelo, en la parte inferior izquierda. El entrelazamiento de los cuerpos y el cromatismo más bien homogéneo, que va de la tez rosa pálido de las ninfas al color rubí terroso de Baco, difuminándose en el fondo también rojizo, confieren a la escena uniformidad pero amplio movimiento. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. La gran escena está ambientada en el exterior de una fortaleza rocosa y muestra a una guarnición de soldados preparándose para la batalla. En primer plano a la izquierda, cerca de un árbol, el grupo de comandantes a caballo observa el trabajo y da órdenes, mientras las tropas arman sus cañones en las terrazas, preparan lanzas rudimentarias y afilan sus armas blancas. Los colores son claros y apagados, con gradaciones de gris que pasan del cielo despejado con nubes a la fortaleza rocosa, para perderse en el terreno virando a un beige arenoso; sólo destacan algunos uniformes de oficiales, que rompen la uniformidad cromática. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Segunda mitad del siglo XVIII. Una parte de una gran estructura arquitectónica en ruinas llena toda la escena: un pórtico coronado por una balaustrada, cubierto de plantas, rodea un patio en el que se mueven varias figuras populares, ocupadas en sus actividades. Un cielo azul brillante cubre el encuadre y la luz se filtra por uno de los arcos para crear un juego de luces y sombras bajo el pórtico. En el reverso del marco figura una atribución a Gaetano Vetturali (1701-1783), aunque la calidad de las figuras parece aquí superior a la del artista de Lucca, que era famoso en su zona por sus caprichos arquitectónicos de gran impacto escenográfico. El cuadro se presenta en un marco dorado del estilo.