Espejo de los años 70, serie 'Gioela', producción de Bilumen - Diseño de Giorgina Castiglioni

Escena de género en la corte

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. Antonio Zavaga fue un pintor italiano de los siglos XIX y XX, especializado en pintura de estilo XVIII, principalmente de ambientes galantes y de salón. La escena de esta obra también se desarrolla en un suntuoso salón de estilo XVIII: una dama y un caballero se sientan a la mesa jugando al ajedrez, mientras la dama de compañía sirve té y otro caballero observa divertido. La obra se presenta en un marco pintado de finales del siglo XIX y principios del XX.

Composición con flores y frutas

Óleo sobre contrachapado. Firmado abajo a la derecha. Mario Salimbeni fue un reconocido pintor milanés dedicado a la creación de bodegones, en particular composiciones de flores y frutas que interpretó con una notable técnica formal y una representación realista y detallada de la realidad. En esta composición aparecen diversas frutas otoñales sobre una mesa (uvas blancas y negras, peras y manzanas), junto a platos de diferentes materiales; a la izquierda, un jarrón lleno de rosas bicolor. La pintura se presenta en un marco guilloché contemporáneo.

Retrato de un niño (Nino) 1895

Lápiz y mina blanca sobre papel. Firma y fecha en la parte inferior izquierda. El nombre del niño retratado, Nino, está escrito a lápiz en el reverso. Pertenece a la familia de la que procede la obra. Este dibujo fue realizado en su juventud (veintiún años) por el versátil artista, quien se consolidó como pintor, ilustrador (famoso por sus ilustraciones de obras de D'Annunzio y Pascoli), grabador, decorador y fotógrafo, y fue una figura destacada del arte idealista y simbolista italiano entre los siglos XIX y XX. El retrato presenta varias manchas y un pequeño agujero en el papel. Se presenta en un marco contemporáneo, al que le faltan algunas partes.

Óleo sobre lienzo. La escena corresponde a una estación del Vía Crucis, durante la cual Jesús cae bajo el peso de la pesada cruz que carga sobre sus hombros mientras asciende hacia el Gólgota. Cristo, inclinado en el suelo, con la mirada baja y triste, es perseguido por los guardias, que lo pinchan con las varas de las lanzas, y uno tira de él con la cuerda que lleva atada a la cintura; un plebeyo observa a Jesús afligido, mientras sostiene la pesada madera. La pintura presenta restos de restauración previa y ha sido reencuadernada. Se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea de la primera mitad del siglo XIX. La pintura se basa en una obra gráfica de Johann Gottfried Haid (1704-1767), grabador alemán conocido por sus copias a mezzotinta de obras de grandes maestros. La obra original probablemente sea atribuible a Antonio Mercurio Amorosi (1660-1738), conocido por sus retratos de personajes populares en estilo "bambocciante". Nuestra pintura presenta pequeñas diferencias con respecto a la obra gráfica de referencia. Todavía en el primer lienzo, se presenta en un marco de mediados del siglo XX.

Adoración de los pastores

Óleo sobre lienzo. Composición replicada varias veces por seguidores y alumnos de la escuela de Bassano, en particular una obra de Jacopo Bassano (1515-1592). En la escena original, reproducida aquí con fidelidad a la composición de las figuras, pero no a los colores, Bassano abordó el tema respetando la tradición, por un lado, y por otro, introduciendo innovaciones. De hecho, estas sirven de escenario de ruinas arqueológicas, un elemento frecuente en la iconografía italiana de la Natividad. Aquí vemos una hilera de columnas rotas sobre un pedestal alto, siguiendo el modelo de los templos griegos, contra el cual se apoya una cabaña. Esta singular estructura arquitectónica simboliza la superación del paganismo y la construcción de la iglesia cristiana, cuyo primer acto fundacional es el nacimiento de Jesús. Los pastores ocupan el centro de la escena, y de no ser por el lado izquierdo del cuadro, podría parecer una escena de género con un carácter rural. El pastor, desde atrás, está arrodillado, mostrando sus pies descalzos, recordatorio de su extrema humildad, y sostiene un cordero, el animal sacrificial por excelencia, en referencia a la futura Pasión de Cristo. En el extremo derecho, un curioso inserto: un niño agachado sopla sobre una brasa ardiente, en un vano intento por reavivar la llama. En esta réplica, destacan los colores amarillo y rojo de las túnicas de los dos pastores del centro y del niño de la derecha, que predominan con vivacidad incluso en las figuras de la Sagrada Familia y emergen de los tonos ocres del paisaje y las estructuras arquitectónicas del fondo. La pintura fue restaurada y reencuadernada en el siglo XIX, con la sustitución del marco (en él hay una escritura contemporánea en inglés, probablemente direcciones de exportación). Se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Fechado en 1759 al dorso. La pintura es una copia de la obra de Federico Barocci (1563-1612), creada entre 1583 y 1586, conservada en la iglesia de Santa Maria in Vallicella en Roma. La obra fue un gran éxito y fue replicada repetidamente por numerosos artistas del mismo círculo o taller que Barocci; por ejemplo, la copia del alumno Viviani, conocido como el Sordo de Urbino (Barocci también era de Urbino), conservada en la Galleria Nazionale delle Marche de Urbino. La escena representada está imbuida de gran intimidad y ternura: la Virgen María es recibida con un abrazo por su anciana prima Elisabetta en las escaleras que preceden a la entrada. Sus manos se estrechan y sus miradas se encuentran. Justo detrás, Zaccaria, el esposo de Elisabetta, observa desde el umbral y se asoma un poco para ver mejor. En primer plano aparecen otros dos personajes, dues ervitori: el hombre de la izquierda se ocupa de recoger el saco de María y cuidar del burro que transportaba a la joven, mientras que a la derecha una mujer, sonriente, observa el encuentro de los dos primos, llevando una paloma en una cesta. En el reverso del lienzo hay una inscripción autógrafa en inglés, contemporánea a la pintura: «Giovanni B. Tiepolo, 1759, La Visitación»: probablemente el autor de la réplica confundió el nombre del artista del original, atribuyéndolo al veneciano. El mercado inglés mostró un gran interés por la obra original, tanto que intentó adquirirla a mediados del siglo XVIII, lo que fomentó la proliferación de réplicas. La pintura, aún en su primer lienzo, se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Marina con barcos y figuras

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. Hijo de un artista, Cesare Gheduzzi se consagró como paisajista. Aunque residió en Turín, pasó una larga temporada en la Riviera Ligur, creando amplias vistas del mar, paisajes costeros y pescadores trabajando, que reprodujo con fidelidad y elegancia, privilegiando los colores fríos para crear una sensación de distanciamiento emocional y potenciar el efecto escenográfico (heredados de su padre, escenógrafo del Teatro Regio de Turín). Se presenta en un marco contemporáneo.

Escena con guardias en la ciudad, 1875

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la izquierda. El pintor inglés George Goodwin Kilburne se especializó en escenas de género ambientadas en la vida de la alta burguesía victoriana, con escenas de caza y escenas de sala, todas caracterizadas por la elegancia y la meticulosidad de los detalles, especialmente en las figuras femeninas. En 1875, Kilburne permaneció unos meses en Roma y luego viajó a otras ciudades italianas y europeas. La escena representada aquí, de 1875, parece estar ambientada en Roma: en un puesto de guardia de la ciudad, como lo demuestra claramente la vista urbana que se aprecia desde la puerta abierta, algunos soldados con el uniforme de la guardia vaticana descansan. La obra se presenta en un marco de finales del siglo XIX y principios del XX.

Óleo sobre lienzo. La escena del conocido episodio evangélico de la Adoración de los Magos se desarrolla en un entorno inusual: la Sagrada Familia no se encuentra en una cabaña ni en un establo, sino frente a los restos arquitectónicos de un imponente edificio de mármol. Encaramados en una colina, contemplan al fondo un paisaje llano, rico en vegetación y habitado por pueblos con numerosos campanarios. Las figuras de los reyes y sus familias están representadas con líneas delicadas, colores brillantes pero matizados y detalles minuciosos. Además, en la esquina derecha de la escena aparece una figura demacrada, pobre e indistinta, un mendigo que, oculto en las sombras del palacio, se inclina para rendir homenaje al Niño Jesús, igualando a los reyes ricos y poderosos en su humilde devoción. En el reverso del lienzo se aprecian pequeñas restauraciones. Presenta un ligero corte en la parte inferior derecha. La obra se presenta en un marco de época.

Jesús en el camino al Calvario

Óleo sobre lienzo. La obra es una réplica de la realizada por Pierre Mignard y donada a Luis XIV, actualmente conservada en el Museo del Louvre de París. La dramática escena transcurre a las afueras de Jerusalén; una procesión acompaña a Jesús en su ascenso al Calvario, que se vislumbra al fondo a la derecha, con las cruces de los dos ladrones ya erigidas. En cambio, la cruz de Cristo la porta Simón de Cirene, obligado por los guardias tras la enésima caída de Jesús, a quien se le insta bruscamente con un látigo a levantarse. Delante de Cristo caminan los dos ladrones atados, acompañados de algunos sirvientes; a la izquierda, un grupo de mujeres piadosas acompaña y sostiene a María, desconsolada por el dolor. En contraste con este grupo, a la derecha, otro grupo de mujeres del pueblo observa con piadosa compasión, apartando la mirada de sus hijos del terrible espectáculo. El paisaje al fondo es árido y desolado, bajo un cielo gris y nuboso. La obra fue restaurada y reencuadernada a mediados del siglo XX, y montada en un nuevo marco. Se presenta en un marco de época.

La última cena 1962

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la esquina inferior izquierda. En el reverso se encuentra una oración a Jesús, manuscrita y firmada por el artista en portugués. Malangatana fue un artista mozambiqueño (poeta, pintor y músico), además de activista político de su país. La obra pertenece a su primer período artístico, cuyo compromiso político aún no era evidente, y retoma el tema de la Última Cena, que ya había abordado en otras ocasiones durante esos mismos años. En este tema religioso, Malangatana revela claramente su cercanía a la cultura ritual y tribal de su país, pero también su conocimiento de la religión y del arte occidental, tanto en la composición de las figuras, que retratan temas occidentales similares, como en la de los objetos, en particular los numerosos y variados elementos que pueblan la mesa, con una cesta de fruta en el centro, que evocan nuestros bodegones. Sus figuras se presentan como cuerpos superpuestos y entrelazados, y dominados por rostros, en los que sobresalen unos ojos largos, con expresiones penetrantes, que luego se convertirán en miradas atormentadas y sufrientes, símbolo del sufrimiento de un pueblo oprimido.