El Cuento de Apolo y Marsias

Óleo sobre lienzo. Escuela norditaliana del siglo XVII. Este gran lienzo procede de un grabado de 1562 del veneciano Giulio Sanuto, que reprodujo fielmente la obra homónima de Bronzino (1503-1572), conservada en el Ermitage. Con respecto al original, el grabado añadió el grupo de las Musas y modificó el fondo paisajístico introduciendo vistas de aldeas. La obra está dividida en cuatro escenas, que se leen de derecha a izquierda. La primera escena representa el concurso musical entre Apolo y el sileno Marsias, que tocaba la flauta tan bien que se le consideraba superior al propio dios; los dos contendientes actúan, el dios con la lira y el sileno con la flauta incluso dada la vuelta (para aumentar la dificultad de la hazaña), ante el rey Midas y la diosa Minerva, reconocible por sus atributos, el casco, la lanza y el escudo. En la segunda escena, Apolo intenta desollar a Marsias, para castigarle por haber ganado el concurso musical; en el suelo, a su lado, descansan su manto y su lira. En la tercera escena, el dios castiga al rey Midas por haber preferido a Marsias: Apolo le clava orejas de asno, mientras Minerva observa. Por último, la cuarta escena, en primer plano a la izquierda, presenta una figura peculiar, identificada como el fiel sirviente y barbero del rey: como Midas le había ordenado guardar en secreto sus orejas de asno, incapaz de desahogarse de otra manera, cavó un hoyo en la tierra y gritó en él su secreto; en ese lugar, sin embargo, cuenta la leyenda que creció un arbusto de juncos que susurró al viento «El rey Midas tiene orejas de asno», revelando así el temido secreto. El cuadro ha sido previamente restaurado y retocado, pero actualmente necesita más colorido. En el reverso figura a lápiz una antigua atribución a la escuela ferraresa («Ercole da Ferrara»). Se presenta en un marco de estilo de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela norditaliana de los siglos XVII-XVIII. En un amplio paisaje de colinas, más bien árido, que se ensancha desvaneciéndose hacia la derecha, se encuentra una alta roca arqueada, bajo la cual está San Jerónimo penitente, representado en acto de oración y adoración de la Cruz. De acuerdo con los cánones de la pintura de los siglos XVII-XVIII, la figura del santo, adecuada a la iconografía por sus ropajes y su actitud, se sitúa, sin embargo, en un paisaje poco apropiado, cercano a la realidad paisajística familiar del pintor. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un marco estilizado.

Óleo sobre lienzo. En un paisaje de tipo nórdico, con cadenas montañosas al fondo y colinas verdes, se sitúa en primer plano un pequeño rebaño de vacas, vigiladas por una pastora que, sentada descansando al borde de la carretera, señala el castillo que hay a su lado. , el probable destino de su viaje. El cuadro, repasado, presenta pequeñas pero generalizadas gotas de color y rayones. Se presenta en un entorno de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Escuela romana del siglo XVII. El sangriento episodio del sacrificio de Ifigenia, también narrado en la Ilíada, tiene su origen en la ira de Artemisa, la diosa de la caza, que, ofendida por la jactancia de cazador de Agamenón, impide que la flota griega zarpe hacia Troya. El adivino Calcis profetiza que la ira de la diosa sólo puede aplacarse sacrificando a Ifigenia, la hija menor del propio rey Agamenón. En el centro de la escena se representa a la joven postrada a los pies del altar del sacrificio, mientras es preparada por los sacerdotes según el ritual; en el ángulo izquierdo se vislumbra a su padre Agamenón (con la corona abandonada a sus pies) junto a su madre Clitemnestra que, desesperada, no se atreve a mirar. Arriba, la diosa Artemisa asiste a la escena, reconocible por la luna en su pelo, el arco que sostiene y un ciervo, su animal simbólico, al pie del dosel: según una versión menos violenta del mito, en el momento del sacrificio Ifigenia es sustituida por Artemisa por un ciervo, como podría indicar la presencia del animal en esta representación. La obra que aquí se presenta procede del cuadro de Pietro Testa, publicado entre 1640 y 1642 (actualmente en la Galería Spada de Roma) y de sus grabados: toda la composición de las figuras está tomada de él, aunque se han modificado los ropajes, los colores y diversos detalles. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco de principios del siglo XX, coetáneo de la restauración.

Óleo sobre lienzo. La gran escena, ambientada en un paisaje montañoso, con un pueblo y ruinas al fondo a la izquierda, está completamente ocupada por el grupo compacto de numerosas figuras vivientes: sentada en el centro, la familia del pastor, observando a su compañero sosteniendo al pequeño en sus brazos en pañales; A su alrededor, los animales, desde el fiel perro pastor hasta los animales del rebaño, ovejas, cabras y vacas, también descansan. Destaca el gran naturalismo de las figuras animales, que remite como modalidad pictórica a las obras de la escuela de Philipp Peter Roos, conocido como Rosa da Tivoli (1657-1706), pintor alemán considerado uno de los mejores pintores de animales activos en Italia en el siglo XVII, caracterizada por la peculiar capacidad de evocar el vellón y la apariencia de los animales. La obra, restaurada y revestida, se presenta en un marco dorado de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela lombarda del siglo XVII. Primer lienzo y montado sobre bastidor original. Ambientada en una prisión, la escena presenta a San Ambrosio obispo que dirige hacia el cielo al personaje de su derecha, un soldado con la Cruz al cuello, identificable como San Víctor, soldado romano originario de Mauritania, que sirvió en Milán en el época de Maximiano y que fue martirizado por su fe cristiana. Fue el obispo milanés quien relató la vida y el martirio del santo en uno de sus escritos y difundió su culto. A la izquierda, otro probable mártir de la fe, que presencia la proclamación de la bienaventuranza de su compañero de celda; A su alrededor, numerosas figuras más de condenados. La pintura octogonal probablemente pertenece a una serie dedicada al culto del Santo Obispo de Milán. El lienzo requiere restauración y limpieza, presentando varias manchas y cortes (un desgarro en el centro, otros menores en los laterales).

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia de los siglos XVII-XVIII. La escena ve en el centro la figura de Cristo Resucitado que, sentado sobre las nubes, sostiene con una mano la Cruz y con la otra apunta hacia abajo, donde también dirige su mirada, hacia los destinatarios de la Redención; Está rodeado de ángeles y es iluminado por un rayo de luz intensa que se proyecta en diagonal desde arriba a la izquierda, rompiendo las nubes, simbolizando la presencia de Dios Padre. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana de los siglos XVII-XVIII. María y el Niño Jesús, de rodillas, están representados ya en la gloria del cielo, con angelitos a su lado. Son peculiares el collar y las pulseras de coral que porta el Niño: en el simbolismo cristiano el color de este material representa la sangre que Jesús tendrá que derramar; además, desde la antigüedad, el coral también era considerado un talismán de protección contra el mal de ojo y las fuerzas del mal, y se adornaba con él a los niños pequeños para protegerlos del maligno. La pintura está sobre un primer lienzo y se presenta en un marco antiguo y contemporáneo.

Óleo sobre tabla de roble. Escuela flamenca de los siglos XVII-XVIII. La representación sagrada muestra el momento del nacimiento de Jesús en una cueva, vigilado y adorado por María y José junto con cuatro ángeles; las figuras están bien caracterizadas y subrayadas por colores vivos, mientras que detrás de ellas el burro y el buey se mezclan con la uniformidad cromática de la cueva y la tierra. A la derecha, al fondo y en colores suaves, fundiéndose con el paisaje de fondo, se representa la escena del anuncio a los pastores. La pintura se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. El cuadro remite a los modos pictóricos de Francesco Foschi (1710 -1780), autor especializado en paisajes y que difundió ampliamente el gusto por los invernales. En este se vislumbra un paisaje de montaña, con un pueblo situado en un valle bajo picos rocosos y nevados. Incluso las casas y los prados están salpicados de nieve, que no aparece en el camino seguido por numerosas figuras; la atmósfera rosada del cielo evoca el comienzo de un nuevo día, ya lleno de actividad. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en una ambientación de mediados del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVIII. El retrato representa la figura de una joven con un vestido de diario, pero adornado con adornos de piel moteada; curiosamente, ostenta con el brazo levantado un manguito de piel deslizado sobre una mano, probablemente un capricho para subrayar una moda de la época. El cuadro presenta signos de restauración, con el lienzo original conservado, aunque montado en un nuevo bastidor. Se presenta en un marco oval coetáneo, pero coronado por un friso de madera añadido posteriormente.

Pintura al óleo sobre lienzo. La escena bíblica representa a la Sagrada Familia con María sentada en el asno, Jesús recién nacido en brazos y José tirando del animal, mientras huyen de Nazaret, rumbo a Egipto, para escapar de la persecución de Herodes. Unos angelitos se ciernen sobre ellos. Las miradas de los ángeles, José y María, convergen tiernamente en el Niño. Al fondo un paisaje nórdico. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela central italiana del siglo XVII. Según la tradición iconográfica, también en este cuadro el ángel de la guarda aparece representado como un joven alado que acompaña a un niño a lo largo de un tramo de camino, indicando al cielo como destino del viaje. Destaca y domina la escena la figura alada, vivaz en sus colores, poderosa en la fuerza física que emana, aunque dulce en su actitud delicadamente protectora hacia el niño, cuya pequeña figura está envuelta en los miembros de su tutor. La escena está encerrada dentro de una guirnalda de flores brillantes y coloridas, que dan color a las figuras, por lo demás situadas en un paisaje oscuro y casi monocromático. La representación de personajes, principalmente religiosos, encerrados en marcos florales tuvo un gran desarrollo especialmente en Roma, ligada a nombres como el de Giovanni Stanchi (1608 -1675), en lugar de Mario Nuzzi conocido como Mario de' Fiori (1603 -1673), y otros. . El cuadro, restaurado y revestido, se presenta enmarcado en listones.

Óleo sobre lienzo. El cuadro es de grandes dimensiones, lo que recuerda los métodos pictóricos del siglo XVII, pero es de fecha posterior, y fue pintado sobre un lienzo aplicado sobre otro más antiguo. La escena relata el episodio bíblico (tomado del Libro de los Reyes) ampliamente narrado pictóricamente, que representa el baño de Betsabé, esposa del general Urías, al servicio del rey David. Según el relato bíblico, David se encuentra en la terraza de su palacio cuando observa a la mujer bañándose en el jardín de su casa, rodeada de sus siervas. David se enamora de ella y la seduce, dejándola embarazada. Para disimular la fechoría, convoca al general Urías desde el frente para que se acueste con su esposa, pero Urías no quiere dejar a sus soldados; así que David lo envía a luchar en primera línea con la esperanza de que lo maten: esto sucede y David puede casarse con Betsabé, pero será castigado por Dios por el adulterio y la impiedad cometidos. El cuadro representa el momento en que Betsabé, recién salida del baño, mientras se refleja en el espejo que sostiene una esclava, y rodeada de otros sirvientes, lee la nota que le envía el rey David; éste aparece en el ángulo superior derecho, asomado a la terraza. La escena está dominada por las figuras femeninas entrelazadas en una maraña de túnicas y telas, y rodeadas por las flores del jardín; en el centro se alza el espejo en un rico marco dorado. El cuadro tiene una mancha en la esquina inferior derecha. Se presenta en un marco antiguo dorado.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana central del siglo XVII. El cuadro recuerda en su estilo pictórico la producción de Angelo Caroselli (1585-1652), artista romano del Barroco que fue pintor, copista, restaurador, pero también pasticheur y conocedor del arte, es decir, creador de cuadros «a la manera de» -en la «técnica» y el «estilo» de un determinado periodo artístico o autor, incluso ensamblando «partes» de diferentes cuadros. Inicialmente de estilo caravaggesco, Caroselli desarrolló más tarde su propio lenguaje artístico, que fue copiado por muchos artistas menores. En esta obra destaca la expresividad fija y casi exagerada del personaje, la elegancia de su vestido del siglo XVII y los rasgos casi femeninos de su rostro de tez sonrosada, que contrastan con la crudeza de la cabeza ensangrentada de Goliat, con su gran herida cortante que destaca sobre la palidez mortal. El cuadro ha sido restaurado y enmarcado de nuevo, conservando el marco de madera original. Se presenta en un marco de madera coe

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana de los siglos XVII-XVIII. Una gran composición de flores de colores, en jarrones de metal repujado, y algunas frutas esparcidas por el suelo, se colocan junto a una pared que domina un paisaje marítimo: la luminosidad del cielo y del mar a la derecha contrasta con la zona sombreada de la izquierda, sobre el que destacan los colores de las flores. El cuadro, repintado y restaurado, presenta una importante grieta. Se presenta en un marco contemporáneo lacado y dorado.

Óleo sobre lienzo. La escena tiene lugar en un campamento militar: fuera de una tienda, a la izquierda, un jefe de un ejército, probablemente griego, recibe las ofrendas de un grupo de hombres, pobres y harapientos, que se postran ante su nuevo señor; el primero reparte panes, otro saca algo de un saco, el tercero muestra las heridas de su cuerpo para invocar misericordia; detrás de ellos se acercan otras figuras que buscan, formando una fila dispersa por el camino que se pierde en la distancia, a la derecha. Al fondo, a la izquierda, la vida en el campamento militar es bulliciosa. El cuadro ha sido restaurado y repintado.

Óleo sobre lienzo. Escuela norditaliana del siglo XVII. El gran cuadro presenta como tema un conocido asunto del Antiguo Testamento, la riqueza del rey Salomón, relatada en el Primer Libro de los Reyes: «El rey Salomón superaba a todos los reyes de la tierra en riqueza y sabiduría. En todas partes de la tierra la gente anhelaba acercarse a Salomón para escuchar la sabiduría que Dios había puesto en su corazón. Todos le llevaban, cada año, ofrendas de plata y objetos de oro, túnicas, armas, aromas, caballos y mulas». En el cuadro, el rey, suntuosamente ataviado con los símbolos de la realeza (corona, cetro, manto de armiño), escucha de pie a los postulantes que acuden a él para recibir los consejos que dicta su proverbial sabiduría, y a cambio le traen ofrendas, acordes con su papel social: algunos campesinos traen como regalo sacos de grano, fruto de su trabajo en el campo, otro levanta una copa en alto, para llamar la atención del rey. El cuadro recuerda por sus colores y estilo pictórico a la producción del norte de Italia, especialmente de la región del Véneto. El cuadro ha sido restaurado y retocado.

Pintura al óleo sobre lienzo. Una delicada composición de flores se coloca dentro de una especie de cuna de madera, con setas y frutas en el suelo; el fondo es externo, pero mal definido por diversas manchas. La obra, en el primer lienzo, se presenta también en un bello marco de principios del siglo XVIII, en madera de tilo tallada con una corona de hojas unida por cintas, y dorada con gouache.