Óleo sobre lienzo. El cuadro representa el retrato de medio cuerpo de un joven deshabillé que enciende su pipa sacando fuego con un bastón de la vela colocada frente a él sobre la mesa en la que también reposa una espada: tal vez se trate de un joven caballero en un momento de descanso. Precisamente la vela, única fuente de luz de la escena, sugiere que el artista se inspiraba en la producción de Georges De La Tour (1593-1652), pintor francés del estilo de Caravaggio que se dio a conocer con sus escenas «nocturnas», caracterizadas por figuras, generalmente personas de bajo rango más que modelos históricos o personajes de alta alcurnia, iluminadas por la luz de una vela, creando una atmósfera especial de intimidad. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. Escuela del sur de Italia, siglos XVII-XVIII. La escena, llena de personajes, tiene en el centro la figura de un condottiere, bien definido en los detalles de armadura, cimera y anatomía, que acompaña benévolamente con el movimiento de sus brazos a un hombre arrodillado que, junto con su compañero, rinde homenaje a un emperador, mientras señala con la mano extendida al grupo de seis niños, sostenidos a la derecha por soldados. El emperador se ha levantado de su trono, a la izquierda, y va al encuentro de la pareja postrada, pero también él parece casi en actitud de reverencia hacia el líder central. La escena parece referirse a un episodio histórico de clemencia de un condottiere, que por edad, rasgos y tipo de armadura, podría ser Alejandro Magno, personaje que sin embargo es difícil de emparejar con la otra figura coronada de laurel, que desciende de su trono en el suntuoso palacio. El episodio (¿histórico o legendario?) de referencia no puede, pues, identificarse específicamente. Sin embargo, se puede apreciar la riqueza compositiva de la escena, con numerosas figuras bien detalladas y colores vivos que acentúan su dinamismo. La obra, restaurada y reencuadrada, se presenta en un marco antiguo.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa del siglo XVIII. Carataco fue un rey celta de la tribu britana Catuvellauni, líder de la resistencia antirromana y famoso como luchador por la libertad. Durante ocho años resistió la invasión romana de Britania a partir del año 43 d.C.. Durante ocho años fue el hombre más buscado del Imperio Romano, perseguido sin descanso, de combate en combate, de fortaleza en fortaleza, en las montañas de Gales, hasta que fue traicionado y entregado a los romanos en el año 51 d.C. por Cartimandua, reina de los brigantes de Yorkshire, a quien había acudido en busca de ayuda. Derrotado, fue llevado encadenado a Roma con toda su familia. Conducido ante el emperador, el rey bretón habló con tal sabiduría y orgullo (discurso recogido por Tácito en sus Annales) que Claudio, impresionado por sus palabras, le concedió clemencia a él, a su esposa y a sus hermanos, permitiéndoles pasar el resto de sus días en Roma. El cuadro representa el momento de la peroración de Carataco, en el centro de la escena encadenado, que defiende fervientemente su causa ante el emperador: está sentado en su trono, flanqueado por su esposa y rodeado de senadores y soldados. El cuadro, restaurado y repintado a finales del siglo XIX, presenta ligeros daños.

Pintura al óleo sobre lienzo. La escena, al aire libre al pie de una pendiente, muestra dos figuras femeninas desplomadas sobre ellas y detrás de ellas un peregrino, con el tradicional bastón y conchas en su manto. La mujer en primer plano sostiene un rosario en una mano y en su regazo hay un niño dormido. La escena recuerda un momento de oración dolorosa y contemplativa. El cuadro, ya restaurado y revestido, tiene varias gotas de color y manchas. Se presenta en un marco elegante.

Seguidor de Pedro Pablo Rubens

Óleo sobre lienzo. El cuadro procede de la obra de Rubens (1577 -1640) conservada en el Museo del Prado de Madrid, reproducida como contrapartida en grabado por Paulus Pontius (1603 -1658), como también aparece en esta versión. Ocupa el centro vertical de la escena la figura de María, cuyo rostro se inspira en el de Isabel Brandt, la primera esposa del pintor flamenco, fallecida en 1626 con sólo 35 años. La Virgen sostiene en sus brazos al Niño Jesús, que la mira tierna pero seriamente a los ojos, mientras una pequeña mano se apoya en el pecho descubierto de su madre, de la que acaba de recibir el alimento; detrás, de pie, Santa Ana envuelve los hombros de su hija y de su nieto en un abrazo tierno y protector, sonriendo complacida: A la izquierda, algo separado y en penumbra, José observa pensativo y preocupado: la única figura humana que no encaja en la luz que emana del rostro del Niño, irradiada sobre el de María y, por reflejo, también sobre el de Santa Ana. En comparación con la obra del maestro, se respeta la composición de las figuras, pero varían varios detalles, sobre todo en la vestimenta de Santa Ana, María y el drapeado que rodea las caderas del Niño, lo que apoya la hipótesis de que sea obra de un seguidor del maestro flamenco. El cuadro, restaurado y repintado, está en buen estado, con sólo un rasguño de color en la parte superior central.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana central del siglo XVII. La insólita y peculiar representación presenta a la izquierda las tres figuras de la Sagrada Familia, con Jesús ya niño, sentados a la mesa y bendiciendo la sencilla comida que van a tomar (consistente en fruta y pan). La escena, un tema representado con bastante poca frecuencia y normalmente con un carácter más sagrado debido a la presencia de ángeles que sirven la comida a la familia, tiene aquí en cambio el sabor de una intimidad doméstica muy normal y sencilla. Por otra parte, en torno a la Sagrada Familia se vislumbra majestuosamente una ciudad renacentista, con altos edificios con logias y columnatas, presentados en un bello efecto de perspectiva que conduce, en el extremo derecho, a la muralla de entrada a una ciudad ricamente torreada, probablemente Jerusalén. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. La gran composición presenta diversos alimentos sobre una mesa de cocina: a la izquierda, una gran cesta de mimbre llena de verduras, coronada por un grupo de peces colgantes; otras verduras están colocadas sobre la superficie de la mesa, junto a un plato de cerezas, otro con una hogaza de pan y, más atrás, otro con gambas; a la derecha, un jarrón lleno de flores multicolores y, sentado en lo alto de una alacena, un gato negro que lame tranquilamente su pata. Destaca la nitidez de los colores, realzada por los reflejos de la luz en algunos alimentos, como las cerezas o las gambas, y en la jarra de cobre situada delante de las flores. El cuadro, restaurado y retocado, se presenta en un marco de listones.

Óleo sobre lienzo. En el centro de la composición aparece una liebre colgada, flanqueada por unas codornices y una paloma; a la derecha, una cesta de mimbre con castañas y ramas de pino; a la izquierda, un manojo de espárragos y un jarrón con flores multicolores, cuyos colores vivos y brillantes crean un contraste cromático con los demás elementos, todos ellos en tonos marrones y grises. Restaurado y reenmarcado, el cuadro se presenta en un marco del siglo XIX reacondicionado.

Óleo sobre lienzo. La escena narra el episodio bíblico del libro del Éxodo en el que el bebé Moisés, al que su madre había confiado al río dentro de una cesta para salvarlo de la matanza de los niños varones israelitas (ordenada por el faraón de Egipto para evitar que el pueblo israelita fuera demasiado numeroso y se rebelara contra la esclavitud), es encontrado por una sierva de la hija del mismo faraón, que decide adoptarlo y lo salva. La escena, situada a orillas del río, está ocupada en su totalidad por las figuras femeninas del séquito principesco, apiñadas y proyectadas hacia el ángulo inferior derecho, donde se encuentra la cesta con el recién nacido. Todas las miradas se dirigen también hacia el niño, en la dirección indicada por el brazo extendido de la mujer del primer plano derecho. Destaca la redondez de las formas femeninas, especialmente de las tres figuras del primer plano, donde los juegos de luces y sombras resaltan las complexiones que emergen de los ropajes. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta enmarcado.

Óleo sobre lienzo. Escuela emiliana de los siglos XVII-XVIII. Se trata de una copia temprana de la célebre tabla de Correggio titulada La Madonna di San Girolamo o Il Giorno (La Virgen de San Jerónimo o El Día), fechada hacia 1528 y conservada en la Galería Nacional de Parma. El tema de la representación es la presentación de San Jerónimo a Jesús de la traducción de la Biblia del hebreo al latín popular, obra que el santo realizó a petición del papa Dámaso y que completó ocultándose en soledad en la cueva de Belén. En el cuadro, la centralidad de la escena la ocupa María sentada con el Niño Jesús en brazos. A su alrededor, varias figuras se disponen en semicírculo. A la izquierda, la poderosa figura del anciano Jerónimo, que mira al Niño con el rollo de la traducción en la mano, y el león, su compañero ermitaño, agazapado a sus pies. En el mismo lado, un ángel sostiene la Biblia y se dirige sonriente a la Virgen y al Niño. En el otro lado, Magdalena está semiacostada, abrazando cariñosamente el pie del niño, que a su vez le acaricia el pelo, en un gesto íntimo que subraya el intenso vínculo entre las dos figuras. Detrás de Magdalena, un angelito arruga la nariz olfateando el frasco de ungüentos de la santa penitente. La escena se desarrolla bajo una cortina roja, abierta a un amplio paisaje. El cuadro de Correggio tuvo tanto éxito que existen numerosas copias y réplicas antiguas, entre ellas la que aquí se presenta. La obra, restaurada y retocada, se presenta en un marco antiguo coetáneo.

Óleo sobre lienzo. La escena narra el episodio bíblico del libro del Éxodo en el que el niño Moisés, al que su madre había confiado al río dentro de una cesta para salvarlo de la matanza de los niños varones israelitas (ordenada por el faraón de Egipto para evitar que el pueblo israelita fuera demasiado numeroso y se rebelara contra la esclavitud), es encontrado por una sierva de la hija del mismo faraón, que decide adoptarlo y lo salva. La escena se desarrolla a orillas de un río, pero en un paisaje que no es oriental, con estructuras arquitectónicas a la derecha: hay numerosas figuras que representan el séquito de la princesa, colocadas en el centro con el niño en la cesta. El lienzo restaurado se aplicó sobre un bastidor moderno. Se presenta en un bastidor del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea. En la parte posterior, este monograma No.S. y cifras probables de inventario. La pintura recuerda obras de la zona austriaca. Representa una batalla entre caballeros, dominada en primer plano por el enfrentamiento entre dos de ellos. La pintura proviene de una colección histórica lombarda. Todavía en el primer lienzo y en el marco original; en la parte posterior hay parches y signos de restauraciones antiguas, y también ha sido sometida a posteriores restauraciones pictóricas y restauradoras en nuestro laboratorio. Cretto bien marcado. La pintura se presenta en un marco original y coetáneo, lacado.

Figuras con Bodegones Otoñales

Óleo sobre lienzo. En el tonel, en la esquina inferior izquierda, figura la firma de H. Sanders. La escena, ambientada al aire libre en una calle de una ciudad flamenca, con el canal al fondo a la izquierda, muestra en primer plano a una vendedora de verduras detrás de su puesto, montado con una variada composición de verduras de invierno, un bodegón compuesto de coliflor, repollo, zanahorias, mazorcas de maíz; junto a la mujer, un transeúnte que lleva un arpón le ofrece pescado, evidentemente el fruto de su pesca que quiere vender. El escenario recuerda Ámsterdam, ciudad donde nació y vivió el pintor holandés Hércules (o Herkules) Sanders, que se estableció principalmente como retratista, pero del que conocemos una escena de género en un interior, hoy en el Detroit Institute of Arts, fechada en 1647 y titulada «Mujer limpiando pescado», cuya figura femenina se asemeja mucho a la vendedora de la obra que aquí se presenta. Restaurado y reenmarcado, el cuadro se presenta en un marco de estilo.

Óleo sobre lienzo. Escuela flamenca de los siglos XVII-XVIII. La gran escena se desarrolla en un vasto paisaje nórdico, dentro de un bosque lleno de plantas retorcidas, y a la derecha una ciudad coronada por picos rocosos. En el interior del bosque, un numeroso grupo de personajes, populares pero también de alto rango, todos con ropajes orientales, rodean a Juan el Bautista, retratado con su traje iconográfico tradicional (vestido con pieles, con su bastón coronado por la Cruz y envuelto en un rollo, un cordero a sus pies): la mirada de Juan se dirige hacia arriba, en línea con un pájaro que vuela por encima de las copas de los árboles, representación simbólica del Espíritu Santo que inspira las palabras del predicador. Restaurado y reenmarcado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX-principios del XX.

Óleo sobre lienzo. Escuela napolitana del siglo XVII. Una composición de flores abigarradas en tonos claros está colocada en un jarrón, negro como el fondo, sobre una base de mármol, de la que sólo se distingue la base, porque está recubierta de una tela también negra, de la que sólo destacan los adornos dorados dispuestos para crear un juego de curvas. A ambos lados del plano hay dos pájaros, una gran paloma a la izquierda que sostiene en el pico una pequeña rama robada a la composición, y un pájaro carpintero de cabeza roja a la derecha. En el margen izquierdo hay un paisaje, con un alto árbol curvado bajo un cielo oscuro, y una ciudad al fondo. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre cobre. Escuela flamenca del siglo XVII. El cuadro, atribuido por la tradición oral a Frans Francken el Joven (1581 -1642), representa una curación milagrosa realizada por Jesús: mientras iba de camino con sus discípulos, encuentra en su camino a un hombre enfermo, probablemente de lepra, enfermedad que conllevaba el aislamiento y el destierro de la ciudad; el hombre invoca a Cristo que realiza el milagro y lo cura. El cuadro sitúa el acontecimiento en el borde izquierdo de la escena, en primer plano, donde destacan las figuras vestidas a la usanza de la época de Cristo, con colores vivos. Sin embargo, el paisaje que llena el resto de la escena es decididamente nórdico, con un río lleno de agua que fluye por un campo rico en vegetación, y una ciudad al fondo bajo cumbres montañosas. La descripción pictórica de la vegetación es minuciosa y precisa, rica y bien definida en detalles: el tronco roto del primer plano, el follaje del gran árbol situado detrás de los personajes, los pájaros que vuelan alto en el cielo, las pequeñas flores de la orilla, los matices del agua en la que se reflejan las plantas y las nubes, están pintados con un refinamiento pictórico típico de la pintura flamenca, cercano en estilo al del gran artista de Amberes. El cuadro se presenta en un marco antiguo reacondicionado.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia. La representación de la Natividad se ve aquí como un momento contemplativo del Santo Niño, por María y José, acompañados de angelitos. Los modos pictóricos retoman los de modelos ampliamente reproducidos, empezando por Correggio, Barocci y las numerosas versiones de Gherardo delle notti, el pintor flamenco Gerard Von Honthorst, representante del tenebrismo, corriente pictórica que jugaba con fuertes contrastes de oscuridad y luz, claroscuros. También en esta obra, la luz que irradia el Niño Jesús ilumina a las figuras que le rodean y las hace emerger de la oscuridad circundante. La obra, restaurada y reencuadrada, se presenta en un marco del siglo XIX.

Copia de Guido Reni

Óleo sobre lienzo. La obra es una de las numerosas réplicas, con algunas variantes, del famoso tema creado por el célebre pintor boloñés Guido Reni (1574 -1642) y su taller. La composición, que representa a la Virgen en oración inclinada para adorar al Niño dormido, se considera una invención de la genial vena de Reni, que, tras su gran éxito entre los coleccionistas de la época, fue retomada posteriormente por otros artistas del siglo XVII, entre los que destaca el nombre de Giovan Battista Salvi, conocido como «Il Sassoferrato». Las dos variantes más famosas de esta fascinante escena presentan a la Virgen con las manos juntas en oración, hecha suya por Salvi, o con las manos sobre el pecho, como ésta, típicamente de Reno. Otras variantes se refieren a la posición de la cabeza del Niño Jesús dormido, girada hacia arriba, como en esta versión, en lugar de reclinada hacia un lado; por último, cambian las telas del fondo. Sin embargo, la intensidad de la escena también destaca en esta réplica: ocupando la escena transversalmente está el cuerpo abandonado del niño en reposo, donde la naturaleza divina somete a la humana dormida; sobre él, inclinado en un gesto protector y al mismo tiempo contemplativo, está el cuerpo de María, expresando toda la ternura maternal pero también, en el gesto de sus manos, la adoración del misterio encarnado representado por su hijito. Los vivos colores de las telas -el cojín sobre el que yace Jesús, el cortinaje de detrás, las ropas de la Madre- resaltan la luminosidad de los tonos de la carne. Restaurado y enmarcado de nuevo, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. El episodio bíblico representado se refiere a la historia de Daniel, el profeta de la corte del rey Darío el Medo que, por rezar a su Dios, fue condenado a ser arrojado al foso de los leones. Pero Dios salvó a Daniel, enviando a un ángel para que cerrara las fauces de las fieras, y el rey perdonó a Daniel haciendo que condenaran en su lugar a quienes lo habían denunciado. El tema ha sido representado varias veces en el arte, por la fascinación ligada a la historia, pero también por su sabor exótico debido a la presencia de las fieras. Destaca especialmente la versión de Rubens de 1615, en la que el profeta aparece desnudo en el foso bajo tierra, rezando fervorosamente, rodeado de una multitud de feroces leones. En cambio, la obra que aquí se presenta propone una versión centrada en el diálogo entre el profeta y el ángel, que se encuentran frente a frente, destacando con los vivos colores de sus vestiduras sobre el fondo oscuro de una prisión; sólo hay un león, agazapado mansamente a los pies del ángel, por lo que prevalece la dimensión espiritual y salvífica del acontecimiento bíblico. Según el célebre historiador del arte Maurizio Marini, especialista en Caravaggio y el arte barroco, que tuvo ocasión de contemplar el cuadro hace años, la obra podría atribuirse a Antonio Maria Vassallo (1620 -1664) por sus elecciones compositivas y cromáticas. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta con un marco de listones.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. En el retrato de este caballero destaca especialmente la túnica de cámara confeccionada con un elegante tejido floral en tonos rojo ladrillo, que hace eco al color de la peluca. Casi contrasta la severidad de la pose y la mirada austera del personaje con la elegancia casi frívola de su indumentaria. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana central de finales del siglo XVII-principios del XVIII. La composición presenta un busto femenino en el centro, retratado como si se tratara de una efigie escultórica, debido a la monocromía que evoca el mármol; está rodeado por una guirnalda de flores multicolores, que se extienden desde ramas retorcidas en lo alto, mientras que un paisaje se desvanece en el fondo. Este tipo de retrato procede de una solución originada en los círculos flamencos y difundida en Italia por Daniel Seghers. Restaurado y retocado, el cuadro presenta ligeros desvanecimientos de color. Se presenta en un marco antiguo.