Tableau Modèrne Signé Agostino Ferrari Acrylique sur Toile 1987 - Événement 1987

Nous avons créé des systèmes atypiques 1963/74

Sérigraphies et photos. L'œuvre se compose de trois bandes dessinées sérigraphiées (sous carton) avec le texte en anglais (titre original "Nous avons créé des systèmes atypiques") et de six photos représentant l'artiste, encadrées individuellement. Au verso des trois sérigraphies en anglais, numérotées dans l'ordre, figurent le numéro d'édition 13/15, la date 1974 et la signature de l'artiste ; ils accompagnent également trois sérigraphies non signées avec le texte en italien. Cioni Carpi, artiste milanaise, engagée dans l'art conceptuel et minimaliste, a produit des œuvres dans lesquelles l';imagination, la sensibilité, le flair expressif étaient fondamentaux. Sa créativité s'exprime également dans la photographie, les installations, la vidéo, le dessin, l'écriture, le livre d'artiste, ainsi que la peinture. Les dimensions indiquées sont celles du cadre simple.

Invasion 1996

Acrylique et sable sur toile. Titre, signature et date au dos. L'œuvre de Ferrari s'est entièrement développée autour du signe, traversant différentes phases d'interprétation. Cette œuvre appartient à la période postérieure à 1995, où la linéarité du signe cède la place au chaos, où les formes se rencontrent et s'entrechoquent librement sur la toile, et où l'écriture utilisée jusqu'alors se disperse dans toutes les directions. Le signe, totalement libre de toute superstructure, s'exprime pleinement, se manifestant de manière dynamique sur toute la surface du tableau. Ces œuvres sont réalisées avec du sable noir d'Otrante, un matériau qui permet à Ferrari d'exprimer toute la théâtralité du signe et qui représente encore aujourd'hui l'élément fondamental de sa peinture : à travers le sable, le signe trace son chemin dans l'espace du tableau et au-delà.

In Nome della Pace sulla Terra 1969

Huile sur toile. Signature, titre et date en cyrillique au dos. Viktor Petrovich Rudametkin est un artiste ukrainien reconnu comme paysagiste et coloriste. Dans cette œuvre, usant de sa palette vibrante caractéristique, il représente une paysanne au milieu d'un champ de tournesols, symbole de vie et de paix, contrastant avec les images d'avions militaires filant dans le ciel. Créée pendant les années où l'Ukraine était sous l'Union soviétique, cette image peut être considérée comme un appel à la paix et un message d'espoir pour la terre natale de l'artiste, encore déchirée par le grave conflit avec la Russie.

Colombes 1976

Crayons sur papier. Signé et daté en bas à gauche. Floriano Bodini, sculpteur, graveur et médailleur de renom, considéré comme l'une des figures emblématiques du réalisme existentiel, s'est également consacré au graphisme tout au long de sa carrière. Sa production présente des sujets récurrents – évêques, cardinaux, requiems, papes, colombes, ambons – qui expriment la pensée, l'inquiétude, parfois l'anxiété, mais aussi la confiance et la foi. La colombe, en particulier, a représenté pour Bodini un élément iconographique constant de sa recherche artistique, un thème présent dans toute sa production, non seulement graphique, depuis la fin des années 1960, jusqu'au dernier exemple daté de 2004, considéré comme sa dernière œuvre gravée. L'intérêt pour cette image est confirmé, entre autres, par sa collection d'objets représentant des colombes ou dont ils rappellent la forme. Fruit d'une recherche riche en stimuli provenant de sources diverses, tant culturelles que populaires, le choix de cette image n'a jamais été banalisé, mais a toujours conservé sa haute dignité symbolique et formelle. Le travail proposé ici est présenté dans un cadre.

Mère avec Enfant

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Au dos, un cartouche d'authentification de « Meeting Art Roma » indique les données de l'œuvre et un cachet de provenance du « Centro Artistico Mercurio, Milan ». Giuseppe Migneco, originaire de Messine mais installé à Milan dans sa jeunesse, fut l'un des principaux représentants, avec Aligi Sassu, Renato Birolli, Bruno Cassinari et Renato Guttuso, du groupe Corrente, ouvert aux avant-gardes artistiques européennes. Privilégiant une peinture engagée, il explore la réalité avec un regard critique, objectif et historique. Ses personnages aux visages durs et carrés, marqués par un travail acharné et rendus par des tons vifs et forts, évoquent sa Sicile aux traits violents et nets, mais aussi le réalisme social des muralistes mexicains. Dans cette œuvre apparaissent ses personnages caractéristiques (qui pourraient appartenir à la fois à la Sicile et au Mexique !) engagés dans une activité très prosaïque et réaliste de la vie quotidienne populaire, à savoir une mère qui peigne et nettoie la tête de son fils, probablement infestée de parasites. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Peinture en Relief '58-'68

Technique mixte sur toile, avec applications matérielles. De 1958 à 1968, ORAZI, qui était déjà passé de la phase figurative à la phase abstraite, se consacre à la création de compositions en relief : il collecte et utilise des matériaux et des fibres de différents types, en particulier des matériaux et des fibres naturels tels que de minuscules grains de sable, des graines, des filaments végétaux et des fragments d'écorce, avec lesquels il crée des formes en relief qui émergent de la surface de la toile. La base de cette expérience artistique, appelée Peinture en Relief, est l'exploration de la nature, de ses composantes et de ses phénomènes (fleurs, plantes, sables, rochers, lave volcanique, côtes et fonds marins, éruptions, tempêtes, météorites pétrifiées). Les œuvres de cette période se caractérisent d’abord par un relief encore assez bas ; mais par la suite le relief est devenu de plus en plus prononcé, allant même souvent jusqu'à dépasser du périmètre du support, au point de ressembler plus à des statues qu'à des peintures. L'oeuvre est présentée dans un cadre. De la collection familiale de l'artiste.

Peinture en Relief '58-'68

Technique mixte sur toile, avec applications de matière et de plaque. Au dos se trouve une étiquette d'un service de transport d'art parisien, avec le nom de l'artiste : les œuvres d'ORAZI ont participé à de nombreuses expositions dans la capitale française, tant personnelles que collectives. De 1958 à 1968, ORAZI, qui était déjà passé de la phase figurative à la phase abstraite, se consacre à la création de compositions en relief : il collecte et utilise des matériaux et des fibres de différents types, en particulier des matériaux et des fibres naturels tels que de minuscules grains de sable, des graines, des filaments végétaux et des fragments d'écorce, avec lesquels il crée des formes en relief qui émergent de la surface de la toile. La base de cette expérience artistique, appelée Peinture en Relief, est l'exploration de la nature, de ses composantes et de ses phénomènes (fleurs, plantes, sables, rochers, lave volcanique, côtes et fonds marins, éruptions, tempêtes, météorites pétrifiées). Les œuvres de cette période se caractérisent d’abord par un relief encore assez bas ; mais par la suite le relief est devenu de plus en plus prononcé, allant même souvent jusqu'à dépasser du périmètre du support, au point de ressembler plus à des statues qu'à des peintures. Ces œuvres font souvent référence à l'activité volcanique et à la matière qu'elle produit, parfois exprimées par des titres tels que « Coulée de lave », « Sables volcaniques », « Plages volcaniques ». L'œuvre est présentée dans un cadre. De la collection familiale de l'artiste.

Peinture en Relief '58-'68

Technique mixte sur toile, avec applications matérielles. Signé en bas à droite. De 1958 à 1968, ORAZI, qui était déjà passé de la phase figurative à la phase abstraite, se consacre à la création de compositions en relief : il collecte et utilise des matériaux et des fibres de différents types, en particulier des matériaux et des fibres naturels tels que de minuscules grains de sable, des graines, des filaments végétaux et des fragments d'écorce, avec lesquels il crée des formes en relief qui émergent de la surface de la toile. La base de cette expérience artistique, appelée Peinture en Relief, est l'exploration de la nature, de ses composantes et de ses phénomènes (fleurs, plantes, sables, rochers, lave volcanique, côtes et fonds marins, éruptions, tempêtes, météorites pétrifiées). Les œuvres de cette période se caractérisent d’abord par un relief encore assez bas ; mais par la suite le relief est devenu de plus en plus prononcé, allant même souvent jusqu'à dépasser du périmètre du support, au point de ressembler plus à des statues qu'à des peintures. L'oeuvre est présentée dans un cadre. De la collection familiale de l'artiste.

Jehovah Ordonnant de sa Main Puissante une Famille Cosmique, 1970

Huile sur toile. Signé et daté en bas à droite. Dans la phase picturale abstraite d'ORAZI, sa forte inclination à créer des formes circulaires, souvent nouées ou concentriques, s'exprime souvent. Cette tendance devient centrale dans la phase picturale des années 1970-1977, appelée Ligne Circulaire, dans laquelle il abandonne les créations en relief et la référence aux formes et aux événements impressionnants de la nature, pour représenter à la place la dimension harmonieuse de l'univers, la naissance et le mouvement des planètes, l'immensité du firmament. Les couleurs s'adoucissent, elles sont riches et en même temps tendres. Dans certaines peintures, ORAZI dépeint également de fascinantes représentations de la Terre Mère embrassant ses créatures (insectes, oiseaux, fleurs) ou de la Lune. Ou comme dans cette œuvre, il exprime une référence directe dans le titre à la création divine, représentant « Dieu qui ordonne la famille cosmique avec sa main puissante ». L'œuvre provient de la collection familiale de l'artiste. Il est présenté dans un cadre.

Tête-Paysage 1970 ca.

Huile sur toile. Signé en bas à gauche. Le tableau appartient à la production d'ORAZI de 1970 à 1977. Dans cette phase, l'artiste abandonne complètement la peinture abstraite et en relief et revient à la peinture figurative, rendue cependant avec des lignes simplifiées et déformées. Il a créé notamment la série intitulée Lignes Circulaires et celle à laquelle appartient cette œuvre, les tableaux dits Têtes-Paysage, dans lesquels il crée des compositions qui figurent de mystérieuses têtes humaines ou celles de faunes et de figures mythologiques (parfois accompagnées de leurs compagnons insectes) : les lignes, dans ces tableaux, s'entrelacent pour former simultanément des compositions, des entrelacs de corps, ou comme dans cette œuvre, cachent une tête ou un visage, souvent « faunique ». L'œuvre provient de la collection privée de la famille de l'artiste.

Figures d'Amoureux 1975

Huile sur toile. Signé et daté en bas à droite. Le tableau appartient à la production d'ORAZI des années 70. Dans cette phase, l'artiste abandonne complètement la peinture abstraite et en relief et revient à la peinture figurative, rendue cependant avec des lignes simplifiées et déformées. Il a créé notamment la série dite Lignes Circulaires et celle à laquelle appartient cette œuvre, les tableaux dits Têtes-Paysage, dans lesquels il a créé des compositions figurant de mystérieuses têtes humaines ou celles de faunes et de figures mythologiques (parfois accompagnées de leurs compagnons insectes), souvent des couples d'amoureux s'embrassant : les lignes, dans ces tableaux, s'entrelacent pour former simultanément des compositions, entrelaçant des corps, souvent dans une pose érotique. L'œuvre provient de la collection privée de la famille de l'artiste.