Peinture de Paolo Sala - Marina avec des personnages

Figure dans un paysage 1920

Huile sur toile. Signature, date et lieu (Venise) en bas à gauche. Œuvre de l'artiste vénitien Giovanni Caldana, portraitiste reconnu. Ce portrait représente un homme en tenue de marche sur fond de pentes alpines. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Plage avec Personnages et Bétail

Huile sur toile. L'œuvre, signée Sorolla en bas à droite et datée de 1928, évoque le style de Joaquim Sorolla y Bastida (1863-1923), célèbre peintre valencien qui choisit de refléter la lumière méditerranéenne dans les scènes quotidiennes de sa ville, dans un style unique appelé luminisme. Ses œuvres se caractérisent par leur peinture en plein air, représentant des personnages simples, souvent encadrés dans des scènes de pêche et de mer, capturant coutumes et traditions, ainsi que la liberté avec laquelle elles reflètent la lumière et la couleur. Les plages urbaines de Valence, animées par de nombreux personnages, dont des baigneurs, constituent un décor récurrent dans nombre de ses tableaux. Dans cette œuvre, la scène est bien celle d'une plage, où défilent des personnages accompagnés de bétail, tandis que des bateaux échoués et des baigneurs apparaissent en arrière-plan. L'œuvre, certes picturale, bien que très proche du style et de la manière de Sorolla, n'est pas reconnue comme authentique par les archives officielles de l'artiste. Elle est présentée dans un cadre d'époque.

Figure au repos 1969

Stylo sur papier. Signé en bas à droite. Accompagné d'une photo d'authentification des archives de Mario Tozzi. Dans l'importante production du maestro Tozzi, il existe de nombreux dessins, comme celui présenté ici, réalisés avec différentes techniques (encre, pastel, crayon, sanguine), dédiés à la figure humaine : dans son style sec et stylisé, Mario Tozzi trace des contours stylisés, raffinés figurines dans leur géométrie silencieuse et discrète, favorisée par l'absence de couleur, qui fait ressortir les formes sur le papier blanc.Même dans sa production picturale, les sujets de prédilection de Mario Tozzi sont, classiquement, les figures et les natures mortes, mais aussi bien les figures que la mort sont un ensemble d'éléments géométriques solides, la sphère, le cylindre, le cône, etc. Les corps sont élémentaires, essentiels dans les lignes et les détails, puissants, sculpturaux, composés de solides juste modélisés, tandis que les natures mortes sont une célébration de la géométrie euclidienne comme les cruches, bols, flacons qui sont des paradigmes de volume et de rigueur géométrique. Les compositions de Mario Tozzi sont influencées par le Cubisme pour certaines coupes, par la Métaphysique pour certaines insertions architecturales et par l'Abstraction pour l'insertion de figures géométriques. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Paysage d'hiver

Caryons couleurs sur papier appliqués sur toile. Signé en bas à gauche. Le grand paysage est complètement dominé par le jeu de la couleur : divisé en deux hémichamps donnés par le ciel et la terre (un terrain montagneux où poussent sporadiquement des sapins), il voit prévaloir le bleu rosé du ciel, sous le bleu verdâtre de la neige au sol, deux nuances d'une même gamme de couleurs qui se rejoignent ensuite dans l'horizon des montagnes. Cinotti était un peintre paysagiste représentant du divisionnisme italien, dont la peinture se caractérise par une application matérielle et pâteuse avec des touches de couleur spatulée. Dans un cadre contemporain.

Intérieur avec Personnages et Animaux, 1917

Huile sur toile. Signé et daté en bas à droite. Dans la vaste production de Giuseppe Solenghi, riche de lyrisme exprimé avec des tons et des traits délicats et raffinés, prédominent les paysages urbains de Milan ou les aperçus de la lagune vénitienne, mais il y a aussi plusieurs aperçus de la campagne, principalement de la Lombardie, ainsi que des intérieurs rustiques. Dans cette œuvre, l'artiste représente l'intérieur d'une maison paysanne, où cohabitent humains et animaux : la scène est imprégnée d'une atmosphère sereine de la vie quotidienne familiale, dans laquelle la chaude lumière du soleil filtrant à travers la porte ouverte crée des jeux d'ombre et de lumière sur les tons terreux de l'intérieur. Le tableau est présenté dans un cadre du milieu des années 1900.

Peinture en Relief '58-'68

Technique mixte sur toile, avec applications matérielles. De 1958 à 1968, ORAZI, qui était déjà passé de la phase figurative à la phase abstraite, se consacre à la création de compositions en relief : il collecte et utilise des matériaux et des fibres de différents types, en particulier des matériaux et des fibres naturels tels que de minuscules grains de sable, des graines, des filaments végétaux et des fragments d'écorce, avec lesquels il crée des formes en relief qui émergent de la surface de la toile. La base de cette expérience artistique, appelée Peinture en Relief, est l'exploration de la nature, de ses composantes et de ses phénomènes (fleurs, plantes, sables, rochers, lave volcanique, côtes et fonds marins, éruptions, tempêtes, météorites pétrifiées). Les œuvres de cette période se caractérisent d’abord par un relief encore assez bas ; mais par la suite le relief est devenu de plus en plus prononcé, allant même souvent jusqu'à dépasser du périmètre du support, au point de ressembler plus à des statues qu'à des peintures. L'oeuvre est présentée dans un cadre. De la collection familiale de l'artiste.

Peinture en Relief '58-'68

Technique mixte sur toile, avec applications matérielles. Signé en bas à droite. De 1958 à 1968, ORAZI, qui était déjà passé de la phase figurative à la phase abstraite, se consacre à la création de compositions en relief : il collecte et utilise des matériaux et des fibres de différents types, en particulier des matériaux et des fibres naturels tels que de minuscules grains de sable, des graines, des filaments végétaux et des fragments d'écorce, avec lesquels il crée des formes en relief qui émergent de la surface de la toile. La base de cette expérience artistique, appelée Peinture en Relief, est l'exploration de la nature, de ses composantes et de ses phénomènes (fleurs, plantes, sables, rochers, lave volcanique, côtes et fonds marins, éruptions, tempêtes, météorites pétrifiées). Les œuvres de cette période se caractérisent d’abord par un relief encore assez bas ; mais par la suite le relief est devenu de plus en plus prononcé, allant même souvent jusqu'à dépasser du périmètre du support, au point de ressembler plus à des statues qu'à des peintures. L'oeuvre est présentée dans un cadre. De la collection familiale de l'artiste.

Tête-Paysage 1970 ca.

Huile sur toile. Signé en bas à gauche. Le tableau appartient à la production d'ORAZI de 1970 à 1977. Dans cette phase, l'artiste abandonne complètement la peinture abstraite et en relief et revient à la peinture figurative, rendue cependant avec des lignes simplifiées et déformées. Il a créé notamment la série intitulée Lignes Circulaires et celle à laquelle appartient cette œuvre, les tableaux dits Têtes-Paysage, dans lesquels il crée des compositions qui figurent de mystérieuses têtes humaines ou celles de faunes et de figures mythologiques (parfois accompagnées de leurs compagnons insectes) : les lignes, dans ces tableaux, s'entrelacent pour former simultanément des compositions, des entrelacs de corps, ou comme dans cette œuvre, cachent une tête ou un visage, souvent « faunique ». L'œuvre provient de la collection privée de la famille de l'artiste.

Le Christ travailleur vers 1950

Huile sur toile. Signée en bas à droite F. Venzo SJ (Societas Jesu, devise des Jésuites). Il s'agit d'une œuvre du frère jésuite Mario Venzo, peintre vénitien qui, après avoir peint durant sa jeunesse bohème à Paris, se consacra à la vie monastique en 1940, tout en continuant à peindre. Cette œuvre représente un jeune ouvrier au premier plan, dans l'atelier d'un artisan moderne, la tête baignée de lumière : il s'agit probablement d'une projection moderne du jeune Jésus au travail dans l'atelier de son père. Le style de l'œuvre évoque la période picturale de Venzo avant 1953, année après laquelle son œuvre devint plus vibrante, avec des couleurs vives et une figure plus stylisée, tout en continuant souvent à se concentrer sur des sujets sacrés. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Scène de Récolte 1959

Huile sur toile. Signée et datée en bas à droite. L'artiste brescien Eliodoro Coccoli « n'était pas par vocation un peintre de chevalet », mais s'est principalement établi comme décorateur d'intérieur et d'extérieur, créant des fresques profanes pour diverses villas lombardes et des sujets sacrés pour de nombreuses églises. Ses toiles sont peu nombreuses et datent pour la plupart d'avant 1922, année où sa production décorative s'est considérablement développée. Cependant, de nombreuses esquisses et plusieurs toiles préparatoires à des fresques subsistent. Cette scène des vendanges pourrait également s'inscrire dans ce type de production, bien qu'elle soit définie et détaillée dans ses détails. Le style de Coccoli ne se rattache à aucun mouvement particulier ; il est en effet considéré comme un expert en éclectisme : il sélectionne le répertoire figuratif le mieux adapté aux besoins du client, adaptant son style au sujet et aux caractéristiques architecturales du lieu. De plus, l'œuvre témoigne d'une maîtrise technique raffinée, parfois virtuose. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Intérieur avec Foyer

Huile sur toile. Signé en bas à gauche. Ce tableau présente un thème récurrent du peintre florentin Mario Fattori, qui a représenté des moments de la vie paysanne et pastorale, principalement en Toscane. La scène se déroule dans une grande pièce sobrement meublée d'une ferme, avec une grande cheminée devant laquelle s'accomplissent toutes les tâches ménagères féminines : pendant que la marmite mijote sur le poêle, les femmes cousent, cardent la laine et cuisinent, tandis que les poules gambadent librement. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Portrait d'une Dame avec un Chien 1934

Huile sur toile. Signée et datée en bas à gauche. Œuvre du peintre hongrois Géza Kövesdy, qui peignait principalement des portraits féminins et des paysages, parfois agrémentés de figures naïves. La figure féminine accompagnée d'un petit chien est un thème récurrent, presque un symbole du statut social de ces dames de la riche bourgeoisie. Le style pictural est influencé par l'impressionnisme, dans les nuances et les jeux de lumière. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain.