Landschaft mit Herde und Hirten Antikes Gemälde A. Dovera XIX Jhd - Landschaft mit Herde und Hirten

Ländliche Szene mit Figuren

Öl auf Leinwand. Unten links signiert. Die Szene zeigt eine Gruppe von Bauern, Männer und Frauen, die Körbe mit Blumen sammeln, Musik machen und zum Klang von Dudelsäcken und Tamburinen tanzen, wobei einige die Gelegenheit zum Flirten nutzen. Es handelt sich also um ein beliebtes Bauernfest, ein beliebtes Motiv von Barucci, einem römischen Maler, der vor allem das tägliche Leben auf dem Land darstellte. Seine nahezu allumfassende Liebe zur Natur – den authentischsten, kargsten und realistischsten Aspekten der römischen Landschaft und Vororte – machte ihn zu einem der führenden Vertreter des rustikalen Stils. Die Helligkeit und Lebendigkeit der Farben verstärken die festliche Stimmung der Szene und unterstreichen die unbeschwerte, heitere Atmosphäre dieses Augenblicks des Volkslebens. Das Werk wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Mitte 19. Jahrhundert. Die große Szene erzählt eine nicht identifizierte historische Episode, die in der Renaissancezeit spielt, in der ein Erzbischof die Bitte eines jungen Mannes in Waffen anhört, begleitet von seiner Mutter, die seine Bitte unterstützt. Die Kulisse befindet sich im Empfangssaal des Hochprälaten, vermutlich im Bischofspalast, der von der Loggia im Hintergrund den Dom überblickt, dessen Kuppel zu sehen ist; Der Bischof ist von seinen Untergebenen und Wachen umgeben, während verschiedene Leute des Volkes anwesend sind. Besonders ist die Anwesenheit des links im Vordergrund sitzenden Mannes, der zum Betrachter blickt und auf die Szene zeigt, als würde er sie erzählen. Die Atmosphäre wird durch die Kontraste zwischen Licht und Schatten gespielt, zwischen den leuchtenden Farben der dominierenden Charaktere im Vergleich zu den stumpfen und verschwommenen Tönen der umgebenden Figuren, die buchstäblich dazu neigen, an den Grenzen der Szene im Schatten zu verschwinden. Das Werk ist Teil dieser großen Produktion des 19. Jahrhunderts, die sich auf das historische oder literarische Thema stützte und es in einer romantischen Tonart neu vorschlug. Das restaurierte und doublierte Gemälde präsentiert sich in einem bedeutenden Rahmen aus der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts mit einigen Mängeln.

Ölgemälde auf Leinwand. Römische Schule des 17. Jahrhunderts. Die große Szene stellt die berühmte Episode auf halbem Weg zwischen realer Geschichte und Legende dar, die erstmals von Tito Livio in seinen „Ab urbe condita libri“ (den Büchern der „Geschichte Roms von seiner Gründung an“) erzählt wird. Um die neu gegründete Stadt zu bevölkern, griff Romulus, Gründer und erster König der Stadt, zu einer List: Er lud die Sabiner, die in der nahegelegenen Stadt Curi lebten, zum Consualia-Fest zu Ehren des Gottes Neptun ein und entführte sie ihre Frauen. Das Gemälde stellt den Moment dar, in dem die Römer die Sabinerinnen entführten und sie gewaltsam ihren Gefährtinnen entzogen, unter den Augen des Königs, der hinter den Säulen des Tempels der Gottheit, des Gottes Neptun, erkennbar am Dreizack, verborgen blieb . In der Mitte auf der Rückseite befindet sich der Obelisk, der für die Römer als Kriegsbeute und Zeugnis kaiserlicher Stärke eine symbolische Bedeutung erlangte. Die vielen Figuren verflechten sich, jagen einander, überlappen sich und erzeugen Körperspiele und Farbeffekte. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem antiken Rahmen präsentiert.

Landschaft mit Figuren

Ölgemälde auf Leinwand. Die große Komposition stellt eine Landschaft mit einem großen Baum in der Mitte dar. Mit seinen spärlichen Ästen die darunter liegende Landschaft zu überragen, die von einem Bach durchzogen und von verschiedenen Gestalten geschäftiger oder ruhender Bürger belebt wird; Oben rechts steht eine Festung, die das Tal dominiert. Das bereits Peruzzini aus den Marken zugeschriebene Gemälde lässt sich aufgrund der schnellen und schlecht aggregierten Bildstriche durchaus auf dessen Umfeld zurückführen. Antonio Francesco spezialisierte sich auf die Landschaftsmalerei und stand unter dem Einfluss von Salvator Rosa und Landschaftsmalern wie Pietro Montanini und Pandolfo Reschi. Weitere Einflüsse erhielt er auch von in Italien tätigen nordischen Malern, vor allem von Pieter Mulier, bekannt als il Tempesta. Schon in seinen ersten Werken erkennt man die Originalität seiner Malerei durch eine schnelle Zeichnung und ein intensives und brillantes chromatisches Timbre. Die lange künstlerische Verbindung zwischen Antonio Francesco Peruzzini und Alessandro Magnasco begann Anfang der 1990er Jahre nach ihrer Begegnung in Mailand, wo Peruzzini sich niedergelassen hatte; Von dieser Zeit an scheint seine Malerei auseinanderzufallen, durch Formen, die dynamischer und leichter werden, fast phantastisch, um schließlich zu einem Stil zu gelangen, der durch eine immer stärkere Auflösung der Formen der Natur und ihrer Bewegung gekennzeichnet ist. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Italienische Schule des achtzehnten Jahrhunderts. In einer ziemlich kargen Landschaft, mit architektonischen Ruinen auf der linken Seite und schneebedeckten Gipfeln im Hintergrund auf der rechten Seite, gehen einige Hirten den Weg entlang und führen ihre Herden von Kühen, Schafen und Ziegen. In der nordischen Landschaftskulisse erzeugen der rosafarbene Himmel und der pastorale Charakter der Szene jene idealistische Atmosphäre, die typisch für die Landschaftsmalerei des 18. Jahrhunderts ist, in der die Befriedigung des Gefühls statt der Absicht einer realistischen Umsetzung vorherrschte. Das restaurierte und doublierte Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Landschaft mit Fluß und Hirten

Öl auf Leinwand. In einer grünen Hügellandschaft, durch die ein Bach fließt, sitzen einige Hirten pfeifend im Schatten der Bäume, während sie nach ihrer Herde beim Trinken sehen. Dicke, dunkle Wolken ziehen am Himmel auf. Der Stil geht auf die Werke von Marco Ricci zurück, einem Maler aus Belluno, der für sein unbestrittenes Talent zur naturalistischen und architektonischen Darstellung berühmt wurde. Seine Landschaften, die noch immer einen deutlichen Geschmack des 17. Jahrhunderts aufweisen, werden bereits von kraftvollen und emotionalen Lichtern erhellt, von trockenen und verdrehten Bäumen, Felsen und Türmen, von Kumuluswolken, die plötzlich in vagen blauen Blitzen zerreißen, ein komplexes Repertoire, das die Natur in eine dramatische und ruhelose Darstellung verwandelt. Er wurde zu einem Bezugspunkt für mehrere andere Künstler seiner Zeit, die seinen Stil aufgriffen, wie in diesem Werk. Das restaurierte und neu gefütterte Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Winterlandschaft mit Figuren

Öl auf Leinwand. In einer winterlichen, schneebedeckten Landschaft, in der kahlen, dunklen und trockenen Natur, schlängelt sich ein Weg durch völlig kahle Bäume, der zum Dorf führt, und einige Wanderer gehen auf ihm vorbei, während am Rand einige Holzfäller bei der Arbeit sind. Über allem schwebt ein Himmel voller dunkler Wolken, obwohl auf der linken Seite ein Fleck Blau zu sehen ist. Der Stil geht auf die Werke von Marco Ricci zurück, einem Maler aus Belluno, der für sein unbestrittenes Talent zur naturalistischen und architektonischen Darstellung berühmt wurde. Seine Landschaften, die noch immer einen deutlichen Geschmack des 17. Jahrhunderts aufweisen, werden bereits von kraftvollen und emotionalen Lichtern erhellt, von trockenen und verdrehten Bäumen, Felsen und Türmen, von Kumuluswolken, die plötzlich in vagen blauen Blitzen zerreißen, ein komplexes Repertoire, das die Natur in eine dramatische und ruhelose Darstellung verwandelt. Er wurde zu einem Bezugspunkt für mehrere andere Künstler seiner Zeit, die seinen Stil aufgriffen, wie in diesem Werk. Das restaurierte und neu gefütterte Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Venezianische Schule des 18. Jahrhunderts. Große Landschaft mit voralpinen Hügeln, durchzogen von einem Bach, der die Mühle im Vordergrund rechts erreicht, während zahlreiche Figuren des einfachen Volkes den Weg beleben, der zum Gebäude führt und mit verschiedenen Beschäftigungen beschäftigt ist; Besonders hervorzuheben sind im Vordergrund in der Mitte die beiden Fischer mit ihren Netzen. Früher Giuseppe Zais (1709–1784) zugeschrieben, einem venezianischen Maler, der für seine großen, figurenreichen Landschaften berühmt wurde, die sich durch eine luftige Leuchtkraft und Liebe zum Detail in der Naturbeschreibung auszeichnen. Das restaurierte und neu gefütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand. Das große Gemälde erzählt die berühmte mythologische Episode des Urteils des Paris, das Ereignis, das den Trojanischen Krieg auslöste. Paris, ein trojanischer Prinz, wurde gerufen, um den Streit zwischen den drei Göttinnen Hera, Athene und Aphrodite beizulegen, wer die Auszeichnung mit dem goldenen Apfel „an die Schönste“ verdiente, den die Göttin Discordia auf den Tisch warf die Götter. Jede der drei Göttinnen versprach Paris eine Belohnung als Gegenleistung für den Apfel, und er entschied sich für Aphrodite, die ihm die schönste Frau der Welt versprochen hatte, Helena, die Frau von Menelaos, dem König von Sparta. In der großen Szene sitzt Paris in der Mitte zwischen den Beinen der Göttin Aphrodite, der er mit erhobenem Arm den Apfel hinhält; Aphrodite hält den Apfel mit einer Hand, während sie sich nach oben dreht, um dem über ihr schwebenden Gott Amor zu signalisieren, seine Aufgabe auszuführen. Auf der linken Seite stehen die beiden anderen Göttinnen empört und mit gerunzelter Stirn im Rücken, während über dem Gott Merkur den Sieg der Aphrodite beschließt, indem er sie mit seinem Stab, dem Caduceus-Symbol der erzielten Vereinbarung, anzeigt, und der Gott Amor auf Aphrodites Hinweis hin das Feuer bereitet Pfeil, mit dem er Helen dazu bringen wird, sich in Paris zu verlieben. Abgerundet wird die Szene durch einen Putto, der von oben Wasser aus einer Vase gießt, vielleicht eine Art Taufe oder freiwillige Weihe. Die imposanten und stark fleischlichen Figuren füllen die Szene in einem Gewirr von Körpern, die mit der Variation der Farben des Fleisches – die der Gottheiten verblassen, die des Hirtenprinzen (der tatsächlich der einzige Sterbliche ist!) heller, aber alles in einem einzigen Farbbereich gespielt, wodurch chromatische Homogenität entsteht. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Die große Szene ist außerhalb einer Felsenfestung angesiedelt und stellt eine Garnison von Soldaten dar, die sich auf den Kampf vorbereitet: Im Vordergrund links, in der Nähe eines Baumes, beobachtet die Gruppe von Kommandanten zu Pferd die Arbeit und gibt Befehle, während die Truppen die Kanonen scharf machen die Terrassen, bereiten rudimentäre Speere vor und schärfen ihre Seitenwaffen. Die Farben sind klar und matt, mit Grautönen, die vom klaren Himmel mit Wolken bis zur felsigen Festung reichen, um sich im Boden zu verlieren und in ein sandiges Beige überzugehen; Nur einige der Uniformen der Offiziere stechen hervor und durchbrechen die chromatische Einheitlichkeit. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem vergoldeten Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.