Gemälde von Agostino Ferrari - Invasion 1996

Reliefmalerei '58-'68

Mischtechnik auf Leinwand, mit Materialanwendungen. Von 1958 bis 1968 widmete sich ORAZI, der bereits von der figurativen zur abstrakten Phase übergegangen war, der Schaffung von Reliefkompositionen: Er sammelte und verwendete Materialien und Fasern verschiedener Art, vor allem natürliche Materialien und Fasern wie winzige Sandkörner, Samen, Pflanzenfäden und Rindenfragmente, mit denen er Reliefformen schuf, die aus der Oberfläche der Leinwand hervortraten. Grundlage dieser künstlerischen Erfahrung, die Peinture en Relief genannt wird, ist die Erforschung der Natur, ihrer Bestandteile und Phänomene (Blumen, Pflanzen, Sand, Felsen, Vulkanlava, Küsten und Meeresböden, Eruptionen, Stürme, versteinerte Meteoriten). Die Werke dieser Zeit waren zunächst durch ein noch eher flaches Relief gekennzeichnet; Doch mit der Zeit wurde das Relief immer ausgeprägter und ging oft so weit, dass es über den Umfang des Trägers hinausragte, bis zu dem Punkt, dass die Figuren eher wie Statuen als wie Gemälde wirkten. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert. Aus der Familiensammlung des Künstlers.

Reliefmalerei '58-'68

Mischtechnik auf Leinwand, mit Stoff- und Plattenapplikationen. Auf der Rückseite befindet sich ein Etikett eines Pariser Kunsttransportdienstes mit dem Namen des Künstlers: Die Werke von ORAZI nahmen an zahlreichen Einzel- und Gemeinschaftsausstellungen in der französischen Hauptstadt teil. Von 1958 bis 1968 widmete sich ORAZI, der bereits von der figurativen zur abstrakten Phase übergegangen war, der Schaffung von Reliefkompositionen: Er sammelte und verwendete Materialien und Fasern verschiedener Art, vor allem natürliche Materialien und Fasern wie winzige Sandkörner, Samen, Pflanzenfäden und Rindenfragmente, mit denen er Reliefformen schuf, die aus der Oberfläche der Leinwand hervortraten. Grundlage dieser künstlerischen Erfahrung, die Peinture en Relief genannt wird, ist die Erforschung der Natur, ihrer Bestandteile und Phänomene (Blumen, Pflanzen, Sand, Felsen, Vulkanlava, Küsten und Meeresböden, Eruptionen, Stürme, versteinerte Meteoriten). Die Werke dieser Zeit waren zunächst durch ein noch eher flaches Relief gekennzeichnet; Doch mit der Zeit wurde das Relief immer ausgeprägter und ging oft so weit, dass es über den Umfang des Trägers hinausragte, bis zu dem Punkt, dass die Figuren eher wie Statuen als wie Gemälde wirkten. Diese Werke beziehen sich oft auf vulkanische Aktivitäten und das dabei entstehende Material, was manchmal in Titeln wie „Lavastrom“, „Vulkansand“, „Vulkanstrände“ zum Ausdruck kommt. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert. Aus der Familiensammlung des Künstlers.

Berglandschaft

Ölgemälde auf Leinwand. Unten links signiert. Der Mailänder Maler Gino Federici hat sich auf Alpenansichten spezialisiert, wie auf dieser Ansicht, wo im Vordergrund eine Schafherde im weiten Tal unter steilen Gipfeln Wasser aus einem Bach trinkt. Das Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert. Es weist Anzeichen einer früheren Restaurierung auf.

In Nome della Pace sulla Terra 1969

Öl auf Leinwand. Signatur, Titel und Datum in kyrillischer Schrift auf der Rückseite. Viktor Petrovich Rudametkin ist ein ukrainischer Künstler, der sich als Landschaftsmaler und Kolorist einen Namen gemacht hat. In diesem Werk zeigt er mit seiner charakteristischen lebendigen Farbpalette eine Bäuerin inmitten eines Sonnenblumenfeldes, ein Symbol des Lebens und des Friedens, im Kontrast zu den Bildern von Militärflugzeugen, die über den Himmel ziehen. Das Bild entstand in den Jahren, als die Ukraine Teil der Sowjetunion war, und kann als Aufruf zum Frieden und als Botschaft der Hoffnung für das Heimatland des Künstlers verstanden werden, das noch immer durch den schweren Konflikt mit Russland zerrissen ist.

Tauben 1976

Bleistift auf Papier. Unten links signiert und datiert. Floriano Bodini, ein bekannter Bildhauer, Graveur und Medailleur, der als eine der Seelen des Existenziellen Realismus gilt, hat sich während seiner gesamten Karriere auch der Grafik gewidmet. Sein Werk zeichnet sich durch wiederkehrende Motive aus – Bischöfe, Kardinäle, Requiems, Päpste, Tauben, Ambos –, die Nachdenken, Beklommenheit, manchmal Angst, aber auch Vertrauen, Zuversicht und Glauben ausdrücken. Insbesondere die Taube stellt für Bodini ein konstantes ikonografisches Element in seiner künstlerischen Forschung dar, ein Thema, das seit Ende der 1960er Jahre in all seinen nicht nur grafischen Werken präsent ist, bis hin zu seinem letzten Beispiel aus dem Jahr 2004, das emblematisch als sein letztes Kupferstichwerk gilt. Das Interesse an diesem Bild wird unter anderem durch seine Sammlung von Objekten bestätigt, die Tauben darstellen oder an deren Form sie erinnern. Als Ergebnis einer Recherche, die reich an Anregungen aus verschiedenen Quellen, sowohl aus dem kulturellen als auch aus dem populären Bereich, war die Wahl dieses Bildes nie trivial, sondern behielt stets seine hohe symbolische und formale Würde. Das hier vorgeschlagene Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Mutter mit Kind

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert. Auf der Rückseite befindet sich eine Echtheitskartusche von „Meeting Art Roma“ mit den Daten des Werks sowie ein Herkunftsstempel des „Centro Artistico Mercurio, Mailand“. Giuseppe Migneco, ursprünglich aus Messina stammend, aber in jungen Jahren nach Mailand gezogen, war neben Aligi Sassu, Renato Birolli, Bruno Cassinari und Renato Guttuso einer der Hauptvertreter der Corrente-Gruppe, die sich der europäischen künstlerischen Avantgarde öffnete. Im Sinne einer Malerei mit sozialem Engagement untersucht er die Realität mit kritischem, objektivem und historischem Blick. Seine Figuren mit harten, kantigen Gesichtern, gezeichnet von harter Arbeit und in leuchtenden und kräftigen Tönen wiedergegeben, erinnern an sein Sizilien mit seinen gewalttätigen und klaren Zügen, aber auch an den sozialen Realismus der mexikanischen Wandmaler. In diesem Werk erscheinen seine charakteristischen Figuren (die sowohl aus Sizilien als auch aus Mexiko stammen könnten!) bei einer sehr prosaischen und realistischen Tätigkeit des alltäglichen Lebens: eine Mutter, die den Kopf ihres Sohnes kämmt und reinigt, der wahrscheinlich von Parasiten befallen ist. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Reliefmalerei '58-'68

Mischtechnik auf Leinwand, mit Materialanwendungen. Unten rechts signiert. Von 1958 bis 1968 widmete sich ORAZI, der bereits von der figurativen zur abstrakten Phase übergegangen war, der Schaffung von Reliefkompositionen: Er sammelte und verwendete Materialien und Fasern verschiedener Art, vor allem natürliche Materialien und Fasern wie winzige Sandkörner, Samen, Pflanzenfäden und Rindenfragmente, mit denen er Reliefformen schuf, die aus der Oberfläche der Leinwand hervortraten. Grundlage dieser künstlerischen Erfahrung, die Peinture en Relief genannt wird, ist die Erforschung der Natur, ihrer Bestandteile und Phänomene (Blumen, Pflanzen, Sand, Felsen, Vulkanlava, Küsten und Meeresböden, Eruptionen, Stürme, versteinerte Meteoriten). Die Werke dieser Zeit waren zunächst durch ein noch eher flaches Relief gekennzeichnet; Doch mit der Zeit wurde das Relief immer ausgeprägter und ging oft so weit, dass es über den Umfang des Trägers hinausragte, bis zu dem Punkt, dass die Figuren eher wie Statuen als wie Gemälde wirkten. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert. Aus der Familiensammlung des Künstlers.

Jehovah Ordonnant de sa Main Puissante une Famille Cosmique, 1970

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert und datiert. In ORAZIs abstrakter Bildphase kommt häufig seine starke Neigung zum Erschaffen kreisförmiger, oft verknoteter oder konzentrischer Formen zum Ausdruck. Diese Tendenz wird in der Bildphase der Jahre 1970-1977, genannt Ligne Circulaire, zentral, in der er die Reliefschöpfungen und den Bezug auf die Formen und eindrucksvollen Ereignisse der Natur aufgibt, um stattdessen die harmonische Dimension des Universums, die Geburt und Bewegung der Planeten und die Unermesslichkeit des Firmaments darzustellen. Die Farben werden weicher, sie sind kräftig und zugleich zart. In einigen Gemälden macht ORAZI auch faszinierende Darstellungen von Mutter Erde, die ihre Geschöpfe (Insekten, Vögel, Blumen) umarmt, oder vom Mond. Oder wie in diesem Werk, wo bereits im Titel ein direkter Bezug zur göttlichen Schöpfung zum Ausdruck kommt, nämlich die Darstellung „Gottes, der mit seiner mächtigen Hand die kosmische Familie ordnet“. Das Werk stammt aus der Familiensammlung des Künstlers. Es wird in einem Rahmen präsentiert.

Tête-Paysage 1970 ca.

Öl auf Leinwand. Unten links signiert. Das Gemälde gehört zur Produktion von ORAZI von 1970 bis 1977. In dieser Phase gibt der Künstler die völlig abstrakte und reliefartige Malerei auf und kehrt zur figurativen Malerei zurück, die er jedoch mit vereinfachten und verzerrten Linien wiedergibt. Er schuf insbesondere die Reihe „Lignes Circulaires“ und die Reihe, zu der dieses Werk gehört, die Gemälde mit dem Titel „Têtes-Paysage“, in denen er Kompositionen schafft, die mysteriöse menschliche Köpfe oder die von Faunen und mythologischen Figuren (manchmal in Begleitung ihrer Insektengefährten) darstellen: Die Linien in diesen Gemälden verflechten sich, um gleichzeitig Kompositionen zu bilden, Verflechtungen von Körpern, oder, wie in diesem Werk, einen Kopf oder ein Gesicht zu verbergen, oft „faunal“. Das Werk stammt aus der Privatsammlung der Familie des Künstlers.

Figuren der Liebenden 1975

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert und datiert. Das Gemälde gehört zur Produktion von ORAZI aus den 70er Jahren. In dieser Phase gibt der Künstler die völlig abstrakte und reliefartige Malerei auf und kehrt zur figurativen Malerei zurück, die er jedoch mit vereinfachten und verzerrten Linien wiedergibt. Er schuf insbesondere die Reihe der Linien rund um den Kreis und die Reihe, zu der auch dieses Werk gehört, die Gemälde mit dem Titel Têtes-Paysage, für die er Kompositionen schuf, die geheimnisvolle menschliche Köpfe oder die von Faunen und mythologischen Figuren (manchmal in Begleitung ihrer Insektengefährten) zeigen, oft sich küssende Liebespaare: Die Linien in diesen Gemälden verflechten sich und bilden gleichzeitig Kompositionen, in denen sich Körper, oft in erotischer Pose, verflechten. Das Werk stammt aus der Privatsammlung der Familie des Künstlers.

Figuren, 1975 ca.

Öl auf Leinwand. Das Gemälde gehört zur Produktion von ORAZI aus den 70er Jahren. In dieser Phase gibt der Künstler die völlig abstrakte und reliefartige Malerei auf und kehrt zur figurativen Malerei zurück, die er jedoch mit vereinfachten und verzerrten Linien wiedergibt. Er schuf insbesondere die Reihe der Linien rund um den Kreis und die Reihe, zu der auch dieses Werk gehört, die Gemälde mit dem Titel Têtes-Paysage, für die er Kompositionen schuf, die geheimnisvolle menschliche Köpfe oder die von Faunen und mythologischen Figuren (manchmal in Begleitung ihrer Insektengefährten) zeigen, oft sich küssende Liebespaare: Die Linien in diesen Gemälden verflechten sich und bilden gleichzeitig Kompositionen, Verflechtungen von Körpern. Hier können wir einen Blick auf einige Figuren, Menschen und Tiere, wahrscheinlich aus der Mythologie, werfen, die in eine erotische Handlung verwickelt sind. Das Werk stammt aus der Privatsammlung der Familie des Künstlers.