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Vienna Primo Quarto '800

Grande orologio a tempietto con ampia base rettangolare in legno retta da quattro piedini a forma circolare in bronzo dorato. Sulla base appoggiano quattro colonne in alabastro con imbasamento e capitello in bronzo dorato finemente inciso. Una cupola sommitale in legno accoglie l'orologio. Dentro una cornice in bronzo dorato è racchiusa una mostra con ore a numeri romani e i giorni del mese. Al centro del quadrante marchio della manifattura "I. A. Hoyer in Wien". Meccanismo con suoneria dei quarti e due rintocchi comprensivo di datario.

Francia Napoleone III

Coppia di torcieri in bronzo dorato e brunito lavorati a cesello. Su una base triangolare in bronzo dorato e in marmo giallo di Siena appoggia un torciere a cinque fiamme con piedini a zampa ferina.

Lombardia fine XVIII secolo

Cassettone intarsiato. Tre cassetti sul fronte, piedi tronco piramidali. Impiallacciatura in noce e radica di noce con filettature in acero e bois de rose. Sul piano è presente un intarsio raffigurante scena bucolica, sul fronte medaglioni posizionati al centro dei cassetti raffiguranti paesaggio e sui fianchi intarsio raffigurante un musicista con tamburello e filettature in cipresso. Piedi tronco piramidali decorati con mensoline intarsiate e rosoni di raccordo. Maniglie ornamentali di lamierino sbalzato coeve a formare motivi fitomorfi, serrature in ferro di cui una sostituita. Interni in abete. Restauri.

Gesù davanti a Caifa

Olio su tela. Il dipinto riprende l'opera del maestro olandese Gerrit Van Honthorst, realizzata nel 1617 e oggi conservata alla National Gallery di Londra. Olandese di nascita, van Honthorst giunse a Roma poco dopo la morte di Caravaggio, di cui assimilò lo stile, che gli valse il soprannome di “Gherardo delle Notti". A Roma l'artista fu ospitato dalla famiglia Giustiniani, che gli commissionò l'opera per la sua collezione privata, ove essa rimase sino al 1804. Portata dapprima a Parigi presso la collezione Bonaparte, dopo ulteriori passaggi di proprietà, giunse infine a Londra nel 1922. Il dipinto racconta l'episodio drammatico dell'incontro tra il sacerdote Caifa e Gesù, durante la sua Passione. Tutta la parte superiore è occupata dal buio: il vuoto, il nulla, fanno concentrare l'attenzione sui due protagonisti e sul dramma che si sta svolgendo. La scena è fortemente statica, quasi bloccata in un momento preciso, l'atto accusatorio del sacerdote nei confronti del Cristo, a sottolineare l'intensità del dramma interiore, profondamente doloroso. Nella scena, Caifa è a sinistra, seduto al tavolo su cui è posato il libro della Legge ebraica, e solleva il dito in tono accusatorio; Gesù è a destra, in piedi, le mani legate, in atteggiamento umile. Al centro una candela, unica fonte di luce, che fa da raccordo tra il volto di Caifa e quello di Gesù, che si incontrano in un gioco di sguardi lungo una linea diagonale, e di cui la luce artificiale sottolinea impietosamente il contrasto espressivo, grottesco e arrabbiato quello del sacerdote, sofferente, ma luminoso e composto quello del Cristo. Sullo sfondo, dietro i due protagonisti, sono presenti le figure di altri sommi sacerdoti. Sono solo ombre nel buio, attendono il giudizio e le loro facce sono avvolte nell'oscurità che aumenta la tensione. Ben si coglie, nel contrasto di luci e ombre, nell'intensità degli sguardi, l'impronta caravaggesca. La tela qui proposta, di dimensioni circa la metà dell'originale, ma fedele nei moduli stilistici e interpretativi, fu probabilmente commissionata in misure ridotta da chi aveva apprezzato l'originale a palazzo Giustiniani. Essa è stata restaurata e ritelata nel XIX secolo. Sul retro sono scritti alcuni nomi, indicazione di proprietà. Cornice in stile.

Catania Terzo Quarto XIX Secolo

Coppia di grandi specchiere eclettiche in legno intagliato e dorato, appartenute alla famiglia siciliana Reforgiato, Catania terzo quarto XIX secolo. Cimasa composta da girali fitomorfe, al centro delle quali campeggia lo stemma araldico della famiglia Reforgiato: "gemella abbassata in fascia di azzurro su argento, fiamma di rosso posta sulla gemella sormontata da una corona di oro e da una cometa di rosso coda a destra posta in fascia."; il blasone, posto entro elementi a "C" e a riccioli, presenta all'apice una corona simboleggiante il titolo nobiliare di barone. Dalla cimasa si sviluppano festoni floreali ricadenti sui lati, mentre la cornice sagomata è abbellita da greca di foglie d'acanto inserita tra le modanature. L'apparato decorativo è completato da cespi fogliacei posti alle estremità inferiori. Specchi bisellati.

Francia Metà XIX Secolo

Orologio in bronzo dorato e cesellato. La complessa decorazione di questo orologio sull'apparente eclettismo dell'insieme fa prevalere tipologie strutturali e dettagli figurativi tipici dell'architettura cinquecentesca riproponendo la facciata di un palazzo con una scalinata centrale e statue di vestali ai lati. La mostra in metallo smaltato presenta il marchio della manifattura al centro ma poco leggibile. L'orologio è sormontato da putti che trattengono una ghirlanda. Meccanica marcata Cailly Ainè 1839 nel retro quadrante.

Paesaggio Fluviale con Pastorella Fanciullo e Armenti

Olio su tela. Il dipinto è corredato delle perizie di due storici dell'arte, il dr. Dario Succi e la dott.ssa Federica Spadotto. Entrambi confermano l'attribuzione del dipinto a Giuseppe Zais, "il maestro bellunese unanimemente riconosciuto come uno degli interpreti più originali e genuini della grande pittura di paesaggio del Seicento veneto." Nel paesaggio, sotto le fronde di un albero che fa da cornice a sinistra e con lo sfondo di montagne azzurrate, campeggiano in primo piano una pastora e il figlioletto che fanno abbeverare al fiume le loro bestie (pecore e mucche). lo Zais, dopo una prima formazione nel paese natio alla scuola del conterraneo Marco Ricci, trasferitosi a Venezia nel 1732, divenne presto parte della schiera di paesaggisti lagunari, apprezzati ed ingaggiati per grandi opere decorative nei palazzi della città. Negli anni '70 lo Zais abbandonò tale produzione e scelse di dedicarsi solo ad opere di piccole dimensioni, che riflettevano un'adesione al mondo degli umili e una dimensione contemplativa del passato, raramente soggetti presenti nei dipinti dei committenti importanti. L'opera qui presentata si può considerare un esempio di quest'ultima fase creativa, collocabile secondo gli storici dell'arte negli anni '70 del XVIII secolo: lo Zais propone un paesaggio pedemontano, piuttosto brullo, dove la pastora seguita dal figlioletto svolgono il loro incarico, senza alcuna concessione ad una bellezza ideale, ma piuttosto con un richiamo ad una vita reale precisa, dura, semplice, fatta di fatica e insieme affetti. Anche i colori della tela esaltano l'empatia dell'artista per il mondo che raffigura: le calde tonalità bruno-dorate del paesaggio, rischiarate dall'azzurro delle cime lontane riverberanti quello del cielo, avvolgono le figure umane e animali in primo piano, che emergono grazie a pennellate materiche e a colori più accesi ma non squillanti, soprattutto nel vello degli animali e negli abiti della donna. Peculiare dello Zais sono anche i volti, rotondi e pieni, con lineamenti che si ripetono sempre identici nelle figure contadine delle sue opere, associati a corpi torniti, rivestiti di abiti che paiono di cartapesta. L'opera presenta segni di restauro, benchè ancora in prima tela. Sul retro è presente una scritta in tedesco con il nome del precedente proprietario e la data "Natale 1977". E' presentata in cornice dorata di inizio '900, con piccole rotture e mancanze.

XIX Secolo - dal 1801 al 1900

Orologio da tavolo in bronzo a patina scura e dorato. Due putti seduti e intenti a scrivere affiancano l'orologio. La mostra in metallo smaltato con ore a numeri romani è racchiusa dentro un serto in bronzo dorato. Alla sommità statua di imperatore; la corona, il mantello di ermellino, il bastone con la mano benedicente sono un forte richiamo alla figura di Napoleone Imperatore. Da evidenziare la diffusa lavorazione a bulino.

Olio su tela. L'ampia veduta dei Fori imperiali di Roma rientra nella vasta produzione vedutistica del periodo del Grand Tour, destinata ai ricchi aristocratici europei in viaggio per l'Europa - e in particolare in Italia, ove Roma era considerata meta obbligata -, che volevano un ricordo dei luoghi visitati. I Fori Imperiali romani sono un complesso architettonico composto da una serie di edifici e piazze monumentali, centro dell'attività politica di Roma antica, edificate in un periodo di circa 150 anni, tra il 46 a.C. e il 113 d.C. Nonostante gli ampliamenti, gli incendi, i restauri e le ricostruzioni, nel corso dell'Antichità i Fori Imperiali mantennero intatte sia la loro conformazione architettonica che la loro funzione. La loro distruzione quasi definitiva avvenne durante il Rinascimento per mano di Papa Giulio II (1503-1513), che sfruttò tutta l'area come cava di materiali da riutilizzare nel progetto di rinnovamento edilizio e artistico della città da lui avviato. A poco valsero le proteste di artisti di primo piano come Raffaello e Michelangelo. Nei secoli successivi furono intraprese varie campagne di scavo, con maggiore vigore a partire dal XIX secolo, ma l'area fu completamente scavata agli inizi del XX secolo e le architetture antiche furono quasi del tutto cancellate per fare spazio alla realizzazione di via dei Fori Imperiali, che collega Piazza Venezia con il Colosseo. Il Foro fu riscoperto a partire dal Cinquecento anche grazie ai pittori di vedute romane che in quel periodo amavano dipingere le rovine affioranti nell'area del pascolo. La veduta qui proposta presenta i Fori Imperiali prima degli scavi iniziati nell'Ottocento, quando appunto ancora non era stata realizzata la via che li attraversa tuttora: essi sono ancora circondati da una verde campagna e sullo sfondo si stagliano i colli romani. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice dell' 800 riadattata.

Italia Ultimo Quarto XVIII Secolo

Consolle neoclassica genovese in legno intagliato, laccato in bicromia e dorato, Italia ultimo quarto XVIII secolo. Retta da balaustro con tre mensole a sostenere il piano semicircolare con marmo bardiglio. Riccamente intagliata e decorata da greche, elementi fogliacei, rosoni, campanule, gocciolatoi e riserve con motivo a squame.

XIX Secolo - dal 1801 al 1900

Modello di armatura in stile neo-rinascimentale della fine del XIX secolo. Tutte le superfici sono incise con motivi fitomorfi. Elmetto a coppo tondeggiante costolato a cresta; ventaglia con piccoli fori circolari per la vista. Goletta a girocollo presente solo nella lama frontale, sagomata a cinque lati. Petto costolato in mezzeria con decorazione centrale raffigurante uno scudo scapezzato a tre punte con fascia centrale obliqua, tre fiori nella riserva superiore e un pesce in quella inferiore. Spallacci a tre lame con ali di collo, si uniscono ai bracciali, cubitiere, cannone antibraccio. Manopole con manicotti strombati. Una lama di panziera nella quale si innestano i due fiancali a lama unica. Cosciali, ginocchielli a tre lame (delle quali quella centrale costolata in mezzeria) e gambali chiusi. Scarpe a quattro lame, delle quali l'ultima si allunga a forma conica curvata verso il basso. Scudo scapezzato a tre punte con bordatura a tortiglione, anch'esso inciso con motivi fitomorfi e decorazione similare a quella sul petto. La stessa decorazione è ripresa anche sulla lama dell'alabarda.

Paesaggio con Figure al Fiume

Olio su tela. L'ampio paesaggio è centrato sul fiume che scorre nella valle ricca di vegetazione. Lungo il suo corso, in primo piano, alcune donne stanno lavando i panni. I tratti pittorici, veloci e poco aggregati, rimandano alla produzione di Antonio Francesco Peruzzini, appartenente a famiglia di pittori originaria di Pesaro, comprendente il padre Domenico e i figli Giovanni, Antonio Francesco e Paolo, attivi in ambito marchigiano e in città italiane come Roma, Bologna, Torino e Milano, durante il XVII secolo e il primo quarto del XVIII. La produzione di Antonio Francesco è spesso associata a quella del fratello Giovanni, avendo i due lavorato insieme. Antonio Francesco si specializzò nella pittura di paesaggio, subendo l'influenza di Salvator Rosa e di paesaggisti come Pietro Montanini e Pandolfo Reschi, e ulteriori influssi gli vennero anche da pittori nordici attivi in Italia, soprattutto da Pieter Mulier detto il Tempesta. Nelle sue prime opere si distingue già l'originalità della sua pittura data una stesura rapida e da un timbro cromatico intenso e brillante. Dal principio degli anni Novanta iniziò il lungo legame artistico di Antonio Francesco Peruzzini con Alessandro Magnasco, in seguito al loro incontro avvenuto a Milano, ove il Peruzzini si era stabilito; da questo periodo in poi la sua pittura sembra sfaldarsi, attraverso forme che si fanno più dinamiche e leggere, quasi fantastiche, per approdare infine ad uno stile improntato ad una sempre maggiore disgregazione delle forme della natura ed al loro movimento. Restaurata e ritelata, l'opera è presentata in cornice primi '900.

Olio su tela. Tutta la scena è giocata sui chiaroscuri del nero e del rosso, con le alte fiamme che divampano tra le torri e le guglie della città: in primo piano le figure di Enea con il padre Anchise in spalla e il figlioletto Ascanio al fianco, mentre fuggono dalla città; a destra, in secondo piano, il cavallo di Troia. Seppur vicino allo stesso soggetto di Alessio De Marchis (1684-1752), il dipinto rimanda piuttosto come stile alla pittura fiamminga. Restaurato e ritelato. E' presentato in cornice antica.

Olio su tela. Scuola del Nord-Italia. La raffigurazione della Natività è qui vista come momento contemplativo del Sacro Bambino, da parte di Maria e Giuseppe, accompagnati da angioletti. I modi pittorici riprendono quelli di modelli ampiamente replicati, a partire da Correggio, da Barocci, per arrivare alle numerose versioni di Gherardo delle notti, ovvero il pittore fiammingo Gerard Von Honthorst, rappresentante dl tenebrismo, corrente pittorica che giocava sui forti contrasti di buio e luce, di chiaro e scuro. Anche in quest'opera la luce irradiata dal Bambin Gesù illumina le figure intorno a Lui e le fa emergere dal buio circostante. L'opera, restaurata e ritelata, è presentata in cornice del XIX secolo.

Scena d'Assedio

Olio su tela. Al di fuori delle fortificazioni di una città un condottiero, attorniato dai suoi soldati, si accinge ad accendere la miccia del cannone. L'esercito difende la cittadella al di fuori delle mura e i soldati scrutano l'orizzonte guardando verso il basso: ciò induce a collocare la scena sulle fortificazioni di una città, in particolare di quelle di Genova che si ergono sulle montagne retrostanti e dalle quali i genovesi difendevano la città dagli attacchi provenienti dal mare; la collocazione a Genova è avallata dallo stendardo che sventola sulle mura, la Croce di San Giorgio (croce rossa in campo bianco) vessillo della Repubblica di Genova. La foggia delle armature, delle armi e delle vesti rimanderebbe all'assedio di Genova del 1522. Si tratta quindi della rappresentazione ottocentesca di un episodio storico, che rientra perciò in quella produzione pittorica diffusa ampiamente in Italia nel XIX secolo, ispirata al nuovo romanzo storico proposto dalla letteratura. Sul retro del telaio è riportato il nome G. Boni, insieme a un numero che rimanda alla partecipazione a mostra ufficiale. Giovanni Boni fu allievo dell'Accademia di Brera, in particolare seguace di Giuseppe Sogni, artista che tra i primi predilesse la pittura a soggetto storico nelle sue innovative declinazioni romantiche. Del Boni non si conosce molto, nè dal punto di vista biografico nè della sua produzione. Di sua sicura attribuzione si conosce solamente il Nudo d'uomo (Accademia dipinta) con cui vinse il primo premio per la Scuola del Nudo a Brera nel 1852. L'opera rende con efficacia espressiva le figure e il pathos della scena; i personaggi in primo piano sono molto ben caratterizzati nelle pose, nelle espressioni, nei dettagli degli abiti e delle armi, mentre poi le altre figure sfumano in secondo piano, suggerendo la presenza di un esercito numeroso. Il dipinto, ancora in prima tela, presenta piccole diffuse cadute di colore. E' presentato in cornice in stile.

Italia XX Secolo

Servizio di posate in argento da dodici persone composto da 15 posate da portata, 24 coltelli, 24 forchette, 12 cucchiai, 12 coltelli da frutta, 12 forchette da frutta, 12 coltelli da pesce, 12 forchette da pesce, 12 cucchiaini da the, 12 cucchiaini da caffè, 12 coltellini da dolce, 12 forchettine da dolce. Marchio dell'argento e dell'argentiere incussi su ogni posata. Grammi 6665 al netto dei coltelli. Il servizio è presentato in quattro scatole.

Gruppo di sedie pieghevoli con schienale e seduta in listelli di rovere massello curvato, con finitura a cera.

Lombardia Primo Quarto XVIII Secolo

Gruppo composto da un seggiolone e quattro sedie in noce intagliato, laccato e parzialmente dorato, Lombardia primo quarto XVIII secolo. Braccioli e sotto braccioli seggiolone mossi, gambe e traversa frontali presentano le tipiche volute di foglie d'acanto intrecciate di matrice fantoniana, piedi intagliati a ricciolo. Schienali e sedute imbottiti e rivestiti in pelle finemente impressa con motivi decorativi parzialmente dorati. Piccole mancanze nell'intaglio; mancanze nella doratura e nella laccatura. Un gruppo di sedute simili sono inserite all'interno della collezione del Museo d'Arti Applicate, presso il complesso museale del Castello Sforzesco di Milano.

Lombardia Metà XVIII Secolo

Divano a orecchioni barocchetto in noce, Lombardia metà XVIII secolo. Braccioli a ricciolo, gambe mosse finite a giorno; intagli fogliacei e a conchiglia sulle fasce e sulle gambe. Schienale, braccioli e seduta imbottiti. Piedi posteriori con restauri.

Parigi 1809-1819

Acetoliera in argento fuso, sbalzato e cesellato, ampolle in cristallo molato non coeve. Parigi, maestro orafo “S.J. Dupezard”, primo quarto del XIX secolo. Elegante modello con corpo principale a plinto sorretto da quattro zampe ferine poste agli angoli, quattro vani circolari, di cui i due di maggiori dimensioni porta ampolla costituiti ciascuno da tre putti musicanti con corpo a erma. Sezione centrale con delfino neoclassico applicato, fascia di raccordo ornata da antemi e da coppia di mascheroni raffiguranti il dio greco Dioniso, colonna in alzata con sommità a tre quarti di sfera culminante con figura di fanciullo abbigliato all'antica, il quale sorregge l'ansa per la presa. Apparato decorativo completato da greche fogliacee, di perline e da applicazioni floreali poste sui due lati lunghi del plinto di base. Monogramma inciso; presenta punzoni dell'orafo, del titolo, della garanzia cittadina e uno non ufficiale usato dall'Association des Orfévres. Grammi 756.