Serigrafía de Giuseppe Migneco - El Comber

Figuras de amantes 1975

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. El cuadro pertenece a la producción de ORAZI de los años 70. En esta fase el artista abandona por completo la pintura abstracta y en relieve y vuelve a la pintura figurativa, realizada pero con líneas simplificadas y distorsionadas. Creó en particular la serie llamada Líneas circulares y aquella a la que pertenece esta obra, las pinturas llamadas Têtes-Paysage, en las que creó composiciones que representan misteriosas cabezas humanas o de faunos y figuras mitológicas (a veces acompañadas de sus compañeros insectos), a menudo parejas de amantes besándose: las líneas, en estas pinturas, se entrelazan para formar simultáneamente composiciones, entrelazando cuerpos, a menudo en pose erótica. La obra proviene de la colección privada de la familia del artista.

Figuras, alrededor de 1975

Óleo sobre lienzo. El cuadro pertenece a la producción de ORAZI de los años 70. En esta fase el artista abandona por completo la pintura abstracta y en relieve y vuelve a la pintura figurativa, realizada pero con líneas simplificadas y distorsionadas. Creó en particular la serie llamada Líneas circulares y aquella a la que pertenece esta obra, las pinturas llamadas Têtes-Paysage, en las que creó composiciones que representan misteriosas cabezas humanas o de faunos y figuras mitológicas (a veces acompañadas de sus compañeros insectos), a menudo parejas de amantes besándose: las líneas, en estas pinturas, se entrelazan para formar simultáneamente composiciones, entrelazamientos de cuerpos. Aquí podemos vislumbrar algunas figuras, humanas y animales, probablemente mitológicas, inmersas en una trama erótica. La obra proviene de la colección privada de la familia del artista.

Composición 1933

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. En la parte posterior hay una etiqueta parcial de la Galería Pesaro de Milán. La obra pertenece al primer periodo del artista francés ORAZI (nombre que quiso escribir con mayúsculas), periodo todavía ligado a la pintura figurativa, influenciado por las vanguardias históricas, en particular por el postimpresionismo; Ya en esta primera fase, la investigación sobre el color tiene un lugar dominante en la representación de personajes y objetos. En esta composición, los colores rojo y azul de los libros, la etiqueta de la botella y la pluma resaltan sobre los colores suaves y homogéneos de los demás objetos, entre los que la máscara de piedra domina el hemicampo izquierdo. La obra proviene de la familia de origen del artista. Se presenta en un marco de época.

Pintura en relieve de la década de 1960

Técnica mixta sobre cartón duro, con aplicaciones de materiales en relieve. De 1958 a 1968, ORAZI, quien ya había transitado de la fase figurativa a la abstracta, se dedicó a crear composiciones en relieve: recopiló y utilizó materiales y fibras de diversos tipos, especialmente materiales y fibras naturales como diminutos granos de arena, semillas, filamentos vegetales y fragmentos de corteza, con los que creó formas en relieve que emergían de la superficie del lienzo. La base de esta experiencia artística, llamada Peinture en Relief, fue la exploración de la naturaleza, sus componentes y sus fenómenos (flores, plantas, arenas, rocas, lava volcánica, costas y fondos marinos, erupciones, tormentas, meteoritos petrificados). Las obras de este período se caracterizaron inicialmente por un bajorrelieve; pero posteriormente, el relieve se fue acentuando, a menudo desbordando el perímetro del soporte, hasta el punto de asemejarse más a estatuas que a pinturas. La obra que aquí se presenta probablemente pertenece a la primera fase experimental, con un relieve aún poco pronunciado. La obra está montada sobre un soporte. Proviene de la colección familiar del artista.

Escena con figuras ca. 1950

Óleo sobre lienzo. Pertenece a un grupo de obras llamadas Jeux de Symboles, realizadas entre 1945 y 1950 aproximadamente, en las que la pintura de ORAZI se orienta hacia la producción de la llamada Peinture du Mouvement, caracterizada por el trabajo sobre los efectos dinámicos del cuerpo humano (y de los animales) en movimiento, enfatizados por la fuerza del color. El color domina esta escena, un color fuerte, ácido, brillante, que perfila figuras humanas y animales casi geométricas, con contornos marcados y claros, en las que parecen reconocerse en comparación dos etnias diferentes. El lienzo presenta pequeñas pérdidas de color. PR proviene de la colección familiar del artista.

La conversación 1992

Técnica mixta sobre papel. El título en la parte inferior. En el reverso el sello del artista con firma, fecha y título. Caccioni, artista nacido, formado y residente en Bolonia, es uno de los protagonistas de una generación que ha alcanzado una madurez lingüística definitiva y ocupa un lugar destacado dentro del panorama artístico contemporáneo. Su investigación utiliza principalmente materiales inusuales como acetatos, PVC y, más recientemente, telones de escenario de obras teatrales del siglo XIX, sobre los que interviene pintando formas extraídas de la memoria personal y de sugerencias procedentes de diferentes culturas y periodos históricos. Un elemento recurrente en la obra de Luca Caccioni es la escritura, un signo autosignificante que diseña la obra y es capaz de narrar pensamientos; Trabajando por superposición, las imágenes se construyen añadiendo o restando color en los distintos soportes. Obra enmarcada.

Visión fantástica con figuras

Óleo sobre lienzo. La firma del pintor Franco Rognoni aparece en la parte inferior derecha, pero la obra no ha sido reconocida como auténtica por el archivo del artista. Retoma también el estilo pictórico de Rognoni, caracterizado por figuras, tanto hombres como casas, dibujadas en negro con unos pocos trazos precisos, y luego rellenadas de color que se difumina en el fondo. El lienzo presenta una elegante figura masculina apoyada impasible e indiferente contra la barandilla cubierta de flores de una terraza con vistas a una ciudad; debajo de él, abajo a la izquierda, surge otro rostro (¿el mismo hombre?) con casco militar y situado sobre un fondo de ciudad más oscuro y menos soleado: ya sea el hombre en guerra el que recuerda el tiempo de paz o viceversa, la referencia a la alternancia en la vida de paz y guerra, de serenidad y drama es evidente. La obra se presenta en un marco.

Placa de cobre bruñida y trabajada, con decoraciones de puntos más claros, relieves y agujeros, montada sobre un panel de madera contrachapada teñida de rojo.

Panel de cobre y latón, trabajado con figuras geométricas irregulares. Inspirado en las obras del escultor y pintor Lino Bersani (Génova 1935). Montado sobre panel de madera lacado en blanco.

Bajorrelieve en madera, tela y temple blanco, evocando un Crucifijo estilizado. Montado sobre panel y presentado en vitrina.

Vuelo de Pato

Escultura de bronce. Firma grabada en la base. Gino Masciarelli, escultor originario de Abruzzo pero que vivió en la zona de Milán, después de haber trabajado también en el Centro Experimental de Investigaciones Científicas “F. Marinotti” en Lombardía, que se ocupa del rodaje cinematográfico de alta frecuencia, aprendió a captar en muchas de sus obras la inestabilidad de los cuerpos en movimiento y la disolución de la materia en el espacio. En las esculturas “Grupos humanos” y “Vuelos” -a las que pertenece la obra aquí presentada-, se puede observar el dinamismo del vuelo casi como si de una secuencia fotográfica se tratase. El propio artista afirma: "Sólo 8 segundos impresionaron en 300 metros de película, el objetivo era ralentizar lo que el ojo humano no puede ver, quería captar el movimiento y la proyección de estos segundos duró un par de horas". .

El Leñador 1980

Óleo sobre vidrio. En la parte inferior izquierda aparecen la firma y la fecha, acompañadas del símbolo del artista, la figura estilizada de un hombre en silla de ruedas. Se trata de una obra sobre vidrio del pintor Mario Previ, que vive y pinta en silla de ruedas desde los dieciocho años, debido a una cuadriplejía provocada por una inmersión en su Taro. Dijo de sí mismo: "El mundo, el paso del tiempo, desde este punto de vista (la silla de ruedas) enseña muchas cosas. Se aprende a despertar cada mañana con un propósito, aunque te duela el cuerpo, si cada gesto te genera sufrir y depender de los demás y rendirse podría ser una solución fácil y en cambio, el arte, la pintura, junto con la serenidad de mi mundo, de los amigos, me dan una energía increíble. En 1974, tres años después del accidente, inspirado por un programa de televisión sobre los pintores ingenuos yugoslavos, en particular por las obras sobre vidrio de Mijo Kovacic, Previ comenzó a pintar y a aprender el arte de pintar sobre vidrio de forma autodidacta, hasta que darse a conocer y apreciar por sus pinturas. En sus naifs, Mario Previ cuenta una realidad casi desaparecida, historias reales aunque en tono de cuento de hadas, revive tradiciones perdidas, fragmentos de vida que pertenecieron a otras generaciones, las de la civilización campesina (de la que él también proviene), pero lo que más emerge de sus visiones son los "forë", aquellos que alguna vez se podían escuchar en los "firossi", las tradicionales veladas de las aldeas de Parma dedicadas a reunirse para contar anécdotas, historias y curiosidades históricas, a menudo frente a la chimenea. fuego, cuando afuera hacía frío y nevaba. La obra se presenta en un marco.