Obra de Gustav Klucis - Cifra

Figura en Reposo 1969

Birome sobre papel. Firmado abajo a la derecha. Acompañado de autentificación en foto del Archivo Mario Tozzi. En la extensa producción del maestro Tozzi abundan los dibujos, como éste que aquí presentamos, realizados con diferentes técnicas (tinta, pastel, lápiz, sanguina), dedicados a la figura humana: en su estilo seco y estilizado, Mario Tozzi esboza figurillas estilizadas, refinadas en su geometría silenciosa y discreta, favorecidas por la ausencia de color, que hace resaltar las formas sobre el papel blanco También en su producción pictórica, los temas preferidos de Mario Tozzi son, clásicamente, las figuras y las naturalezas muertas, pero tanto las figuras como las naturalezas muertas son un conjunto de elementos geométricos sólidos, la esfera, el cilindro, el cono, etc. Los cuerpos son elementales, esenciales en sus líneas y detalles, poderosos, escultóricos, compuestos de sólidos apenas modelados, mientras que los bodegones son una celebración de la geometría euclidiana como las jarras, los cuencos, los frascos que son paradigmas de la volumetría y el rigor geométrico. Las composiciones de Mario Tozzi están influidas por el Cubismo para ciertos cortes, la Metafísica para ciertas inserciones arquitectónicas y el Abstraccionismo para la inclusión de figuras geométricas. La obra se presenta enmarcada.

Paisaje de Montaña

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. El pintor milanés Gino Federici se especializó en vistas alpinas, como en esta vista, donde en primer plano un rebaño de ovejas bebe agua de un arroyo, en el amplio valle, bajo picos escarpados. La pintura se presenta en un marco contemporáneo. Presenta signos de restauración anterior.

Técnica mixta sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. Tras su fase futurista inicial, la pintura de Sordini permitió que el material cobrara protagonismo y se volvió cada vez más sutil. Su interés por el signo creció y se definió: un signo esbelto y escueto, primario pero sinuoso, de una paleta suave, delicada, casi impalpable. Sordini «utiliza una técnica completamente gráfica para crear trazos de color dispersos y sutiles sobre el lienzo, dominados por un solo tono, que evocan imágenes antropoides filamentosas».

Pintura en Relieve '58-'68

Técnica mixta sobre lienzo, con aplicaciones de materiales. De 1958 a 1968, ORAZI, que ya había pasado de la fase figurativa a la abstracta, se dedicó a crear composiciones en relieve: recogía y utilizaba distintos tipos de materiales y fibras, especialmente materiales y fibras naturales como diminutos granos de arena, semillas, filamentos de plantas y fragmentos de corteza, con los que creaba formas en relieve que emergían de la superficie del lienzo. En esta experiencia artística, denominada Peinture en Relief, subyace la exploración de la naturaleza, sus componentes y fenómenos (flores, plantas, arenas, rocas, lavas volcánicas, costas y fondos marinos, erupciones, tormentas, meteoritos petrificados). Las obras de este periodo se caracterizaban inicialmente por un relieve todavía bastante bajo; pero más tarde el relieve se hizo cada vez más pronunciado, a menudo incluso sobresaliendo del perímetro del soporte, hasta el punto de parecer casi estatuas más que pinturas. La obra se presenta enmarcada. Procede de la colección familiar del artista.

Pintura en Relieve '58-'68

Técnica mixta sobre lienzo, con aplicaciones de material y planchas. En el reverso figura una etiqueta de un servicio parisino de transporte de obras de arte, con el nombre del artista: las obras de ORAZI participaron en numerosas exposiciones individuales y colectivas en la capital francesa. De 1958 a 1968, ORAZI, que ya había pasado de la fase figurativa a la abstracta, se dedicó a las composiciones en relieve: recogía y utilizaba distintos tipos de materiales y fibras, sobre todo naturales, como diminutos granos de arena, semillas, filamentos vegetales y fragmentos de corteza, con los que creaba formas en relieve que emergían de la superficie del lienzo. En esta experiencia artística, denominada Peinture en Relief, subyace la exploración de la naturaleza, sus componentes y fenómenos (flores, plantas, arenas, rocas, lavas volcánicas, costas y fondos marinos, erupciones, tormentas, meteoritos petrificados). Las obras de este periodo se caracterizaban inicialmente por un relieve todavía bastante bajo; pero más tarde el relieve se hizo cada vez más pronunciado, a menudo incluso sobresaliendo del perímetro del soporte, hasta el punto de parecer casi estatuas más que pinturas. En estas obras suele haber una referencia a la actividad volcánica y a la materia que produce, a veces expresada en títulos como «Flujo de lava», «Arenas volcánicas», «Playas volcánicas». La obra se presenta enmarcada. Procede de la colección familiar del artista.

Pintura en Relieve '58-'68

Técnica mixta sobre lienzo, con aplicaciones de textura. Firmado abajo a la derecha. De 1958 a 1968, ORAZI, que ya había pasado de la fase figurativa a la abstracta, se dedicó a crear composiciones en relieve: recogía y utilizaba distintos tipos de materiales y fibras, especialmente materiales y fibras naturales como diminutos granos de arena, semillas, filamentos de plantas y fragmentos de corteza, con los que creaba formas en relieve que emergían de la superficie del lienzo. En esta experiencia artística, denominada Peinture en Relief, subyace la exploración de la naturaleza, sus componentes y fenómenos (flores, plantas, arenas, rocas, lavas volcánicas, costas y fondos marinos, erupciones, tormentas, meteoritos petrificados). Las obras de este periodo se caracterizaban inicialmente por un relieve todavía bastante bajo; pero más tarde el relieve se hizo cada vez más pronunciado, a menudo incluso sobresaliendo del perímetro del soporte, hasta el punto de parecer casi estatuas más que pinturas. La obra se presenta enmarcada. Procede de la colección familiar del artista.

Jehová Ordena que su mano dé poder a una familia cósmica, 1970

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. En la fase de pintura abstracta de ORAZI se manifiesta a menudo su fuerte inclinación a crear formas circulares, a menudo anudadas o concéntricas. Esta tendencia se convierte en central en su propia fase pictórica de los años 1970-1977, conocida como Ligne Circulaire, en la que abandona las creaciones en relieve y la referencia a las formas y acontecimientos impresionantes de la naturaleza, para representar en su lugar la dimensión armoniosa del universo, el nacimiento y el movimiento de los planetas, la inmensidad del firmamento. Los colores se suavizan, son ricos y a la vez tiernos. En algunos cuadros, ORAZI también plasma fascinantes representaciones de la Madre Tierra que abraza a sus criaturas (insectos, pájaros, flores) o de la Luna. O como en esta obra, expresa una referencia directa en el título a la creación divina, representando a «Dios ordenando la familia cósmica con su poderosa mano». La obra procede de la colección familiar del artista. Se presenta enmarcada.

Cabecera 1970 ca.

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. El cuadro pertenece a la producción de ORAZI de 1970 a 1977. En esta fase, el artista abandonó por completo la pintura abstracta y en relieve y volvió a la figuración, representada sin embargo con líneas simplificadas y distorsionadas. En particular, realizó la serie conocida como Lignes Circulaires y la serie, a la que pertenece esta obra, de pinturas denominadas Têtes-Paysage, en las que creó composiciones que representaban misteriosas cabezas humanas o faunos y figuras mitológicas (a veces acompañadas de sus insectos compañeros): las líneas de estas pinturas se entrecruzan para formar composiciones simultáneas, entrelazando cuerpos o, como en esta obra, ocultando una cabeza o un rostro, a menudo «faunístico». La obra procede de la colección privada de la familia del artista.

Jarrón de flores

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. Acompañado de un certificado fotográfico emitido por la galería de arte milanesa. Anna Gumlich-Kempf se consagró como pintora de bodegones de flores y frutas. En esta composición, la explosión de colores de las flores destaca sobre el fondo monocromático. Sus contornos vagos e imprecisos, pero sus formas múltiples y abigarradas, confieren a la composición una sensación vivaz y dinámica. La pintura se presenta en un marco dorado de época.

Carta manuscrita y autografiada del artista, fechada en 1951. La carta está dirigida a Gino Ghiringhelli, fundador de la histórica galería de arte Il Milione de Milán. En ella, Rosai indica al galerista los títulos de sus pinturas que se reproducirán en el catálogo, dibujando bocetos que coinciden con el título y la fecha de producción. En la composición que se presenta, el coleccionista del que procede la obra ha combinado la carta con la portada y las páginas del catálogo con las reproducciones mencionadas. La composición se presenta enmarcada.

Caballo en el paisaje de los años 50

Marcador sobre papel de arroz, pegado a cartón. Firmado en la parte inferior. Debajo, una dedicatoria del artista (Saludos, querido Aligi). La obra se acompaña de un certificado fotográfico de la Fundación Sassu, número de archivo PNV49. El protagonista de este dibujo es, una vez más, el caballo, el animal favorito del artista. Le fascinaba la energía y la fuerza dinámica de estos animales, que representaban la vida misma y la libertad, y que Sassu expresaba a través de la torsión de sus figuras. Las obras de Sassu, que incluyen pintura, escultura y cerámica, muestran la fuerza de los caballos en escenas de carreras, batallas o en plena naturaleza, a menudo con énfasis en el dinamismo y la energía plástica. Obra enmarcada.

Playa con figuras y ganado

Óleo sobre lienzo. La obra, firmada por Sorolla (abajo a la derecha) y fechada en 1928, evoca el estilo de Joaquim Sorolla y Bastida (1863-1923), el reconocido pintor valenciano que optó por reflejar la luz mediterránea en las escenas cotidianas de su ciudad, en un estilo único conocido como luminismo. Sus obras se caracterizan por su pintura al aire libre, representando a personas sencillas, a menudo enmarcadas en escenas de pesca y mar, capturando costumbres y tradiciones, así como la libertad con la que reflejan la luz y el color. En particular, las playas urbanas de Valencia, animadas por numerosas figuras, incluyendo bañistas y otros, fueron un escenario recurrente en muchas de sus pinturas. En esta obra, la escena es, efectivamente, la de una playa, donde pasan figuras con ganado, mientras se vislumbran barcas varadas y bañistas al fondo. La obra, que es efectivamente pictórica, a pesar de ser muy cercana a la forma y el estilo de Sorolla, no está reconocida como auténtica por el archivo oficial del artista. Se presenta en un marco de época.