Boceto para el vestuario de "Aida" 1974

Carboncillo sobre papel. Firmada y fechada abajo a la derecha, con el nombre del retratado. Se acompaña de un certificado fotográfico del Catálogo General y Archivo de las obras del artista. Esta obra es del destacado pintor italiano Remo Brindisi, cuya pintura, basada en un enfoque descriptivo y realista en sus primeras obras, añadió matices expresionistas en sus últimas, dando lugar a su propio lenguaje neofigurativo. Su obra siempre está imbuida de intenciones sociales y políticas. Brindisi también trabajó como escultor, ilustrador, escritor, escenógrafo y comisario cultural. Su colaboración en la grandiosa escenografía y vestuario de la producción de Aida de 1974 en la Arena de Verona fue especialmente notable, de la cual se presenta aquí un boceto. La obra se presenta enmarcada.

Diseño de vestuario para "Aida" 1974

Carboncillo sobre papel. Firmado y fechado abajo a la derecha, con el nombre del modelo (para Amneris). Acompañado de un certificado fotográfico del Catálogo General y Archivo de las obras del artista. Esta obra es del destacado pintor italiano Remo Brindisi, cuya pintura, basada en un enfoque descriptivo y realista en sus primeras obras, añadió matices expresionistas en sus últimas, dando lugar a su propio lenguaje neofigurativo. Su obra siempre está imbuida de intenciones sociales y políticas. Brindisi también trabajó como escultor, ilustrador, escritor, escenógrafo y comisario cultural. Su colaboración en los grandiosos decorados y vestuario para la producción de Aida de 1974 en la Arena de Verona fue especialmente notable; aquí se presenta un boceto para la Princesa Amneris. La obra se presenta enmarcada.

Intitulado

Bolígrafo sobre papel. Firmado abajo a la derecha. La obra se acompaña de un certificado fotográfico del artista. Carmelo Cappello, conocido como pintor, pero sobre todo como escultor, comenzó su carrera con la pintura figurativa, pero bajo la influencia del constructivismo ruso, se inclinó hacia la abstracción, tanto en escultura como en pintura, dentro del movimiento espacialista. Obra enmarcada.

Boceto para el vestuario de "Aida", 1974

Carboncillo sobre papel. Firmado y fechado abajo a la derecha, con el nombre del personaje (el Rey del Acto I). Acompañado de un certificado fotográfico del Catálogo General y Archivo de las obras del artista. Es obra del destacado pintor italiano Remo Brindisi, cuya pintura, basada en un enfoque descriptivo y realista en sus primeras obras, añadió matices expresionistas en sus últimas, dando lugar a su propio lenguaje neofigurativo. Su obra siempre está imbuida de intenciones sociales y políticas. Brindisi también trabajó como escultor, ilustrador, escritor, escenógrafo y comisario cultural. Su colaboración en los grandiosos decorados y vestuario de la producción de Aida de 1974 en la Arena de Verona fue especialmente destacable; aquí se presenta un boceto del personaje del Rey. La obra se presenta enmarcada.

Cerámica pintada. En la década de 1970, la empresa milanesa "Ceramica Fiori Oscuri" creó una serie de platos decorados con diseños exclusivos de diez pintores contemporáneos. La serie se limitó a 250 piezas. Los artistas participantes fueron: Gianfilippo Usellini, Domenico Cantatore, Domenico Purificato, Remo Brindisi, Gino Meloni, Virgilio Guidi, Pompeo Borra, Roberto Crippa, Franco Gentilini y Gianni Dova. Todos los platos llevan la firma del artista en el anverso y el logotipo de la empresa y el número de serie en el reverso. En este grupo, los platos tienen diferentes números de serie y, en particular, los platos con diseños de Gianni Dova y Gianfilippo Usellini llevan la inscripción "Prova di colore" en el reverso, lo que indica que la copia se realizó antes de la impresión final, que posteriormente se confirmó para el plato firmado por Dova, mientras que Usellini eligió posteriormente a otro de sus sujetos. El plato de Borra muestra una pequeña huella de restauración en la parte superior. El plato de Crippa ha sido pegado nuevamente.

Boceto para el vestuario de "Aida", 1974

Carboncillo sobre papel. Firmado y fechado abajo a la derecha, con el nombre del modelo (para Amneris). Acompañado de un certificado fotográfico del Catálogo General y Archivo de las obras del artista. Esta obra es del destacado pintor italiano Remo Brindisi, cuya pintura, basada en un enfoque descriptivo y realista en sus primeras obras, añadió matices expresionistas en sus últimas, dando lugar a su propio lenguaje neofigurativo. Su obra siempre está imbuida de intenciones sociales y políticas. Brindisi también trabajó como escultor, ilustrador, escritor, escenógrafo y comisario cultural. Su colaboración en los grandiosos decorados y vestuario para la producción de Aida de 1974 en la Arena de Verona fue especialmente notable; aquí se presenta un boceto para la Princesa Amneris. La obra se presenta enmarcada.

Gato 1969

Lápiz sobre papel. Firmado y fechado en la parte superior, con la ubicación de Roma. El dibujo formaba parte de una carta que Gentilini firmó a Elena Pelizzoni como recibo del depósito de un dibujo a tres colores para un plato de cerámica que formaría parte de la serie producida posteriormente por el grupo "Ceramica Fiori Oscuri" en colaboración con artistas contemporáneos. Se adjunta una fotocopia de la carta completa. El dibujo procede de una colección privada de Milán. Enmarcado.

Niño a caballo

Óleo sobre lienzo. Firmado MAGO abajo a la derecha. Maurizio Goracci, también conocido como Mago, es un pintor romano de temas figurativos, con figuras que, aunque bien definidas, siempre se sitúan sobre un fondo surrealista, sombreadas con paletas ácidas que le confieren una sensación fantástica. Un tema recurrente es una figura a caballo, en esta ocasión un niño, cuyo rostro y extremidades son reconocibles, mientras que todo el cuerpo, así como la silueta del caballo, están cubiertos de brillantes telas florales, que resaltan sobre el fondo oscuro e indefinido. La obra se presenta enmarcada.

Invasión de 1996

Acrílico y arena sobre lienzo. Título, firma y fecha en el reverso. La obra de Ferrari se ha desarrollado íntegramente en torno al signo, pasando por diversas fases interpretativas. Esta obra pertenece al período posterior a 1995, en el que la linealidad del signo da paso al caos, las formas se encuentran y chocan libremente dentro del lienzo, y la escritura utilizada anteriormente se rompe en todas direcciones. El signo está completamente libre de superestructuras y puede expresarse en su totalidad, manifestándose dinámicamente en toda la superficie de la pintura. Estas obras están creadas con arena negra de Otranto, un material que permite a Ferrari expresar la teatralidad total del signo y que aún hoy representa el elemento fundamental de su pintura: a través de la arena, el signo traza sus caminos dentro del espacio de la pintura y más allá.

Técnica mixta sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. Tras su fase futurista inicial, la pintura de Sordini permitió que el material cobrara protagonismo y se volvió cada vez más sutil. Su interés por el signo creció y se definió: un signo esbelto y escueto, primario pero sinuoso, de una paleta suave, delicada, casi impalpable. Sordini «utiliza una técnica completamente gráfica para crear trazos de color dispersos y sutiles sobre el lienzo, dominados por un solo tono, que evocan imágenes antropoides filamentosas».

En nombre de la paz en la Tierra 1969

Óleo sobre lienzo. Firma, título y fecha en cirílico al dorso. Viktor Petrovich Rudametkin es un artista ucraniano que se ha consolidado como paisajista y colorista. En esta obra, con su característica paleta vibrante, representa a una madre campesina en medio de un campo de girasoles, símbolo de vida y paz, que contrasta con las imágenes de aviones militares surcando el cielo. Creada durante los años en que Ucrania formaba parte de la Unión Soviética, la imagen puede considerarse un llamado a la paz y un mensaje de esperanza para la tierra natal del artista, aún desgarrada por el grave conflicto con Rusia.

El Comber

Serigrafía texturizada sobre lienzo. Firmada en la parte inferior derecha. En el reverso, número de serie 21/99 y certificado de autenticidad de "Meeting Art Roma", aunque no es adecuado. Giuseppe Migneco, originario de Messina pero trasladado a Milán de joven, fue uno de los principales representantes, junto con Aligi Sassu, Renato Birolli, Bruno Cassinari y Renato Guttuso, del grupo Corrente, abierto a la vanguardia artística europea. Defensor de una pintura socialmente comprometida, investiga la realidad con una mirada crítica, objetiva e histórica. Sus personajes, de rostros duros y cuadrados, marcados por el trabajo duro y representados en tonos brillantes y fuertes, evocan su Sicilia, con sus rasgos violentos y definidos, pero también el realismo social de los muralistas mexicanos. Esta obra presenta sus figuras características (¡que podrían pertenecer tanto a Sicilia como a México!) enfrascadas en una actividad muy prosaica y realista de la vida cotidiana: una madre peinando y limpiando el cabello de su hijo, ¡probablemente infestado de parásitos! La obra se presenta en un marco.

Pintura en Relieve '58-'68

Técnica mixta sobre lienzo, con aplicaciones de materiales. De 1958 a 1968, ORAZI, que ya había pasado de la fase figurativa a la abstracta, se dedicó a crear composiciones en relieve: recogía y utilizaba distintos tipos de materiales y fibras, especialmente materiales y fibras naturales como diminutos granos de arena, semillas, filamentos de plantas y fragmentos de corteza, con los que creaba formas en relieve que emergían de la superficie del lienzo. En esta experiencia artística, denominada Peinture en Relief, subyace la exploración de la naturaleza, sus componentes y fenómenos (flores, plantas, arenas, rocas, lavas volcánicas, costas y fondos marinos, erupciones, tormentas, meteoritos petrificados). Las obras de este periodo se caracterizaban inicialmente por un relieve todavía bastante bajo; pero más tarde el relieve se hizo cada vez más pronunciado, a menudo incluso sobresaliendo del perímetro del soporte, hasta el punto de parecer casi estatuas más que pinturas. La obra se presenta enmarcada. Procede de la colección familiar del artista.

Pintura en Relieve '58-'68

Técnica mixta sobre lienzo, con aplicaciones de material y planchas. En el reverso figura una etiqueta de un servicio parisino de transporte de obras de arte, con el nombre del artista: las obras de ORAZI participaron en numerosas exposiciones individuales y colectivas en la capital francesa. De 1958 a 1968, ORAZI, que ya había pasado de la fase figurativa a la abstracta, se dedicó a las composiciones en relieve: recogía y utilizaba distintos tipos de materiales y fibras, sobre todo naturales, como diminutos granos de arena, semillas, filamentos vegetales y fragmentos de corteza, con los que creaba formas en relieve que emergían de la superficie del lienzo. En esta experiencia artística, denominada Peinture en Relief, subyace la exploración de la naturaleza, sus componentes y fenómenos (flores, plantas, arenas, rocas, lavas volcánicas, costas y fondos marinos, erupciones, tormentas, meteoritos petrificados). Las obras de este periodo se caracterizaban inicialmente por un relieve todavía bastante bajo; pero más tarde el relieve se hizo cada vez más pronunciado, a menudo incluso sobresaliendo del perímetro del soporte, hasta el punto de parecer casi estatuas más que pinturas. En estas obras suele haber una referencia a la actividad volcánica y a la materia que produce, a veces expresada en títulos como «Flujo de lava», «Arenas volcánicas», «Playas volcánicas». La obra se presenta enmarcada. Procede de la colección familiar del artista.

Pintura en Relieve '58-'68

Técnica mixta sobre lienzo, con aplicaciones de textura. Firmado abajo a la derecha. De 1958 a 1968, ORAZI, que ya había pasado de la fase figurativa a la abstracta, se dedicó a crear composiciones en relieve: recogía y utilizaba distintos tipos de materiales y fibras, especialmente materiales y fibras naturales como diminutos granos de arena, semillas, filamentos de plantas y fragmentos de corteza, con los que creaba formas en relieve que emergían de la superficie del lienzo. En esta experiencia artística, denominada Peinture en Relief, subyace la exploración de la naturaleza, sus componentes y fenómenos (flores, plantas, arenas, rocas, lavas volcánicas, costas y fondos marinos, erupciones, tormentas, meteoritos petrificados). Las obras de este periodo se caracterizaban inicialmente por un relieve todavía bastante bajo; pero más tarde el relieve se hizo cada vez más pronunciado, a menudo incluso sobresaliendo del perímetro del soporte, hasta el punto de parecer casi estatuas más que pinturas. La obra se presenta enmarcada. Procede de la colección familiar del artista.

Jehová Ordena que su mano dé poder a una familia cósmica, 1970

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. En la fase de pintura abstracta de ORAZI se manifiesta a menudo su fuerte inclinación a crear formas circulares, a menudo anudadas o concéntricas. Esta tendencia se convierte en central en su propia fase pictórica de los años 1970-1977, conocida como Ligne Circulaire, en la que abandona las creaciones en relieve y la referencia a las formas y acontecimientos impresionantes de la naturaleza, para representar en su lugar la dimensión armoniosa del universo, el nacimiento y el movimiento de los planetas, la inmensidad del firmamento. Los colores se suavizan, son ricos y a la vez tiernos. En algunos cuadros, ORAZI también plasma fascinantes representaciones de la Madre Tierra que abraza a sus criaturas (insectos, pájaros, flores) o de la Luna. O como en esta obra, expresa una referencia directa en el título a la creación divina, representando a «Dios ordenando la familia cósmica con su poderosa mano». La obra procede de la colección familiar del artista. Se presenta enmarcada.

Cabecera 1970 ca.

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. El cuadro pertenece a la producción de ORAZI de 1970 a 1977. En esta fase, el artista abandonó por completo la pintura abstracta y en relieve y volvió a la figuración, representada sin embargo con líneas simplificadas y distorsionadas. En particular, realizó la serie conocida como Lignes Circulaires y la serie, a la que pertenece esta obra, de pinturas denominadas Têtes-Paysage, en las que creó composiciones que representaban misteriosas cabezas humanas o faunos y figuras mitológicas (a veces acompañadas de sus insectos compañeros): las líneas de estas pinturas se entrecruzan para formar composiciones simultáneas, entrelazando cuerpos o, como en esta obra, ocultando una cabeza o un rostro, a menudo «faunístico». La obra procede de la colección privada de la familia del artista.

Figuras de amantes 1975

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. El cuadro pertenece a la producción de ORAZI de los años 70. En esta fase el artista abandona por completo la pintura abstracta y en relieve y vuelve a la pintura figurativa, realizada pero con líneas simplificadas y distorsionadas. Creó en particular la serie llamada Líneas circulares y aquella a la que pertenece esta obra, las pinturas llamadas Têtes-Paysage, en las que creó composiciones que representan misteriosas cabezas humanas o de faunos y figuras mitológicas (a veces acompañadas de sus compañeros insectos), a menudo parejas de amantes besándose: las líneas, en estas pinturas, se entrelazan para formar simultáneamente composiciones, entrelazando cuerpos, a menudo en pose erótica. La obra proviene de la colección privada de la familia del artista.

Figuras, alrededor de 1975

Óleo sobre lienzo. El cuadro pertenece a la producción de ORAZI de los años 70. En esta fase el artista abandona por completo la pintura abstracta y en relieve y vuelve a la pintura figurativa, realizada pero con líneas simplificadas y distorsionadas. Creó en particular la serie llamada Líneas circulares y aquella a la que pertenece esta obra, las pinturas llamadas Têtes-Paysage, en las que creó composiciones que representan misteriosas cabezas humanas o de faunos y figuras mitológicas (a veces acompañadas de sus compañeros insectos), a menudo parejas de amantes besándose: las líneas, en estas pinturas, se entrelazan para formar simultáneamente composiciones, entrelazamientos de cuerpos. Aquí podemos vislumbrar algunas figuras, humanas y animales, probablemente mitológicas, inmersas en una trama erótica. La obra proviene de la colección privada de la familia del artista.

Composición 1933

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. En la parte posterior hay una etiqueta parcial de la Galería Pesaro de Milán. La obra pertenece al primer periodo del artista francés ORAZI (nombre que quiso escribir con mayúsculas), periodo todavía ligado a la pintura figurativa, influenciado por las vanguardias históricas, en particular por el postimpresionismo; Ya en esta primera fase, la investigación sobre el color tiene un lugar dominante en la representación de personajes y objetos. En esta composición, los colores rojo y azul de los libros, la etiqueta de la botella y la pluma resaltan sobre los colores suaves y homogéneos de los demás objetos, entre los que la máscara de piedra domina el hemicampo izquierdo. La obra proviene de la familia de origen del artista. Se presenta en un marco de época.

Pintura en relieve de la década de 1960

Técnica mixta sobre cartón duro, con aplicaciones de materiales en relieve. De 1958 a 1968, ORAZI, quien ya había transitado de la fase figurativa a la abstracta, se dedicó a crear composiciones en relieve: recopiló y utilizó materiales y fibras de diversos tipos, especialmente materiales y fibras naturales como diminutos granos de arena, semillas, filamentos vegetales y fragmentos de corteza, con los que creó formas en relieve que emergían de la superficie del lienzo. La base de esta experiencia artística, llamada Peinture en Relief, fue la exploración de la naturaleza, sus componentes y sus fenómenos (flores, plantas, arenas, rocas, lava volcánica, costas y fondos marinos, erupciones, tormentas, meteoritos petrificados). Las obras de este período se caracterizaron inicialmente por un bajorrelieve; pero posteriormente, el relieve se fue acentuando, a menudo desbordando el perímetro del soporte, hasta el punto de asemejarse más a estatuas que a pinturas. La obra que aquí se presenta probablemente pertenece a la primera fase experimental, con un relieve aún poco pronunciado. La obra está montada sobre un soporte. Proviene de la colección familiar del artista.

Escena con figuras ca. 1950

Óleo sobre lienzo. Pertenece a un grupo de obras llamadas Jeux de Symboles, realizadas entre 1945 y 1950 aproximadamente, en las que la pintura de ORAZI se orienta hacia la producción de la llamada Peinture du Mouvement, caracterizada por el trabajo sobre los efectos dinámicos del cuerpo humano (y de los animales) en movimiento, enfatizados por la fuerza del color. El color domina esta escena, un color fuerte, ácido, brillante, que perfila figuras humanas y animales casi geométricas, con contornos marcados y claros, en las que parecen reconocerse en comparación dos etnias diferentes. El lienzo presenta pequeñas pérdidas de color. PR proviene de la colección familiar del artista.

Retrato en chal de una mujer mexicana, ca. 1950

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. El pintor francés ORAZI estuvo en México en 1955 y luego en 1956-57, un mundo excepcionalmente atractivo para los intelectuales y artistas de la época. Los paisajes naturales, las costumbres y tradiciones de la población local fueron los temas que confluyeron en la serie de pinturas llamadas Peintures sur le Mexique, paisajes, composiciones y retratos sin ceder al gusto por lo exótico, con un trabajo extremadamente cuidado en el color para representar, sin descriptivismo, los elementos de la naturaleza y las figuras de hombres y mujeres, proyectadas ya hacia la abstracción. Esta serie pictórica, compuesta por 35 piezas, fue expuesta en 1957, a su regreso a Francia, en la Galería Vendôme de París. El cuadro procede de la colección privada de la familia del artista.