PINTURA ANTIGUA

Óleo sobre tabla. Escuela del norte de Italia de finales del siglo XVI. Sobre un fondo oscuro se yergue vertical la Cruz, de la que cuelga el cuerpo de Cristo; A sus pies, abrazada a la Cruz, se encuentra Magdalena, rodeada de su manto rojo, color que enfatiza el dolor; Su mirada, levantada hacia lo alto, busca la de Cristo, ya moribundo. La tabla muestra algunas ligeras pérdidas de color. En la parte posterior hay una etiqueta antigua que lo atribuye a un artista veneciano.

Óleo sobre lienzo. La noble está ricamente vestida, con una elegante capa roja sobre sus hombros, dejando al descubierto su vestido adornado con encaje; El peinado está adornado con perlas. En la parte superior derecha del lienzo aparece también el escudo de armas de la familia de la mujer: tripartito, presenta dos leones rampantes y coronados enfrentados, rematados por una decoración verosímilmente floral. Restaurado y reentelado, el cuadro se presenta en un marco de época.

Óleo sobre tabla. La escena probablemente captura a la Sagrada Familia durante la huida a Egipto, en un momento de descanso durante el viaje; De hecho, además de las figuras de la familia, en la parte inferior aparece un ángel, reconocible por las alas insinuadas, que ofrece un plato con comida, del que José ya ha tomado algunas cerezas, según cuentan las versiones apócrifas de los evangelios. El tablero tiene algunos pequeños agujeros de carcoma. Se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. El cuadro, restaurado y reentelado, presenta un pequeño agujero en la parte superior izquierda. Se presenta en un marco de estilo de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. La escena representa a la Sagrada Familia acompañada de San Juan y otro santo arrodillados ante el Niño Jesús, quien conversa con ellos mientras está sentado en el regazo de su madre; María, en cambio, está vuelta hacia atrás, observando el trabajo de carpintería que realiza su marido José, concentrado en cincelar. El santo adulto que se sitúa junto al joven San Juan, y que ocupa la mitad izquierda de la escena, para subrayar su importancia para el patrón, no presenta signos iconográficos particulares, aunque su fisonomía pudiera referirse a San Pedro. La escena tiene lugar fuera de un palacio de mármol, en un paisaje italiano. Restaurada y reentelada, la pintura se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Paisaje con Curso de Agua y Pastores

Óleo sobre lienzo. En una verde campiña de colinas, en la que fluye un curso de agua, unos pastores se sientan a gorjear a la sombra de los árboles, observando cómo abreva su rebaño. En el cielo, densas nubes oscuras se espesan. El estilo recuerda la obra de Marco Ricci, pintor bellunés célebre por su indudable talento para las representaciones naturalistas y arquitectónicas. Sus paisajes, todavía con un marcado sabor a siglo XVII, están ya iluminados por luces potentes y emotivas, árboles secos y retorcidos, rocas y torres, nubes cumuliformes que de repente se rompen en vagos destellos de azul, un complejo repertorio que transfigura la naturaleza en una representación dramática e inquieta. Se convirtió en una referencia para otros artistas de su época, que adoptaron su estilo, como en esta obra. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Paisaje Invernal con Figuras

Óleo sobre lienzo. En un paisaje campestre invernal, salpicado de nieve, sobre la naturaleza desnuda, sombría y árida, un camino serpentea entre árboles completamente pelados, conduce al pueblo, y por él pasan algunos caminantes, mientras a un lado trabajan algunos leñadores. Un denso cielo de nubes oscuras se cierne sobre todo, aunque a la izquierda se abre un atisbo de azul. El estilo recuerda la obra de Marco Ricci, pintor bellunés célebre por su indudable talento para las representaciones naturalistas y arquitectónicas. Sus paisajes, aún con un marcado gusto del siglo XVII, están ya iluminados por luces potentes y emotivas, árboles secos y retorcidos, rocas y torres, nubes cumuliformes que se rompen de repente en vagos destellos de azul, un complejo repertorio que transfigura la naturaleza en una representación dramática e inquieta. Se convirtió en una referencia para otros artistas de su época, que adoptaron su estilo, como en esta obra. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVIII. El paisaje, bastante árido y con las cumbres nevadas al fondo, enmarca en primer plano a una familia de pastores, sentados descansando al borde del camino, a las afueras del pueblo, mientras su rebaño bebe del arroyo cercano; mientras tanto conversan y piden indicaciones a la pastora que pasa por el camino con su cesta bajo el brazo. Restaurado y reenmarcado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. Escuela véneta del siglo XVIII. Amplio paisaje de colinas prealpinas, atravesado por un riachuelo que llega hasta el molino en el primer plano de la derecha, mientras numerosas figuras de plebeyos animan el camino que conduce al edificio, dedicados a diversas ocupaciones; los dos pescadores con redes destacan en el primer plano del centro. Anteriormente atribuido a Giuseppe Zais (1709-1784), pintor veneciano conocido por sus amplios paisajes animados con figuras, caracterizados por una luminosidad aérea y un cuidado en la descripción de la naturaleza. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Animada composición naturalista de flores multicolores en jarrones de cerámica azul, que recuerdan el color del cielo de la parte superior del fondo, que luego se difumina hacia un color terroso en la parte inferior; a la izquierda destaca un periquito por su inusual color oscuro. El cuadro presenta ligeros desvanecimientos de color, principalmente difuminados en el fondo. Se presenta en un marco dorado contemporáneo.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia de mediados del siglo XVII. El hombre retratado está vestido con una gran capa negra, severa aunque ribeteada con encaje blanco en las muñecas, sentado ante su escritorio mientras relee una carta, con el tintero y la pluma apoyados en la encimera frente a él, lo que indica su cultura y su elevado papel. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un marco de finales del siglo XIX relacado en negro, pero con varias lagunas de color.

Óleo sobre lienzo, aplicado sobre una plancha de madera. La Santa está retratada en primer plano, de medio cuerpo: el torso desnudo del cuerpo está parcialmente cubierto por un abrigo de piel que cae desde los hombros, sobre el que se extiende la larga cabellera. Magdalena tiene la mirada vuelta al cielo, en estado contemplativo, en sus manos la calavera, Memento mori, y a su lado un trozo de pan, su único alimento en su vida de penitencia. Detrás de la figura un fondo oscuro, del que surge un haz de luz que crea un halo alrededor de su cabeza y acentúa el patetismo de su expresión. El cuadro presenta ligeras cautelas de color, especialmente en el margen derecho. Se presenta en un marco de estilo.

Óleo sobre lienzo. Escuela flamenca del siglo XVII. En el reverso, cartela de coleccionista. En un paisaje montañoso de rocas y manchas de árboles, por encima de un pequeño pueblo a la izquierda, un arroyo fluye formando una cascada espumosa; en las orillas, algunas figuras de campesinos en tránsito o conversando; a la derecha, un pájaro de cola larga se posa en un arbusto seco. Al fondo, las colinas se difuminan en un cielo espeso de nubes. El cuadro se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

cabeza femenina

Tempera sobre tabla. El cuadro representa una figura femenina de medio cuerpo; lleva un vestido rojo sobre una túnica clara, mientras que un paño verde descansa sobre su hombro derecho. Lleva el pelo rojo recogido en una raya central y cubierto en parte por un tocado blanco como la nieve; su rostro tiene una expresión absorta: la mirada pensativa, las cejas arqueadas y los labios ligeramente fruncidos. labios fruncidos. La obra es una de las varias derivaciones de un fresco perdido de Andrea del Sarto, pintado en 1522 para un tabernáculo situado cerca de Porta Pinti, en Florencia, y cuya existencia se documenta hasta 1880, aunque en un estado precario. Entre las fuentes documentales de esta obra, Vasari en particular recuerda el fresco como una «Virgen con el Niño y San Juan» y, visitante frecuente del taller de Sarto, especifica que el rostro de la Virgen fue modelado a partir del de la esposa del artista, Lucrezia di Baccio della Fede. De las numerosas derivaciones, muchas reproducían fielmente las figuras y variaban el fondo. Aquí sólo se reproduce el rostro de la Madonna, pero fiel en rasgos fisonómicos, expresión y actitud a las demás copias documentadas, así como la paleta ácida, expresión del gusto manierista del siglo XVI que Del Sarto promovió. La obra se presenta en un marco antiguo, modificado para ajustarse a las dimensiones. mayores.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana de finales del siglo XVIII y principios del XIX. El paisaje romántico muestra un río que fluye entre riberas rocosas coronadas por frondosos árboles; en la orilla, en primer plano a la izquierda, dos pescadores lanzan sus sedales a un remanso de aguas tranquilas creado por una pequeña ensenada. El cuadro lleva en el marco una etiqueta atribuida a Domenico Pecchio (1693-1760). Restaurado, se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana de finales del siglo XVII-principios del XVIII. Dentro de un gran paisaje clásico, rico en vegetación y con una atmósfera sonrosada, se encuentra un pequeño puñado de soldados: algunos de ellos, apoyados en una roca que domina un curso de agua, observan cómo uno de ellos se baña, después de haber colocado su armadura en el agua. Se presentó en una subasta Lempertz en 2017 con una atribución a Andrea Locatelli (1695 -1741) y una estimación de 7/9.000 euros. Los modos pictóricos de la obra parecen más cercanos a los de Marco Ricci (1676 -1730), que también fueron ampliamente retomados por otros artistas de la zona del Véneto. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Ambientada en un paisaje clásico, rico en vegetación, la escena representa el episodio bíblico del libro del Génesis que narra cómo el pueblo de Israel, que atraviesa el desierto del Sinaí para llegar a la Tierra Prometida, se encuentra sin agua. Moisés invoca la ayuda de Dios y realiza el milagro de hacer brotar agua de una roca. En la escena, el pueblo de Israel se regocija y celebra el milagro, corriendo a bañarse y saciar su sed en el estanque de agua conjurado por Moisés, que se vislumbra de pie a la izquierda del tronco seco en primer plano, símbolo de la aridez de la tierra. Las ramas de los árboles movidas por un fuerte viento y el cielo cargado de nubes oscuras que comienzan a romperse, evocan la presencia de Dios. Las múltiples figuras, representadas con precisión y detalle, crean movimiento y acción. Este cuadro ya ha sido presentado en la subasta Lempertz con atribución a Giovanni Ghisolfi (1623 -1683), artista que desarrolló una perfecta combinación de pasado y modernidad, gracias a un profundo interés por el clasicismo, pero realizado con eficaz precisión de perspectiva en el paisaje y gran exactitud de detalle en las figuras. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela francesa del siglo XVII. La escena, ambientada de noche en el jardín de una villa, cuya fachada ornamentada se vislumbra a la derecha y en la que destaca la fuente de la que manan una estatua desnuda, bajo un cielo oscuro oscurecido aún más por densas nubes, muestra a dos figuras que conversan: un anciano vestido modestamente amonesta severamente a un joven sentado, ricamente vestido, que parece hacer el gesto del mea culpa con la mano. La fisonomía y los gestos de las dos figuras, junto con el estilo de su indumentaria, parecen remitir al filósofo Aristóteles, que fue llamado a la corte macedonia para ser tutor del joven Alejandro, el futuro rey más tarde conocido como Alejandro Magno. Según cuenta Plutarco en sus «Vidas paralelas», el joven Alejandro fue un alumno brillante, tanto que también fue iniciado en las doctrinas aristotélicas más profundas y esotéricas, de donde deriva el halo de misterio y profunda interioridad que transpira la obra que aquí se presenta. El cuadro ha sido restaurado y reencuadrado. Se presenta en un elegante marco. El cuadro, restaurado

Óleo sobre lienzo. Escuela norditaliana de los siglos XVII-XVIII. Esta obra devocional muestra a la Virgen, sentada sobre las nubes y asistida por dos ángeles que sostienen sus vestiduras, siendo adorada por dos santos, arrodillados a sus pies: a la derecha, la joven vestida de príncipe, a cuyos pies descansa una corona real, se refiere a Isabel de Hungría; a la izquierda, el santo que sostiene al Niño Jesús puede identificarse con San Gaetano da Thiene. Particular es el juego de miradas entre los distintos personajes, que se entrelazan con sus posturas y gestos para crear un movimiento casi circular. El cuadro ha sido restaurado y enmarcado de nuevo. Se presenta en un marco antiguo redecorado a principios del siglo XX, al que le faltan varias piezas (necesita restauración).

Óleo sobre lienzo. Se trata de una copia de época del grabado homónimo de Annibale Carracci (1560 -1609), que tuvo un éxito inmediato y dio lugar a una serie de réplicas impresas y copias pintadas. Representa el momento de la Pasión en el que Cristo es coronado con la corona de espinas, objeto de tortura que constituye un símbolo denigrante de su proclamación como Rey de Reyes. Dos figuras ejecutan el acto, el soldado romano y el judío, en representación de los dos pueblos que participaron en la condena a muerte de Cristo. Las figuras, vigorosas y sanguíneas las de los dos torturadores, más pálida e inerte la víctima, crean una composición entrelazada de cuerpos, con el central de Jesús que se une a los otros dos, uniéndolos en la responsabilidad compartida de lo que están haciendo; colocado de lado, Jesús tiene la cabeza inclinada a la fuerza hacia la izquierda por el soldado que le impone la corona de espinas, mientras que el judío, a la derecha, le coloca en la mano la caña de bambú, que sustituye al cetro. La escena está dominada por colores oscuros y sombríos, entre los que sólo destaca el rojo vivo de la túnica de Cristo, símbolo de su humanidad sufriente. El cuadro ha sido restaurado y retocado. Se presenta en un bello marco coetáneo, al que le faltan algunas partes.