Huile sur toile. École d'Europe du Nord du XIXe siècle. Dans cette scène, située sur une plaine aride et enneigée, traversée par une rivière gelée, un grand traîneau tiré par des chevaux est stationné sur la berge, transportant plusieurs personnes : une femme portant un enfant dans les bras s'apprête à monter à bord, sous le regard du conducteur, tandis qu'une autre femme, tenant son enfant par la main, s'éloigne sur la glace. On dirait un arrêt de transport public nordique ! L'œuvre est présentée dans un cadre de la fin du XIXe siècle, dont plusieurs parties manquent ou sont abîmées.

Paysage avec Batîments, 1884

Huile sur toile. Signée et datée en bas à gauche. Peintre paysagiste, Henry Robinson Hall a principalement peint des vues de la campagne écossaise, mettant en scène des troupeaux de bétail ou des habitations rurales, comme ce petit village niché dans la plaine, traversé par un ruisseau au cours lent ; les teintes rosées du ciel créent une atmosphère romantique et sereine. La toile nécessite une restauration en raison de plusieurs manques de peinture. Présentée dans un cadre doré d'époque.

Huile sur plaque métallique. Délicat portrait d'enfant, présenté dans un cadre contemporain en métal gaufré et doré.

Portique avec figures

Huile sur carton. Signée en haut à droite. Gregorio Mariani est surtout connu pour ses gravures d'antiquités romaines, mais il s'est également imposé comme peintre de scènes de genre, représentant souvent des personnages d'époque, et comme portraitiste. Dans cette œuvre, marquée par une influence impressionniste par ses nuances de couleurs et ses jeux de lumière, il dépeint une scène de la vie urbaine du XVIIIe siècle : de nombreux personnages, dont on aperçoit les robes fluides des femmes, déambulent sous un haut portique, dont les arches laissent entrevoir la mer, sillonnée de navires. L'œuvre est présentée dans un cadre en bois contemporain.

Broderie sur soie, montée sur panneau. Cette tapisserie date de l'ère Meiji (1868-1912), qui coïncide avec le règne de l'empereur Mutsuhito (connu à titre posthume sous le nom d'empereur Meiji), et a marqué une profonde transformation pour le Japon, passant d'une société féodale isolée à une puissance industrielle et militaire moderne. Elle représente deux tsuru, ou grues japonaises, parmi des chrysanthèmes en fleurs. Dans la culture japonaise, le tsuru est un symbole de longévité. La tapisserie a été montée dans un cadre, une grande partie du tissu étant repliée au dos.

Scène de Campagne avec Personnages

Huile sur toile. Signée en bas à gauche. La scène représente un groupe de paysans, hommes et femmes, cueillant des paniers de fleurs, jouant de la musique et dansant au son de la cornemuse et du tambourin, certains en profitant pour flirter. Il s'agit donc d'une fête populaire à la campagne, un sujet de prédilection de Barucci, peintre romain qui a principalement représenté la vie quotidienne à la campagne. Son amour quasi universel pour la nature – les aspects les plus authentiques, arides et réalistes de la campagne et des faubourgs romains – l'a conduit à devenir l';un des principaux représentants du style rustique. La luminosité et la vivacité des couleurs renforcent l'atmosphère festive de la scène, soulignant l'insouciance et la sérénité de ce moment de la vie populaire. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

La Coupe de Cheveux

Tapisserie sur toile. La scène, qui se déroule au XVIIIe siècle, représente une dame riche et parée de bijoux prenant le thé avec une amie, tandis qu'un valet se tient derrière elle, prêt à lui couper sa longue queue de cheval. La scène, probablement allégorique, met également en scène un chérubin ailé saisissant une mèche de ses cheveux coupés, tandis qu'un autre s'élève en voletant. La toile nécessite une restauration en raison de déchirures et d'une perte de couleur évidentes. Elle est présentée dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Lecture de la Lettre

Tapisserie ancienne. La scène, qui se déroule au XVIIIe siècle, représente une dame riche assise à sa coiffeuse, lisant une lettre, tandis que sa servante lui offre des bijoux. Quelques chérubins planent au-dessus, conférant à la scène une signification allégorique. La toile nécessite un nettoyage. Elle est présentée dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. Il s'agit d'une copie du tableau éponyme de Giulio Cesare Ferrari (1818-1899), peint en 1863 et acquis quelques années plus tard par la Pinacothèque de l'Académie de Bologne. Le tableau représente une scène du roman de Victor Hugo « Notre-Dame de Paris » : Esmeralda, une jeune gitane enchanteresse par sa beauté et sa danse, est persécutée par l'archidiacre Frollo en raison de son obsession et enfermée dans la tour de la cathédrale parisienne, où elle est toutefois aidée par le sonneur de cloches bossu Quasimodo. Dans la scène, la jeune femme est blottie dans une cellule étroite et sombre, accompagnée de son inséparable chèvre. L'œuvre s'inscrit dans le mouvement de la peinture historico-littéraire qui s'est développé au XIXe siècle parallèlement au romantisme et au réalisme, et se caractérise par la représentation de scènes historiques et littéraires, souvent dans un esprit de célébration et de commémoration. L'exemplaire proposé ici, de bonne facture et datable peu après l'original, est présenté dans un cadre de style milieu du XXe siècle, contemporain de la restauration et du rentoilage de l'oeuvre.

Huile sur toile. École d'Europe centrale de la première moitié du XIXe siècle. Le tableau fait référence à une gravure de Johann Gottfried Haid (1704-1767), graveur allemand connu pour ses copies à la manière noire d'œuvres de grands maîtres. L'œuvre originale est probablement attribuable à Antonio Mercurio Amorosi (1660-1738), connu pour ses portraits de personnages populaires dans le style « bambocciante ». Notre tableau présente plusieurs légères différences par rapport à la gravure de référence. Toujours sur la première toile, il est présenté dans un cadre du milieu du XXe siècle.

Scène avec des Gardes dans la Ville, 1875

Huile sur toile. Signée et datée en bas à gauche. Le peintre anglais George Goodwin Kilburne s'est spécialisé dans les scènes de genre se déroulant dans la vie de la haute bourgeoisie victorienne, avec des scènes de chasse et des scènes de salon, toutes caractérisées par l'élégance et la minutie des détails, notamment des figures féminines. En 1875, Kilburne séjourna quelques mois à Rome, puis voyagea dans d'autres villes italiennes et européennes. La scène représentée ici, datant en réalité de 1875, semble se dérouler à Rome : à un poste de garde de la ville, comme l'indique clairement l'aperçu urbain que l'on peut apercevoir depuis la porte ouverte, des soldats portant l'uniforme des gardes du Vatican se reposent. L'œuvre est présentée dans un cadre de la fin du XIXe-début du XXe siècle.

Huile sur toile. École hollandaise, fin du XIXe siècle. Signature et date non identifiées de 1880 en bas à gauche. Plaque métallique sur le cadre portant l'inscription « Ashelard Holland 1880 ». Le paysage, une vaste campagne cultivée aux pentes douces, est traversé par un ruisseau navigué par quelques bateaux ; sur la rive gauche, un petit groupe de maisons avec une petite église ; des passants se croisent sur le chemin. Toujours sur la première toile, le tableau est présenté dans un cadre redoré du début des années 1900.

Huile sur toile. Seconde moitié du XIXe siècle. Portrait en gros plan intense d'un homme, probablement nord-africain, qui appartient à la période artistique définie comme orientaliste, c'est-à-dire à cette production artistique qui s'est fascinée pour le monde oriental, suite aux nombreux voyages en vogue au XIXe siècle dans les terres chaudes et exotiques des pays d'Asie occidentale. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Scène d'Intérieur avec Figure Féminine

Huile sur toile. Signé en bas à droite. Dans une pièce sobrement meublée, une femme âgée est assise en train de lire, ou peut-être de méditer, son livre posé sur la table sous la fenêtre, tandis que son petit chien dort recroquevillé sur un banc à la droite de la femme. La scène est riche en détails, finement représentée ; Depuis la fenêtre, dont les rideaux sont relevés pour laisser entrer la lumière qui illumine la scène, on peut apercevoir des personnages marchant le long d'une route qui mène à un palais fortifié. Le peintre allemand August Friedrich Siegert est devenu célèbre principalement pour ses portraits et ses scènes de genre représentant des moments de la vie quotidienne avec une grande attention aux détails et une touche de réalisme. Le tableau est présenté dans un cadre doré contemporain de la seconde moitié du XIXe siècle.

Confidences

Aquarelle sur papier. Monogramme de l'artiste en haut à gauche. Tranquillo Cremona, après une période initiale proche de la peinture romantique, s'éloigne à partir de 1870 des influences de Francesco Hayez et adopte un style pictural aux contours indéfinis, développant le concept de "macchia scapigliata" avec son ami Daniele Ranzoni : après une première intervention avec des pinceaux, il affine les œuvres avec ses doigts pour les fondre, utilisant tous ses doigts pour rendre ses peintures aussi vaporeuses que possible. Cette technique (qui lui coûta la vie à cause d'un empoisonnement au plomb dû au contact répété des couleurs sur sa peau) fut comparée par Camillo Boito aux vues de la lanterne magique, lorsque la mise au point correcte de la lentille n'avait pas encore été trouvée : l'image est déjà distinguable, mais elle est plongée dans une vapeur presque gazeuse. Les sujets des œuvres de Tranquillo Cremona ont toujours été des figures humaines, présentes dans les scènes historico-littéraires de la période romantique, ainsi que dans les portraits et les scènes de genre de la phase Scapigliatura ; Ses sujets sont tirés de la vie quotidienne, dans sa simplicité et son immédiateté spontanée, comme ces trois figures féminines représentées dans un moment de conversation confidentielle et intime entre amis. L'œuvre est présentée dans un décor de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. École flamande du XIXe siècle. Le paysage vallonné présente un grand arbre au premier plan à gauche, dominant les champs en contrebas, avec un chasseur déterminé à viser une proie cachée parmi ses branches ; non loin de là se trouvent quelques fermes, au toit en pente typiquement nordique, devant lesquelles on peut apercevoir d'autres personnages ; au loin, le profil flou d'une ville émerge. Sur le cadre se trouve une plaque d'attribution à Anthonie Van Borssom (1629-1677), peintre paysagiste flamand, à la production duquel le tableau fait référence à certains égards. Le panneau pictural a été parqueté. Le tableau est présenté dans un cadre doré du milieu du XXe siècle.

Le Retour de la Fête de la Madonna dell'Arco à Naples

Huile sur toile. Il s'agit d'une copie d'un célèbre tableau du peintre Louis Léopold Robert (1794 -1835), qui fut exposé au Salon de Paris en 1827 et acheté par le roi Louis-Philippe ; Il est actuellement conservé au musée du Louvre. Le tableau représente une scène festive joyeuse, riche en folklore avec des personnages costumés dansant la tarentelle et en arrière-plan le panorama fantastique de la ville de Naples. Robert, artiste suisse, séjourna plusieurs fois en Italie, où il trouva l'inspiration pour la création de nombreuses œuvres et s'affirma comme peintre de genre romantique et paysagiste du Grand Tour, dont les sujets furent très appréciés et reproduits. Le tableau « Retour de la fête de la Madonna dell'Arco à Naples » faisait partie d'un projet de Robert, qui avait l'intention de peindre quatre grandes toiles sur les saisons, situées dans quatre régions différentes d'Italie : celle-ci représentait le printemps. La toile présentée ici, non signée, est néanmoins d'une grande qualité picturale. Restauré et rentoilé, il est présenté dans un cadre de la fin du XIXe - début du XXe siècle.

Huile sur toile. Une représentation délicieuse de la vie populaire avec des personnages aux allures de caricature : trois femmes du commun en pied sont représentées dans la rue tandis qu'elles conversent intensément entre elles, échangeant des confidences ou... des ragots ! Non signé, le tableau nécessite une restauration en raison d'une déchirure dans le bas.

Copie de David Teniers II

Huile sur panneau. Le tableau est une copie révisée de la célèbre œuvre de David Teniers le Jeune (1610-1690), exécutée entre 1634 et 1640 et actuellement conservée au musée du Prado à Madrid. Le titre de la scène animée fait référence à la soi-disant Nuit des Rois, une célébration correspondant à l'Épiphanie, précisément douze jours après Noël, qui était la dernière nuit de célébrations, au cours de laquelle on pouvait boire au-delà de ses limites, se consacrer à l'amour, à l'échange de partenaires et de genres, une sorte de carnaval, au cours duquel le Roi du Désordre était élu (littéralement le roi du Désordre), un souverain à l'envers qui imposait ses lois, subvertissant les règles et les comportements. Cette œuvre, comme beaucoup d'autres de Teniers, connut un tel succès lié aux nombreuses commandes des rois et des aristocrates au cours du XVIIIe siècle, qu'elle induisit une importante production posthume de copistes, dont beaucoup signèrent même du nom de l'artiste. Le tableau présenté ici présente plusieurs manques de peinture, à combler. Il est dans un cadre de la fin du XIXe siècle, adapté à la taille.

Huile sur toile. École du nord de l'Italie du XIXe siècle. Le paysage représente une vaste campagne qui s'ouvre sur la chaîne de montagnes alpine, précédée par les pentes plus douces des collines préalpines ; sur le chemin central, qui court droit et perpendiculairement aux collines, un roturier passe avec sa mule. L'ambiance est celle d'une fin de journée, avec des teintes roses illuminant le sommet enneigé. On retrouve un sujet très similaire dans la production du cercle de Carlo Canella (1800-1879), l'artiste véronais surtout connu pour ses vues de ville. L'œuvre est présentée dans un décor de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. Portrait à mi-corps d'un couple de paysans âgés, elle avec la tête couverte d'un mouchoir rouge, lui avec une coiffe traditionnelle ; les deux visages émergent du fond sombre avec des expressions dignes et sereines. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain.

Médaillons imprimés sur plaques de cuivre. Les huit médaillons proviennent de la série de médailles des « Hommes italiens illustres ». Ces huit-là en particulier représentent les profils de huit hommes illustres du monde de l'art et de la science : Antonio Allegri dit le Corrège, Andrea Appiani, Benvenuto Cellini, Andrea Palladio, Scipione Maffei, Galileo Galilei, Francesco Guicciardini et Girolamo Vida. Elles sont montées sur un panneau de carton recouvert de velours et encadrées dans un cadre d'époque.

Crayon sur papier. En bas à droite, sur les deux, l'écriture "Pietro Mulazzi esquissé", avec la date 1883. Par un artiste inconnu mais habile dans l'utilisation des crayons, ce sont les portraits d'un couple bourgeois, dont les visages gris se dégagent nettement du papier fond rouge . Ils sont présentés dans des cadres dorés contemporains, avec plusieurs manques (à restaurer).