PEINTURES EN LIGNE | GALERIE D'ART ANCIEN ET CONTEMPORAIN

Berger avec ses moutons

Encre sur papier. Signé en bas à gauche. L'artiste napolitain Filippo Palizzi, surnommé « le peintre des animaux », est considéré comme un renouveau de la peinture napolitaine du XIXe siècle. Délaissant la peinture académique, à la suite des expériences françaises contemporaines, Palizzi se consacra à l'étude du vivant, notamment aux sujets modestes tels que les petits paysages et les peintures animalières, créant des œuvres d'un réalisme intense, empreintes d'une poésie intime. Il se distingua surtout par la minutie avec laquelle il rendait compte des détails de ses sujets. Les troupeaux et leurs bergers constituent un thème récurrent dans son œuvre, comme en témoigne ce petit dessin. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Artiste inconnu (signature inconstante G. Induno en bas). Scène de genre dans une maison modeste : un vieil homme, assis sur son lit, accueille l’étreinte de son petit-fils venu lui rendre visite. La tendresse de ce geste d’affection et de dévouement contraste avec la pauvreté du logement. Le tableau est présenté dans un cadre d’époque.

Bateaux de pêche

Lithographies en couleurs. Signées au crayon. Le peintre et graveur français Guinegault a réalisé de nombreuses vues et paysages, tant de Paris que des côtes du nord de la France, représentant souvent des pêcheurs. Ces deux lithographies sont présentées dans des cadres en bambou des années 1960.

Rassemblement

Aquarelle sur papier. Signée en bas à gauche. De Albertis se consacra au genre militaro-patriotique, produisant un riche répertoire de batailles, reproduites en diverses variations, qui devinrent peu à peu sa spécialité. Plus tard, il se tourna vers l'aquarelle, mais les sujets militaires, souvent avec des chevaux, continuèrent de dominer son œuvre. Cette aquarelle, en effet, représente deux chevaux sellés mais non montés, répondant à l'appel de la trompette – le ralliement – ​​sonné par le cavalier en tête de l'escadron, visible à droite. L'œuvre est présentée encadrée.

Dames avec un Mousquetaire

Huile sur panneau. Signée en bas à gauche. Cette œuvre est de l'artiste anglais (qui a également étudié en Italie). Il s'est fait connaître pour ses sujets historiques, peints dans un style du XIXe siècle et caractérisés par le souci du détail dans la représentation du mobilier et des costumes d'époque, comme en témoigne cette scène romantique. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Nature Morte au Gibier, 1865

Huile sur panneau. Au verso, la signature et la date attribuent l'œuvre au célèbre sculpteur (et peintre) suisse qui vécut à Milan et se distingua comme ornementaliste et animalier. La nature morte est présentée dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle.

Gravures. Les noms du graveur et du peintre figurent en bas. La série, réalisée d'après des dessins de Giovanni Battista Piazzetta (1682-1754), comprenait quinze estampes et était intitulée « Les Douze Apôtres ou Œuvre peinte par Giambattista Piazzetta (1683-1754), gravée par Marco Pitteri Veneto avec le privilège du Très Excellent Sénat ». Aux onze apôtres (à l'exception du traître Judas) s'ajoutaient le visage de Marie, l'image du Père avec le Saint-Esprit et saint Paul. Cette série ne présente aucune représentation du Christ. Les estampes présentent des taches et des traces d'humidité. Elles sont présentées dans des cadres en bois laqué du XVIIIe siècle avec un verre contemporain.

Fausse déchirure de fresque. Imitant une fresque antique, le visage de saint Antoine l'Abbé est représenté ici, reconnaissable à plusieurs de ses caractéristiques iconographiques : il est vêtu d'un habit de moine et porte un scapulaire ; il tient une canne à laquelle est attachée la clochette utilisée par les moines et les ermites pour annoncer leur arrivée pour la quête ; sa main droite, levée en signe de bénédiction, laisse jaillir une langue de feu, symbole de maladie, de châtiment et de la domination du Bien sur le monde souterrain. L'œuvre est encadrée d'un listel.

Paysage

Huile sur panneau. Signée en bas à droite. Luigi Comolli, artiste milanais, s'est distingué par ses paysages et ses natures mortes. Son œuvre témoigne d'une influence impressionniste, héritée de ses années de formation à Paris. Présentée dans un cadre du milieu du XXe siècle.

La Vendeuse d'Herbes

Huile sur toile. Afrique de l'Ouest. Cette peinture de style naïf représente une femme vendant des herbes médicinales, tenant une pancarte indiquant les maux qu'elle soigne. Ce type d'œuvre, souvent utilisé comme publicité pour les étals de marché, fait référence aux valeurs traditionnelles africaines de maternité, de fertilité et de prospérité, transposées dans un contexte culturel contemporain.

Chiffres au bar

Huile sur toile. Signée en bas à gauche. Un certificat d'authenticité signé figure au dos. Influencé par l'expressionnisme durant ses années parisiennes, Fantuzzi accorde une grande importance à l'expression des émotions et des ambiances dans ses œuvres. La couleur domine ses toiles, généralement dans des tons froids de bleu, de vert et de violet, créant parfois des contrastes saisissants. Les thèmes principaux de Fantuzzi sont la solitude de la métropole et la difficulté de communiquer dans les relations interpersonnelles ; il peint souvent des figures indistinctes et des visages sans yeux. Encadrée.

Sans Titre, 1992

Technique mixte sur papier. Signé en bas au centre. Le cachet de l'artiste, portant la signature et la date de l'œuvre, figure au verso. Luca Caccioni, artiste né, formé et vivant toujours à Bologne, est l'un des protagonistes d'une génération qui a atteint une maturité linguistique affirmée et occupe une place de premier plan sur la scène artistique contemporaine. Ses recherches utilisent principalement des matériaux insolites tels que l'acétate, le PVC et, plus récemment, des décors de théâtre du XIXe siècle, sur lesquels il peint des formes puisées dans sa mémoire personnelle et influencées par diverses cultures et périodes historiques. L'écriture est un élément récurrent dans l'œuvre de Luca Caccioni : signe auto-signifiant qui structure l'œuvre et exprime des pensées, elle construit ses images par superposition, en ajoutant ou en soustrayant de la couleur sur différents supports. Encadré.

Portrait Féminin, 1894

Huile sur carton. Signée et datée en bas à droite. Au verso, une dédicace : « Si un jour j'acquiers une bonne réputation, ce sera grâce à l'esquisse d'un homme célèbre ! Si je reste dans l'ombre… ce sera grâce au souvenir d'un ami. Vérone, mai 1894. » Le peintre Giovanni Bevilacqua, originaire de Vérone mais ayant vécu à Gênes, s'est surtout illustré comme peintre de fresques d'intérieur. Ce petit hommage à un ami représente avec délicatesse un visage féminin. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain.

Huile sur toile. Début du XXe siècle. Cette œuvre de grande qualité est l'œuvre d'un artiste anonyme, inspiré par Vittorio Reggianini (1858-1938), qui connut un immense succès avec ses scènes d'intérieur et de salon représentant des femmes ou des enfants vaquant à leurs occupations quotidiennes, souvent de loisirs, comme ces deux dames prenant le thé et conversant aimablement. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain.

Figures avec Fleurs

Huile sur toile. Signée en bas à gauche. Une déclaration d'authenticité signée figure au dos. Influencé par l'expressionnisme durant ses années parisiennes, Fantuzzi accorde une grande importance à l'expression des émotions et des ambiances dans ses œuvres. La couleur domine ses toiles, généralement dans des tons froids de bleu, de vert et de violet, créant parfois des contrastes saisissants. Les thèmes principaux de Fantuzzi sont la solitude de la métropole et la difficulté de communiquer dans les relations interpersonnelles ; il peint souvent des figures indistinctes et des visages sans yeux. Encadrée.

Huile sur toile. Peinte dans le style de la peinture espagnole du début du XVIIe siècle, l'œuvre date en réalité de la fin du XIXe siècle. Elle représente une noble dame portant une fraise, ce col rigide, ornemental et plissé typique des vêtements masculins et féminins des XVIe et XVIIe siècles. L'œuvre a été restaurée et rentoilée. Elle est présentée dans un cadre doré du milieu du XIXe siècle, inséré dans un cadre plus large du XXe siècle.

La Reine des Glaces 2021

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Fabio D'Aroma est un artiste au parcours éclectique et surprenant, dont l'art se distingue par la rencontre entre la tradition picturale classique et une approche contemporaine. À propos de son style, D'Aroma déclare : « J'aime le définir comme une sorte de surréalisme pop aux fondements classiques. Je m'inspire des grands maîtres italiens, mais je les réinterprète avec une ironie qui reflète le présent. » Ses figures, souvent grotesques mais réalisées avec une technique picturale surprenante, sont animées par un désir de provoquer, suscitant souvent des réflexions profondes sur des thèmes importants, voire dramatiques, mais avec un sourire.

Sole Produttore

Sérigraphie sur plaque de métal. Signée en bas à droite, titrée en bas. Édition 446/500. Le soleil est un thème cher à Giò Pomodoro depuis les années 1950, un thème qu'il n'a jamais abandonné, le développant particulièrement à partir de la seconde moitié des années 1970 jusqu'à quelques années avant sa mort, en 2000, date à laquelle il a fait don d'un soleil monumental en marbre blanc à la ville de Gênes, situé à l'entrée du port, sur le Ponte dei Mille. Le Soleil Créateur est une représentation métaphorique de l'exploitation équitable par la société de la puissance génératrice du soleil. Passionné d'astronomie, de géométrie et de poésie, Giò Pomodoro a toujours été fasciné par le potentiel vital et symbolique de l'image de l'astre. Dans ces œuvres, l'artiste le représente par une forme circulaire stylisée, brisée pour accentuer le potentiel des formes géométriques élémentaires (le cercle, le carré, le triangle) à s'ouvrir à différentes tensions dynamiques. Autour de ces formes de base, Pomodoro insère ensuite des écrits composés de mots qui font référence à des concepts référentiels, tels que réel, possible, collectif — dans ce cas : « Il bouge, tourne, construit une récolte commune » — combinés à d'autres formes inscrites qui indiquent des structures physiques, telles que la charnière, la roue et la graine.

Technique mixte sur papier. Initiales AS en bas à droite. Un bouquet de roses se détache sur un fond bleu. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain noirci, orné de sculptures dorées.

Huile sur toile. Signée et située dans la marge inférieure gauche : « Roma, Enrico Scifoni ». Le nom du modèle est cité en bas à gauche : « Signorina Maria Ciaffi ». Scifoni était une artiste romaine très active comme portraitiste entre 1870 et 1914. La jeune femme représentée porte une robe et une coiffure rappelant les modes de l'Empire. Le tableau est présenté dans un cadre doré du XIXe siècle, nécessitant une restauration.

Saint Bernard de Clairvaux

La sculpture décrite ici, taillée dans un bloc de pin cembro au début du XVIIe siècle, représente saint Bernard de Clairvaux. La composition rappelle une gravure du début du XVIe siècle de Marcantonio Raimondi, qui représentait le saint en habit monastique, tenant une crosse, une Bible à la main et un démon enchaîné à ses pieds. La sculpture était destinée à une niche et son dos était donc inachevé. Le saint, debout, est représenté en léger mouvement, tenant une Bible ouverte de la main droite et, de l'autre, le début de la chaîne qui retient le démon à ses pieds. Malheureusement, la partie centrale de la chaîne est manquante, mais elle est complétée par un collier ; le démon est maîtrisé par le saint, qui y pose son pied. Malgré quelques manques de couleurs et de dorure et des traces de suie, on peut constater que le teint du saint est rosé, tandis que celui du démon est rougeâtre, presque brun, en raison de son exposition aux flammes du monde infernal. Remarquez la splendide robe du saint, qui, bien que représentant un habit monastique, est laquée de tons rouges avec des broderies dorées à l'intérieur et dorées avec des broderies bleutées à l'extérieur. La robe n'est plus celle de l'humble ermite, mais celle du saint dans sa gloire céleste, baigné de lumière, contrastant davantage avec la figure du diable.

Ornements et vases anciens

Gravures coloriées à la main. Réalisées par Michelangelo Pergolesi entre 1777 et 1778, les décorations coloriées sont une œuvre posthume du XIXe siècle. Pergolesi a conçu et réalisé des meubles, des cheminées, des plafonds, des lustres, des portes et des ornements muraux de style néoclassique, travaillant principalement en Angleterre. Les dessins préparatoires de ces gravures sont numérotés et appartiennent probablement aux « Disegni per Vari Ornamenti per 70 Piatti » (Dessins pour divers ornements pour 70 planches), publiés entre 1777 et 1801. Les deux gravures sont présentées sous cadre apparent.

Paysage de Rivière avec Figures

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Ce sujet s'inscrit dans l'œuvre profondément naturaliste du peintre. Originaire de Modène, il a grandi artistiquement à Milan et dans ses environs, lieux qui ont souvent été le sujet de ses paysages. Ce paysage évoque également la plaine de Lombardie. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Dans cette œuvre, la Sainte Famille s'adresse à un jeune frère en habit franciscain, probablement en référence au commanditaire : les mains tendues de l'Enfant se tendent pour l'embrasser, sous le regard protecteur de Marie et Joseph. Précédemment restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre ancien du XVIIIe siècle, redoré.