Pintura de Malangatana - La última cena 1962

Sin Título

Óleo sobre linóleo, con aplicaciones de poliestireno recubiertas con papel de aluminio. Firmado al dorso. Acompañado de autenticación del Archivo Aldo Mondino. El ecléctico artista turinés Aldo Mondino ha articulado su investigación artística a través de continuas metamorfosis que han hecho polimórfica su producción: un intento incesante de encontrar una respuesta personal a las transformaciones que se estaban produciendo en los años setenta, intentando hacer convivir la historia del arte con las imágenes. de consumo masivo, fantasías personales, religión, clasicismo, misticismo, viajes a Oriente, amigos y kitsch. Su obstinada necesidad de experimentar con materiales - como café, dulces, azúcar, chocolate derretido de su amado Piamonte, malvaviscos importados de América, bronce, flores, Bic estrictamente azul, cerámica y alfombras de Heráclito - demuestra su capacidad para acercar el arte, la artesanía, la vida común, la naturaleza y la religión en el diálogo. Todo ello aderezado con el uso de la ironía, para desenmascarar los convencionalismos con gracia. En los años 80, Aldo Mondino emprendió un viaje entre Marruecos y Palestina que le dejó una verdadera huella, hasta el punto de generar la serie de obras de los derviches, sujetos danzantes pintados sobre linóleo, que practican la danza ritual característica de la tradición turca. realizando movimientos fluidos y circulares. La obra se presenta en un marco.

Creamos Sistemas Atípicos 1963/74

Serigrafías y fotografías. La obra consta de tres serigrafías (en una caja de cartón) con el texto en inglés (título original «We have created atypical systems») y seis fotografías del artista enmarcadas individualmente. En el reverso de las tres serigrafías en inglés, numeradas en progresión, figuran el número de edición 13/15, la fecha de 1974 y la firma del artista; acompañan también tres serigrafías sin firmar con el texto en italiano. Cioni Carpi, artista milanés, comprometido con el arte conceptual y minimalista, realizó obras en las que la imaginación, la sensibilidad y el don expresivo eran fundamentales. Su creatividad se expresó también en la fotografía, las instalaciones, el vídeo, el dibujo, la escritura, los libros de artista y la pintura. Las dimensiones indicadas son las de un solo cuadro.

Vistazo de Mandello Lario 1909

Óleo sobre lienzo. Firma y ubicación (Mandello) abajo a la izquierda. En el reverso, firma, fecha y título completos. Riccardo Pellegrini, pintor milanés, fue alumno de Domenico Morelli y se formó en el clima del Romanticismo. Fue paisajista y pintor de género, pero también realizó valiosas naturalezas muertas, de colores vivos y dibujo preciso y realista. Su producción paisajística se inspiró en los diversos lugares que visitó y vivió, en Italia y en el extranjero, especialmente en España y Francia. En este paisaje, Pellegrini representa una vista de la montaña que domina la ciudad a orillas del lago de Como: una montaña yerma y desnuda, aunque habitada, con una cabaña en la cima y una figura femenina llenando cubos en la corriente de agua que fluye entre las rocas; los colores son los de la niebla invernal, divididos casi transversalmente entre el gris azulado de la mitad superior, con nubes cargadas de lluvia que dominan las cumbres del otro lado del lago (que se vislumbran, sin verse), y el verde pardo de la tierra que ocupa la mitad inferior, con ramas de árboles desnudos que se extienden para unir las dos mitades. La quietud de las montañas, título de la obra, bien transpira e impregna el alma del observador. El cuadro se presenta en un marco coetáneo.

Escena Interior

Óleo sobre lienzo. Sin firmar, pero al dorso hay una dedicatoria «A la signora Clelia Mazzioli, con estima Gaetano Bellei 23 de enero de 1909». La gran escena, ambientada en una cocina popular, muestra a una mujer leyendo cartas a dos niñas, que piden explicaciones señalando las figuras que aparecen y parecen compararlas con un texto que reposa sobre una silla. La obra recuerda la pintura de Gaetano Bellei, debido al fuerte realismo con el que el pintor pintó principalmente escenas de la vida cotidiana campesina. Se le considera un maestro de la representación de los afectos humanos y de las reacciones y sentimientos humanos. El cuadro presenta ligeros desvanecimientos de color. Se presenta en un elegante marco.

Palomas 1976

Lápices sobre papel. Firmado y fechado abajo a la izquierda. Floriano Bodini, reconocido escultor, grabador y medallista, considerado una de las figuras más representativas del realismo existencial, también se ha dedicado al arte gráfico a lo largo de su carrera. Su producción presenta temas recurrentes —obispos, cardenales, réquiems, papas, palomas, ambón— que expresan reflexión, inquietud, a veces ansiedad, pero también confianza y fe. La paloma, en particular, ha representado para Bodini un elemento iconográfico constante en su investigación artística, un tema que ha estado presente con asiduidad en toda su producción, no solo gráfica, desde finales de los años sesenta, hasta el último ejemplar fechado en 2004, considerado emblemáticamente su último grabado. El interés por esta imagen se confirma, entre otras cosas, por su colección de objetos que representan palomas o cuya forma evocan. Fruto de una investigación rica en estímulos de diversas fuentes, tanto cultas como populares, la elección de esta imagen nunca se ha trivializado, sino que siempre ha mantenido su alta dignidad simbólica y formal. El trabajo que aquí se propone se presenta en un marco.

Pintura en Relieve '58-'68

Técnica mixta sobre lienzo, con aplicaciones de materiales. De 1958 a 1968, ORAZI, que ya había pasado de la fase figurativa a la abstracta, se dedicó a crear composiciones en relieve: recogía y utilizaba distintos tipos de materiales y fibras, especialmente materiales y fibras naturales como diminutos granos de arena, semillas, filamentos de plantas y fragmentos de corteza, con los que creaba formas en relieve que emergían de la superficie del lienzo. En esta experiencia artística, denominada Peinture en Relief, subyace la exploración de la naturaleza, sus componentes y fenómenos (flores, plantas, arenas, rocas, lavas volcánicas, costas y fondos marinos, erupciones, tormentas, meteoritos petrificados). Las obras de este periodo se caracterizaban inicialmente por un relieve todavía bastante bajo; pero más tarde el relieve se hizo cada vez más pronunciado, a menudo incluso sobresaliendo del perímetro del soporte, hasta el punto de parecer casi estatuas más que pinturas. La obra se presenta enmarcada. Procede de la colección familiar del artista.

Pintura en Relieve '58-'68

Técnica mixta sobre lienzo, con aplicaciones de material y planchas. En el reverso figura una etiqueta de un servicio parisino de transporte de obras de arte, con el nombre del artista: las obras de ORAZI participaron en numerosas exposiciones individuales y colectivas en la capital francesa. De 1958 a 1968, ORAZI, que ya había pasado de la fase figurativa a la abstracta, se dedicó a las composiciones en relieve: recogía y utilizaba distintos tipos de materiales y fibras, sobre todo naturales, como diminutos granos de arena, semillas, filamentos vegetales y fragmentos de corteza, con los que creaba formas en relieve que emergían de la superficie del lienzo. En esta experiencia artística, denominada Peinture en Relief, subyace la exploración de la naturaleza, sus componentes y fenómenos (flores, plantas, arenas, rocas, lavas volcánicas, costas y fondos marinos, erupciones, tormentas, meteoritos petrificados). Las obras de este periodo se caracterizaban inicialmente por un relieve todavía bastante bajo; pero más tarde el relieve se hizo cada vez más pronunciado, a menudo incluso sobresaliendo del perímetro del soporte, hasta el punto de parecer casi estatuas más que pinturas. En estas obras suele haber una referencia a la actividad volcánica y a la materia que produce, a veces expresada en títulos como «Flujo de lava», «Arenas volcánicas», «Playas volcánicas». La obra se presenta enmarcada. Procede de la colección familiar del artista.

Pintura en Relieve '58-'68

Técnica mixta sobre lienzo, con aplicaciones de textura. Firmado abajo a la derecha. De 1958 a 1968, ORAZI, que ya había pasado de la fase figurativa a la abstracta, se dedicó a crear composiciones en relieve: recogía y utilizaba distintos tipos de materiales y fibras, especialmente materiales y fibras naturales como diminutos granos de arena, semillas, filamentos de plantas y fragmentos de corteza, con los que creaba formas en relieve que emergían de la superficie del lienzo. En esta experiencia artística, denominada Peinture en Relief, subyace la exploración de la naturaleza, sus componentes y fenómenos (flores, plantas, arenas, rocas, lavas volcánicas, costas y fondos marinos, erupciones, tormentas, meteoritos petrificados). Las obras de este periodo se caracterizaban inicialmente por un relieve todavía bastante bajo; pero más tarde el relieve se hizo cada vez más pronunciado, a menudo incluso sobresaliendo del perímetro del soporte, hasta el punto de parecer casi estatuas más que pinturas. La obra se presenta enmarcada. Procede de la colección familiar del artista.

Figuras de amantes 1975 ca.

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. El cuadro pertenece a la producción de ORAZI de los años 70. En esta fase el artista abandona por completo la pintura abstracta y en relieve y vuelve a la pintura figurativa, realizada pero con líneas simplificadas y distorsionadas. Creó en particular la serie llamada Líneas circulares y aquella a la que pertenece esta obra, las pinturas llamadas Têtes-Paysage, en las que creó composiciones que representan misteriosas cabezas humanas o de faunos y figuras mitológicas (a veces acompañadas de sus compañeros insectos), a menudo parejas de amantes besándose: las líneas, en estas pinturas, se entrelazan para formar simultáneamente composiciones, entrelazando cuerpos, a menudo en pose erótica. La obra proviene de la colección privada de la familia del artista.

Jehová Ordena que su mano dé poder a una familia cósmica, 1970

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. En la fase de pintura abstracta de ORAZI se manifiesta a menudo su fuerte inclinación a crear formas circulares, a menudo anudadas o concéntricas. Esta tendencia se convierte en central en su propia fase pictórica de los años 1970-1977, conocida como Ligne Circulaire, en la que abandona las creaciones en relieve y la referencia a las formas y acontecimientos impresionantes de la naturaleza, para representar en su lugar la dimensión armoniosa del universo, el nacimiento y el movimiento de los planetas, la inmensidad del firmamento. Los colores se suavizan, son ricos y a la vez tiernos. En algunos cuadros, ORAZI también plasma fascinantes representaciones de la Madre Tierra que abraza a sus criaturas (insectos, pájaros, flores) o de la Luna. O como en esta obra, expresa una referencia directa en el título a la creación divina, representando a «Dios ordenando la familia cósmica con su poderosa mano». La obra procede de la colección familiar del artista. Se presenta enmarcada.