GEMÄLDE ONLINE | GALERIE FÜR ALTE UND ZEITGENÖSSISCHE KUNST - Seite 3

Heiliger Sebastian

Eine Vollskulptur aus dem späten 17. Jahrhundert zeigt den Heiligen Sebastian, an einen Baum gefesselt und durchbohrt. Der Heilige, mit einem kurzen Gewand um die Hüften dargestellt, ist an den Stamm und einen Ast gefesselt, mit erhobenem Arm blickt er den Betrachter an, der ihn metaphorisch mit Pfeilen durchbohrt. Die Skulptur ist vollplastisch gegossen und polychrom bemalt, wobei gemalte Teile restauriert wurden. Beachten Sie die Restaurierung eines Teils des linken Fußes und das Fehlen von Pfeilen.

Seelandschaft mit Figuren

Aquarell auf Karton. Unten rechts signiert. Paolo Sala, geboren und ausgebildet in Mailand, galt als einer der bedeutendsten Landschaftsmaler seiner Zeit und als Maler von Ansichten der zahlreichen italienischen und ausländischen Städte, in denen er arbeitete. Er bevorzugte Aquarelle, malte aber auch viel in Öl. Er verwendet schnelle, breite, sich überlappende Pinselstriche im impressionistischen Stil und spielt mit Farbe und Licht, um stimmungsvolle Atmosphären zu schaffen, wie in dieser maritimen Ansicht von Figuren an einem Strand, die damit beschäftigt sind, Sand zu sieben. Das Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Teil einer Erziehung der Jungfrau Maria

Diese Skulptur stellt einen Teil der Darstellung der Erziehungsszene der Jungfrau Maria dar, die traditionell die Heilige Anna mit einem Buch auf dem Schoß sitzend zeigt, während die junge Maria neben ihr steht und konzentriert lernt. In diesem Fall stellt die Statue die junge Jungfrau dar; der Rest der Komposition fehlt. Die junge Frau ist mit einer erhobenen Hand und der anderen an ihrer Brust dargestellt, als wolle sie den Segen und die göttliche Mutterschaft ankündigen, die ihr Leben prägen wird. Sie trägt ein langes rotes Kleid, das von einem blauen Umhang bedeckt wird.

Öl auf Leinwand. Ländliche Landschaft mit einem kleinen Bach, in dessen Nähe eine Gruppe ländlicher Gebäude steht; mehrere Figuren auf dem Weg. Das Werk weist Spuren früherer Restaurierungen und Neuauflagen auf. Schmutzflecken. Es wird in einem zeitgenössischen antiken Rahmen präsentiert.

Christus der Arbeiter, ca. 1950

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert: F. Venzo SJ (Societas Jesu, das Motto der Jesuiten). Dies ist ein Werk des Jesuitenmönchs Mario Venzo, eines venezianischen Malers, der sich nach seiner unkonventionellen Jugend in Paris 1940 dem Klosterleben widmete, während er weiterhin malte. Dieses Werk zeigt im Vordergrund einen jungen Arbeiter in einer modernen Handwerkswerkstatt, sein Kopf ist von Licht umgeben: Dies ist wahrscheinlich eine moderne Projektion des jungen Jesus bei der Arbeit in der Werkstatt seines Vaters. Der Stil des Werks geht auf Venzos malerische Periode vor 1953 zurück, dem Jahr danach, in dem sein Werk mit hellen, lebendigen Farben und einer stärker stilisierten Figur lebendiger wurde, sich aber immer noch häufig auf sakrale Themen konzentriert. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Ländliche Landschaft mit einem kleinen Bach, den Boote durchqueren, flankiert von kleinen Ansammlungen ländlicher Häuser. Im Vordergrund spazieren eine Frau und ihr Kind den Weg entlang. Das Werk weist Spuren früherer Restaurierungen und Neufütterungen auf. Schmutzflecken. Es wird in einem zeitgenössischen antiken Rahmen präsentiert.

Ernteszene 1959

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert und datiert. Der Brescianer Künstler Eliodoro Coccoli war „nicht von Beruf Staffeleimaler“, sondern etablierte sich vor allem als Innen- und Außendekorateur und schuf weltliche Fresken für verschiedene lombardische Villen und sakrale Motive für zahlreiche Kirchen. Seine Leinwände sind sehr selten und stammen meist aus der Zeit vor 1922, dem Jahr, in dem sich seine dekorative Produktion stark ausweitete. Es sind jedoch zahlreiche Skizzen und mehrere vorbereitende Leinwände für Fresken erhalten. Auch diese Weinleseszene könnte zu dieser Art von Werk gehören, obwohl sie in ihren Details definiert und detailliert ist. Coccolis Stil lässt sich keiner bestimmten Strömung zuordnen; er gilt vielmehr als Experte des Eklektizismus: Er wählt das figurative Repertoire, das den Bedürfnissen des Auftraggebers am besten entspricht, und passt seinen Stil dem Motiv und den architektonischen Gegebenheiten des Ortes an. Darüber hinaus zeugt es von einer raffinierten, manchmal virtuosen technischen Expertise. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Porträt einer Dame mit Hund 1934

Öl auf Leinwand. Unten links signiert und datiert. Ein Werk des ungarischen Malers Géza Kövesdy, der vor allem Frauenporträts und Landschaften malte, die manchmal durch naive Figuren belebt wurden. Die weibliche Figur mit einem kleinen Hund ist ein wiederkehrendes Thema, fast ein Symbol für den sozialen Status dieser wohlhabenden bürgerlichen Damen. Der Bildstil ist in den Nuancen und im Lichtspiel vom Impressionismus beeinflusst. Das Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Unbekannte Signatur unten rechts. Eine elegante und raffinierte Komposition aus Rosen in zarten Rosa- und Weißtönen, arrangiert in einer vergoldeten Metallschale, die auf einem kleinen Tisch steht, zusammen mit mehreren Granatäpfeln, einem Symbol für Fruchtbarkeit und Wohlstand, einem geprägten Silberteller und einer Schatulle mit einer Perlenkette. Der Hintergrund in einem einheitlichen, erdigen Farbton unterstreicht die Lichteffekte der Blumen und Objekte.

Maurizio Arena..." 1991

Aquarell und Marker auf Papier. Unten rechts signiert, mit der Selbstbeschreibung „fast blind“; Titel oben. Dem Werk liegt eine Foto-Authentizität der Luciano Minguzzi Museum Foundation bei. Minguzzi war Bildhauer, Graveur und Medailleur und schuf auch zahlreiche Zeichnungen, oft Skizzen für Skulpturen. Die Zeichnung wird in einem Rahmen präsentiert.

Pastell auf Papier. Genueser Schule, 17. Jahrhundert. Die Zeichnung, die früher Luca Cambiaso (1527–1585) zugeschrieben wurde, gilt heute als etwas jünger. Sie zeigt zwei Putten, die Früchte von einem Baum pflücken – eine Allegorie des Lebens. Sie ist in einem zeitgenössischen Rahmen gefasst.

Öl auf Leinwand. Mittelitalienische Schule, 17.-18. Jahrhundert. In einer Landschaft mit kargen, felsigen Hängen ist im Vordergrund eine Herde Ochsen und Ziegen dargestellt, die von zwei Hirten auf Eseln gehütet wird. Das Werk wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert. Der Rahmen wurde zuvor unterfüttert und weist einige geringfügige Farbverluste auf.

Stier

Aquarell und Kohle auf Papier. Rechts unten signiert. Dem Werk liegt ein Fotozertifikat der Luciano Minguzzi Museum Foundation bei. Minguzzi war Bildhauer, Graveur und Medailleur und schuf auch zahlreiche Zeichnungen, oft Skizzen für Skulpturen. Die Zeichnung wird in einem Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert und datiert. Die halbmondförmige Leinwand, die ursprünglich als Türpaneel gedacht war, zeigt eine angenehme, aber dennoch melancholische Komposition aus losen Rosen, die auf einer erhabenen, bemalten Oberfläche angeordnet sind. Das Werk wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Rinderwahnsinn

Tusche auf Papier. Unten signiert, oben betitelt. Dem Werk liegt ein Fotozertifikat der Galleria Pace in Mailand bei. Minguzzi war Bildhauer, Graveur und Medailleur und schuf auch zahlreiche Zeichnungen, oft Skizzen für Skulpturen. Die Zeichnung wird in einem Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Signaturspur am unteren Rand. In romantischem Stil zeigt das Gemälde ein kleines Mädchen, das sich zärtlich an seinen großen Hund lehnt und mit ihm einen zärtlichen Blick austauscht. Im Hintergrund ist ein Garten zu sehen, dessen Himmel im Licht des fernen Sonnenuntergangs versinkt. Das Gemälde weist Spuren früherer Restaurierungen und Neufütterungen auf. Es wird in einem vergoldeten Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Farblithografien. Der Maler und Illustrator Marcus C. Stone machte sich mit seinen gefühlvollen Porträts und literarischen Szenen einen Namen. Diese beiden Lithografien zeigen Szenen in den Gärten eleganter Villen: Die eine zeigt zwei Paare in romantischem Gespräch, die andere bei einer Teezeremonie. Die beiden Drucke werden in eleganten, zeitgenössischen Rahmen aus vergoldetem Holz und Stoff präsentiert.

Tempera auf Markpapier. Chinesisch, Kanton, Qing-Dynastie, ca. 1860. Eine Sammlung von 28 Gemälden, die chinesische Höflinge, Gelehrte und Kaufleute darstellen. Ursprünglich in einem Album aufbewahrt, werden sie hier in einem wunderschönen Rahmen präsentiert, der mit floralen Stoffstickereien verziert ist. Markpapier ist ein dünnes, durchscheinendes Material, das aus dem Mark des in China und Taiwan heimischen Tetrapanax papyrifer-Baums oder „Markpflanze“ gewonnen wird. Markpapier hielt Einzug in die Malerei, um der wachsenden Nachfrage nach kleinen, preiswerten und leicht transportierbaren Souvenirs nachzukommen, die auf den massiven Anstieg des Handels mit China im ersten Viertel des 19. Jahrhunderts folgte. Da viele in Alben verkauft und so vor Licht geschützt wurden, behalten sie auch heute noch ihre leuchtenden Farben.

Skizzen für Aida

Mischtechnik auf Papier. Sieben signierte und datierte Skizzen, oben eine Reproduktion der Künstlersignatur. Es handelt sich um Werke des bedeutenden italienischen Malers Remo Brindisi, dessen Malerei, die in seinen frühen Werken auf einem beschreibenden und realistischen Ansatz basierte, in seinen späteren Werken expressionistische Nuancen hinzufügte und so seine eigene neofigurative Sprache hervorbrachte. Sein Werk ist stets von sozialen und politischen Absichten durchdrungen. Brindisi arbeitete auch als Bildhauer, Illustrator, Schriftsteller, Bühnenbildner und Kulturkurator. Aus einer Mailänder Privatsammlung. Besonders hervorzuheben ist seine Mitarbeit an den grandiosen Bühnenbildern und Kostümen für die Aida-Inszenierung 1974 in der Arena von Verona. Eine Serie von sieben signierten und datierten Skizzen aus diesem Werk wird hier präsentiert. Gerahmt

Öl auf Holzplatte. Das Gemälde folgt toskanischen Vorbildern des frühen 16. Jahrhunderts (z. B. dem Malstil Domenico Puligos), ist jedoch etwas später und von einer schwächeren Hand geschaffen, typisch für die „periphere“ Kunst. Das absolut traditionelle Motiv zeigt die Madonna, die das Jesuskind stillt, eingerahmt von einem Vorhang; das Kind, das an der Brust seiner Mutter saugt, blickt dem Betrachter entgegen, während die Mutter ihren Sohn zärtlich ansieht. Auf der Rückseite des Gemäldes befindet sich das Monogramm CP, vermutlich ein Hinweis auf den Künstler. Das Gemälde weist mehrere kleine Farbverluste auf.

Landschaft mit Herde und Hirten

Öl auf Leinwand. Unten links signiert. Dies ist wahrscheinlich Achille Doveras größtes Werk, vermutlich für einen bedeutenden Mäzen bestimmt. Eine kleine vorbereitende Skizze auf Holz, die dieselbe Szene darstellt, wurde auf dem Markt verkauft. In der Mitte des Vordergrunds zeigt das Werk eine große Schafherde, die in Begleitung mehrerer Hirten einen Pfad entlangzieht. Die Tiere tauchen, in eine große Staubwolke gehüllt, aus einem Durchgang durch üppige Vegetation in einer flachen Landschaft mit Berggipfeln im Hintergrund auf. Der Mailänder Maler Achille Dovera gilt als führender Vertreter der Naturalisten- und Genremalerei des 19. Jahrhunderts. Als Landschaftsmaler hält Dovera formal eine Verbindung zur phänomenalen Realität aufrecht, die er mit Präzision wiedergibt, obwohl Farbe und Licht eine grundlegende Rolle spielen; seine schnellen, bewegten Pinselstriche verleihen der Szene Frische und Unmittelbarkeit, ohne die Formen zu stören. Dieses große Gemälde wird in einem schönen, zeitgenössischen vergoldeten Holzrahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Norditalienische Schule, frühes 18. Jahrhundert. Eine felsige Hügellandschaft zeigt ein Dorf mit turmbewehrten Gebäuden, das sich nahe der Küste erhebt, die im Hintergrund rechts zu sehen ist. Im Vordergrund, entlang einer kleinen Küstenbucht, herrscht geschäftiges Leben mit zahlreichen Figuren, die verschiedenen Tätigkeiten nachgehen. Das Gemälde weist Spuren früherer Restaurierungen und Neufütterungen auf; der Riss ist deutlich erkennbar, die Farbe ist jedoch noch intakt. Das Gemälde wird in einem antiken Rahmen mit geringfügigen Verlusten präsentiert.

Öl auf Kastanienholz. Mitteleuropäische Schule, 16. Jahrhundert. Die traditionelle Szene zeigt das Jesuskind in den Armen seiner Mutter, mit der es einen zärtlichen Blick austauscht, während es sich bereit macht, Katharina von Alexandrien den Ehering an den Finger zu stecken, als Symbol für die mystische Ehe, die die junge Heilige mit dem göttlichen Kind eingehen wollte. Die Heilige ist, ihrer üblichen Ikonographie entsprechend, mit einer Krone sowie königlichen Gewändern und Juwelen dargestellt, um ihre fürstliche Herkunft zu betonen. Das Gemälde ist vermutlich das Werk eines flämischen Künstlers, der sich von italienischen Vorbildern des 15. und 16. Jahrhunderts inspirieren ließ. Das Gemälde weist Spuren früherer Restaurierungen auf.

Multiplo in Feltro 1974

Collage aus Filzfragmenten auf Holz. Rückseitig signiert und datiert, mit der Seriennummer 28/75. Dorazio malt abstrakt-geometrische Gemälde und entwickelt im Laufe der Jahre verschiedene Formen: Nach anfänglich monochromen Werken führte er Anfang der 1960er Jahre Farbe ein und schuf geometrische Kompositionen auf großen, frei geformten Mustern mit Schichten flächiger Farben. Ab der zweiten Hälfte der 1960er Jahre arbeitete er an dynamischen, formalen Situationen, die in horizontale Raster eingefasst sind; ab den 1970er Jahren verdichtete er die Textur mit minimalen, immer noch horizontalen Farb- und Linienlinien unter Verwendung verschiedener Materialien. Gerahmt.