Ölgemälde auf Leinwand. Norditalienische Schule des siebzehnten Jahrhunderts. Die beiden Protagonisten, die kniende Maria und der Erzengel Gabriel, füllen die Szene, deren Hintergrund im göttlichen Licht, das der vom Himmel herabsteigende Heilige Geist ausstrahlt, nur noch verschwommen ist. Die einzigen Einrichtungselemente sind das Nähkörbchen und die Kugel auf dem Boden, die die Menschlichkeit Marias zurückbringt, während der Engel die Lilie, Symbol der Reinheit, in der Hand hält. Restauriert und unterfüttert, das Gemälde hat einige kleine Farbtropfen und deutliche Risse. Es präsentiert sich in einem vergoldeten Rahmen vom Ende des 19. Jahrhunderts.

Mischtechnik auf Leinwand. Rechts unten signiert. Die Malerei von Kodra, einem in Italien künstlerisch ausgebildeten und im Mailänder Kontext tätigen albanischen Maler, besteht aus einer persönlichen Interpretation fantastischer Art des Kubismus, mit der Besonderheit, dass die für den analytischen Kubismus typischen Zerlegungen nach einem Ansatz von vorgeschlagen werden sein eigenes mehr als synthetischer Kubismus. Die hier dargestellte Seelandschaft mit Segelbooten, die in Küstennähe segeln, ist Teil einer späteren Inszenierung, in der oft die Heimat beschworen wird.

Öl auf Leinwand. Unidentifizierte Signatur unten rechts (Solini?). Der Mann wird mit Kopfschmuck und Hauskleidung dargestellt, während er in seinen Händen einen Gegenstand hält, der eine Schnupftabakdose sein könnte, um die Dimension der häuslichen Ruhe zu unterstreichen. Das Gemälde wird in einem Rahmen aus den frühen 1900er Jahren präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Unten rechts stehen die Initialen SM und das Datum '51. Vielleicht von der französischen Schule, ist das Gemälde wahrscheinlich Teil einer Reihe von Porträts populärer Persönlichkeiten, die in spärlichen und menschenleeren Landschaften platziert sind, mit chromatischen Konnotationen eines romantischen Geschmacks. In diesem streckt ein in eine zerrissene Decke gehüllter Bettler seine Hand über den Weg. Präsentiert in einem stilvollen Rahmen. Oben kleine Farbtropfen.

Ölgemälde auf Leinwand. Unten rechts stehen die Initialen SM und das Datum '51. Vielleicht von der französischen Schule, ist das Gemälde wahrscheinlich Teil einer Reihe von Porträts populärer Persönlichkeiten, die in spärlichen und menschenleeren Landschaften platziert sind, mit chromatischen Konnotationen eines romantischen Geschmacks. Darin zählt eine Wanderin, eine ältere Frau aus dem einfachen Volk, auf einen Stock gestützt, die Münzen, die sie in die Hand bekommen hat ... oder vielleicht die, die sie spenden möchte? Das Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert und weist einige kleine Farbtropfen und ein kleines Loch in der Mitte auf.

Opfer an Venus

Aquarell auf Papier. Unten links der Name Giuseppe Cades. Obwohl auf der Rückseite neben der Zuschreibung der Titel " Der Eid der Vestalin" vorgeschlagen wird, schlägt die Szene eher ein Mädchen vor, das der Statue der Göttin Blumengirlanden darbringt Venus, tradiotionell diskret dargestellt, die mit einer Hand den Schleier hält, um die Lenden zu bedecken, während die andere geht, um die Brust und den Kopf mit den gerafften und mit Blumen geschmückten Haaren zu bedecken. Hinter dem Mädchen beobachtet ein junger Mann die Szene, während ein dritter hinter der Säule des Tempels hervorpäht: Daher scheint es eine Szene des Flehens an die Göttin zu sein, die sie bittet, die Liebe der beiden jungen Männer zu begünstigen: nach beiden Griechen und römischer Tradition widmeten sich die Jungen Frauen vor der Hochzeit dieser Göttin, die als Beschützerin der Ehe und der ehelichen Treue galt. Das Werk scheint dem Schaffen von Giuseppe Cades nahe zu stehen, der in den Jahren 1780-1790 zu einer der bekanntesten und geschätztesten Persönlichkeiten der römischen Kunstwelt wurde und auch Zeichner und Kupferstecher war. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.

Blick auf Wien vom Belvedere

Mischtechnik (Acryl und Öl) auf Leinwand. Produktion in den 60er und 70er Jahren. Es ist eine Kopie einer der vielen Wienansichten, die Bernardo Bellotto, besser bekannt als Canaletto, zwischen 1758 und 1761 malte und im Kunsthistorischen Museum in Wien aufbewahrt. Die große Ansicht, belebt durch zahlreiche Figuren im typischen Stil der venezianischen Malerei des 18. Jahrhunderts und insbesondere von Canaletto, wird vom Oberen Belvedere des gleichnamigen Schlosses, der Sommerresidenz von Prinz Eugen von Savoyen, bebaut ein Hügel südlich des Stadtzentrums. In der Ansicht erscheint im Hintergrund hinter den Gärten eine Reihe großer barocker Gebäude, insbesondere von links nach rechts: Auf der geraden Linken mit ihrer monumentalen Kuppel befindet sich die Karlskirche (Kirche San Carlo Borromeo), das Schloss Schwarzenberg mit seinen übertriebenen Proportionen, die Orangerie und das Untere Belvedere des Schlosses. Schließlich befindet sich auf der rechten Seite das Salesianerkloster. Dahinter, noch weiter im Hintergrund, sieht man die Innenstadt mit ihren Befestigungsanlagen und den Türmen des Stephansdoms. Das Gemälde wird in einem Rahmen aus der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts präsentiert. .

Architektur Capriccio mit Figuren

Tinte auf Papier. Venezianische Schule der zweiten Hälfte des XVIII Jhds. Es handelt um eine Skizze mit einem Blick aud den Dogenpalast in Venedig, gesehen von den Bögen eines gegenüberliegenden Gebäudes, und mit Skizzen von Figuren. Die Zeichnung stammt aus einer bedeutenden italienischen Privatsammlung. Gerahmt.

Vier Frauen 1986

Radierung und Aquatinta auf Papier. Unten rechts mit Bleistift signiert; Seriennummer 54/95 unten links. Das 1986 entstandene Werk schlägt eines der am häufigsten wiederkehrenden Themen in der Produktion von Renato Guttuso vor, die Frau, die er immer auf leidenschaftliche Weise im Ton vorschlägt, prägnant und im Zeichen markiert, um den Blick in einer Erotik einzufangen und sinnliche Betonung. Inspirierende Muse und unbestrittene Protagonistin vieler Werke der Künstlerin aus Bagheria war Marta Marzotto, deren Züge sich auch in diesem Werk wiederfinden. Sie sind vier Frauen und doch ist sie nur eine; sie sind nahe beieinander, berühren sich fast, und doch ignoriert jeder die Anwesenheit des anderen. Es gibt in Guttuso keine narrative Absicht, sondern die Frauen jagen sich auf der Oberfläche des Blattes wie in einem Studienbuch, Notizen für die großen Kompositionen, an denen die Künstlerin arbeitet. Wie es für die Studien charakteristisch ist, interessiert sich Guttuso hier daher dafür, die Entfaltung der Zeichen zu verfolgen, bis sie in einer Synthese neu zusammengesetzt werden, die sie in ein vollständiges Bild verwandelt. Die Radierung zeichnet zart Konturen und innere Linien nach, die ein paar Aquatintastriche kaum färben; oder spielen Sie frei auf den komplizierten Haarmassen, die seit jeher ein typisches und exklusives grafisches Element für Guttuso sind. Die Lithographie ist auf eine Tafel mit sichtbarem Rahmen montiert.

Öl auf Sperrholz. Unten rechts unverschlüsselte Signatur. Ein reicher Strauß rosa und weißer Rosen füllt eine gemusterte, farbenfrohe Keramikvase, die sich vom braunen Hintergrund abhebt. Das Gemälde wird in einem imposanten zeitgenössischen Guilloché-Rahmen präsentiert.

Hügelige Landschaft mit Häuschen

Öl auf Leinwand. Rechts unten signiert. Ein Blick auf sanfte Hügel, die von der Brillanz der grünen Farbe in einer breiten Palette von Schattierungen geprägt sind, die durch weiche Kanten verstärkt werden, überragt vom blauen Himmel und nur unterbrochen von einem Häuschen, das auch die gleichen Farben der Erde und der Landschaft enthält. Es ist das Werk des jungen Mailänder Künstlers Amerigo Canegrati, der in den 30er Jahren großen Ruhm erlangte und zu den Vertretern der lombardischen Bildströmungen des italienischen 20. Jahrhunderts zählt; Seine Malerei drückt tiefe koloristische Qualitäten sowohl in Landschaftsbildern als auch in Kompositionen und Figuren aus. Die Arbeit wird in einem Stilrahmen präsentiert.

Blick auf Mandello Lario 1909

Öl auf Leinwand. Signatur und Ort (Mandello) unten links. Auf der Rückseite zusätzliche Signatur, Datum und vollständiger Titel. Riccardo Pellegrini, ein Mailänder Maler, war ein Schüler von Domenico Morelli und wurde im Klima der Romantik erzogen. Er war Landschaftsmaler und Genremaler, schuf aber auch wertvolle Stillleben, mit leuchtenden Farben und einer präzisen und realistischen Zeichnung. Seine Landschaftsproduktion stützte sich auf die verschiedenen Orte, die er besuchte und lebte, in Italien und im Ausland, insbesondere in Spanien und Frankreich. In dieser Landschaft bietet Pellegrini einen Blick auf den Berg, der die Stadt am Ufer des Comer Sees überragt: ein karger und kahler Berg, wenn auch bewohnt, mit der Hütte auf dem Gipfel und einer weiblichen Figur, die die Eimer am Strom des fließenden Wassers füllt. zwischen den Felsen; die Farben sind die der Winternebel, die fast quer geteilt sind zwischen dem Graublau des oberen Teils, mit regenbeladenen Wolken, die die Gipfel auf der anderen Seite des Sees dominieren (was man spüren kann, ohne gesehen zu werden), und das Grün-Braun des Landes, das die untere Hälfte einnimmt, mit den ausgestreckten Ästen der kahlen Bäume, um die beiden Hälften zu verbinden. Die Stille der Berge, so der Titel der Arbeit, scheint deutlich durch und durchdringt den Geist des Betrachters. Das Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Lombardische Schule. Aus einer bedeutenden Mailänder Familie stammend, ist es das Porträt eines Herrn, der eine Kette mit Wappen in der Hand zeigt. Das Gemälde hat einige Farbtropfen. Es ist in einem gleichaltrigen vergoldeten Rahmen.

Synoxis der Heiligen mit Maria und Christus in Herrlichkeit und Erzengeln.

Tempera auf Holz mit Riza aus Metall, entsprechend den Heiligenscheinen vergoldet. Die Ikone zeigt in der unteren Hälfte eine Gruppe von sechs Heiligen, deren Name in griechischen Buchstaben angegeben ist, während im oberen Teil Maria und Jesus in Herrlichkeit, flankiert von Erzengeln, zu sehen sind. Die abgebildeten Heiligen sind von links nach rechts: St. Gregor der Große, St. Basilius der Große, St. Johannes der Bischof, St. Peter der Apostel, St. Paul der Apostel, St. Andreas der Apostel, alle wichtigen Heiligen in die orthodoxe Gedenkliturgie. Die Figuren sind in ein Blumendekor eingraviert. In der Kirche der ersten Jahrhunderte war die Synaxis (von gr. Sýnaxis: Versammlung) die Zusammenkunft der Gläubigen zum Lesen der heiligen Bücher und zur Eucharistiefeier. Sinassi spielt daher auf die Anwesenheit einer Gruppe von Menschen an (Engel, Heilige und Heilige, Metropoliten und Mönche), die eine zentrale Darstellung umgeben, daher entspricht sie in der ikonografischen Kunst einer Gruppe von Heiligen oder Engeln, die Christus oder die Madonna umgeben, um sie zu verherrlichen . In der orthodoxen Liturgie werden solche Ikonen normalerweise am Tag nach einem wichtigen Fest ausgestellt und gefeiert, bei dem diese Heiligen Mitprotagonisten waren. Das Symbol hat kleine diffuse Farbtropfen. Holzverstärkung auf der Rückseite. Der Riza ist derzeit vom Tisch demontiert, es erfordert nur wenig Eingriff, um für den Zusammenbau wieder in Form zu kommen.

Der Laden des Antiquitätenhändlers 1944

Öl auf Karton. Unten rechts signiert und datiert. Auf der Rückseite der Titel und weitere Signatur. Dieses Sujet ist ungewöhnlich für Dino Rossi, einen Maler, der sich hauptsächlich der Landschaftsmalerei „en plein air“ widmete und dabei auf die Sujets seiner zahlreichen Reisen rund um die Welt zurückgriff. Im Stil des Impressionismus sagte er über seine Malerei: "Dreißig Prozent nehme ich mein Gewicht von der Realität, siebzig Prozent lege ich es hin", und ließ damit die Fantasie, sein Temperament, seine Natur in seinen Werken die Führung übernehmen Hier wird ein Einblick in das Innere eines Antiquitätenladens vorgeschlagen, in dem die zum Verkauf stehenden Gegenstände jeden Raum in einer warmen und einladenden Unordnung einnehmen, in der es der Blick des Künstlers ist, anstatt die richtige Perspektive, um Beziehungen zu gestalten und zu schaffen zwischen den Dingen. Das Werk wird stilvoll in einem Rahmen präsentiert.

Pastelle auf Papier. Anfang des 19. Jahrhunderts. In der Familiengruppe erscheinen der Vater, die Mutter und drei Kinder, von denen zwei Spielzeug halten. Auf der Rückseite befindet sich eine Inschrift, die die Familie identifiziert, die in der Familie der Markgrafen von Breno abgebildet ist. In der Schrift steht auch: „Eines der Kinder (mit der Weste) ist Domenico, Ehemann von Giulia Caronesi“. Das Gemälde wird in einem zeitgenössischen vergoldeten Rahmen präsentiert, mit Mängeln und kleinen Jahren.

Surreale Landschaft 1974

Mischtechnik auf Holz. Unten rechts signiert und datiert. Weitere Signatur und Datierung auf der Rückseite (1973, fällt um ein Jahr nicht mit der Rückseite zusammen). Bruno Artioli, ein ursprünglich aus Nocera Umbra stammender Künstler, war vor allem ein Landschaftsmaler, der sowohl mit einem klassischen Naturalismus als auch mit einer geometrischen Reinheit in einem abstrakten Schlüssel interpretierte. In diesem zweiten Interpretationsschlüssel gehen die Ansichten von Bruno Artioli über die phänomenale Realität hinaus und nehmen einen völlig objektiven Charakter an, ohne jeden Partikularismus, die Elemente der Landschaft werden schließlich auf reine Formen und reine Farben reduziert. Die präsentierte Arbeit fällt in dieses Landschaftskonzept, spärlich, geometrisch, sauber in jeder Linie sowie in der Unterteilung von Farben, die jeweils ihre eigene Identität bewahren und einen klar definierten Raum einnehmen. Im Rahmen.