GEMÄLDE ONLINE | GALERIE FÜR ALTE UND ZEITGENÖSSISCHE KUNST - Seite 2

Den Brief Lesen

Antiker Wandteppich. Die Szene aus dem 18. Jahrhundert zeigt eine wohlhabende Dame an ihrem Frisiertisch sitzend und einen Brief lesend, während ihre Zofe ihr Schmuck anbietet. Einige Engel schweben darüber und verleihen der Szene eine allegorische Bedeutung. Die Leinwand muss gereinigt werden. Sie wird in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Luca Giordanos Schule

Öl auf Leinwand. Schule von Luca Giordano. Die Szene zeigt die Bekehrung des Heiligen Paulus, wie sie in der Apostelgeschichte berichtet wird. Auf dem Weg nach Damaskus, um die Christen zu verfolgen, wurde Saulus (so hieß er vor seiner Bekehrung), ein Jude, aber römischer Bürger, plötzlich von einem göttlichen Licht umgeben und hörte die Stimme Jesu, der ihn fragte, warum er ihn verfolge. Dieses Ereignis veranlasste ihn, zum Christentum zu konvertieren, den Namen Paulus anzunehmen und sich der Verbreitung des Evangeliums zu widmen. Saulus ist dargestellt, wie er von seinem umgekippten Pferd fällt, während ihn ein Lichtstrahl blendet, der aus der Wolke kommt, auf der Christus, umgeben von Engeln, sitzt. Um Paulus herum sind römische Soldaten und sein Gefolge aufgeregt und verstehen nicht, was geschieht. Die zahlreichen Figuren, sowohl Menschen als auch Tiere, verflechten und überlagern sich mit großer Dynamik, unterstützt von hellen und leuchtenden Farben. Der Stil des Werks erinnert an Luca Giordano (1634–1705), den produktiven Künstler des 17. Jahrhunderts, der mit bemerkenswerter Fantasie und Kreativität moderne barocke Konzepte in die Malerei umsetzte, indem er Caravaggios Naturalismus aufgriff und ihn mit neuen barocken Strömungen verknüpfte. Sein umfangreiches Werk brachte eine große Anhängerschaft kleinerer Maler hervor, die seinen Stil vertraten. Das Gemälde wurde in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts neu gerahmt. Es weist unten rechts Farbverlust auf. Es wird in einem vergoldeten Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

In Nome della Pace sulla Terra 1969

Öl auf Leinwand. Signatur, Titel und Datum in kyrillischer Schrift auf der Rückseite. Viktor Petrovich Rudametkin ist ein ukrainischer Künstler, der sich als Landschaftsmaler und Kolorist einen Namen gemacht hat. In diesem Werk zeigt er mit seiner charakteristischen lebendigen Farbpalette eine Bäuerin inmitten eines Sonnenblumenfeldes, ein Symbol des Lebens und des Friedens, im Kontrast zu den Bildern von Militärflugzeugen, die über den Himmel ziehen. Das Bild entstand in den Jahren, als die Ukraine Teil der Sowjetunion war, und kann als Aufruf zum Frieden und als Botschaft der Hoffnung für das Heimatland des Künstlers verstanden werden, das noch immer durch den schweren Konflikt mit Russland zerrissen ist.

Ölgemälde auf Leinwand. Der Blick auf die Küste, in der Nähe einer felsigen Bucht, in der reißende Wassermassen fließen, zeigt Gestalten am Landeplatz der Schiffe, die bereit sind, die herannahenden Boote willkommen zu heißen; in der Ferne das Profil der Stadt. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde weist weit verbreitete Schmutzflecken auf, insbesondere in Verbindung mit dem Himmel. Es wird in einem stilvollen Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Norditalienische Schule des 18. Jahrhunderts. Die am Ufer eines breiten Flusses gelegene Landschaft zeigt in der Mitte einige Figuren von Bauern, die Obst von einem Baum pflücken wollen: Ein Mädchen hält die Leiter, während der Junge einen Strauß abschneidet, links legt ein weiteres Paar die gesammelten Früchte ab in einer Wanne. Rundherum eine weite grüne Landschaft und einige Bauernhäuser. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Winterlandschaft

Pastelle auf Papier auf Leinwand aufgetragen. Unten links signiert. Die große Landschaft wird vollständig vom Farbspiel dominiert: In zwei vom Himmel und von der Erde vorgegebene Halbfelder (ein bergiges Land, in dem vereinzelt Tannen sprießen) unterteilt, sieht man oben das rosa Blau des Himmels vorherrschen, unter dem grünlichen Blau des Himmels der Schnee auf dem Boden, zwei Farbtöne der gleichen Farbpalette, die sich dann in der Skyline der Berge treffen. Cinotti war ein Landschaftsmaler und Vertreter des italienischen Divisionismus, dessen Malerei durch einen materiellen und pastösen Auftrag mit gespatelten Farbtupfern gekennzeichnet ist. Im zeitgenössischen Rahmen.

Ölgemälde auf Leinwand. Deutsche Schule der Mitte des 20. Jahrhunderts. Unten rechts befindet sich die Signatur W. Purschke und die Lokalisierung München. Die Szene spielt im Arbeitszimmer eines hohen Prälaten: Er sitzt an seinem Schreibtisch und hört zwei Männern zu, die auf einer Karte einen Weg zu ihm veranschaulichen. Oben links steht auf einem Regal ein Schiffsmodell: Vielleicht ist der Bischof auch der Eigner des Schiffes, der mit seinem Eigner die nächste Reise bespricht. Aus dem Fenster, das durch ein Gitter verschlossen ist, können Sie einen Blick auf die Stadt mit ihren Häusern mit charakteristischem nordischem Aussehen werfen. Das Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Intarsie aus verschiedenen Hölzern. Die Intarsie zeigt die Figur eines Cellisten in Kleidung des 18. Jahrhunderts. Francesco Ferrario war ein versierter Tischler, beeinflusst vom Neoklassizismus und Jugendstil. Nach seiner Zeichenausbildung an der Accademia di Belle Arti di Brera und der Zusammenarbeit mit den besten Künstlern seiner Zeit eröffnete er eine Werkstatt in Mailand, zunächst in der Via Tenca und 1927 am Corso Sempione. Ein Etikett auf der Rückseite des Werks ordnet es den dort entstandenen Werken zu. Präsentiert wird das Werk in einem zeitgenössischen Rahmen.

Öl auf Leinwand. Es handelt sich um eine Kopie des gleichnamigen Gemäldes von Giulio Cesare Ferrari (1818–1899), das 1863 entstand und wenige Jahre später von der Pinacoteca dell’Accademia in Bologna erworben wurde. Das Gemälde zeigt eine Szene aus Victor Hugos Roman „Notre-Dame de Paris“: Esmeralda, eine junge Zigeunerin, die mit ihrer Schönheit und ihrem Tanz bezaubert, wird vom Archidiakon Frollo wegen seiner Besessenheit verfolgt und im Turm der Pariser Kathedrale eingesperrt, wo ihr jedoch der bucklige Glöckner Quasimodo hilft. Die junge Frau kauert in der engen, dunklen Zelle zusammen, begleitet von ihrer unzertrennlichen Ziege. Das Werk gehört zur Strömung der historisch-literarischen Malerei, die sich im 19. Jahrhundert parallel zu Romantik und Realismus entwickelte und sich durch die Darstellung von Szenen aus Geschichte und Literatur, oft mit feierlicher und gedenkender Absicht, auszeichnet. Die hier angebotene Kopie ist von guter Verarbeitung und lässt sich auf eine Zeit kurz nach dem Original datieren. Sie wird in einem Rahmen im Stil der Mitte des 20. Jahrhunderts präsentiert, der zeitgleich mit der Restaurierung und Neufütterung des Werks entstand.

Genreszene bei Hofe

Öl auf Leinwand. Rechts unten signiert. Antonio Zavaga war ein italienischer Maler des 19. und 20. Jahrhunderts, spezialisiert auf die Malerei des 18. Jahrhunderts, vor allem von galanten Salonszenen. Auch dieses Werk spielt in einem prächtigen Saal im Stil des 18. Jahrhunderts: Eine Dame und ein Herr sitzen an einem Tisch und spielen Schach, während die Hofdame Tee bringt und ein weiterer Herr amüsiert zusieht. Das Werk wird in einem bemalten Rahmen aus dem späten 19./frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand. Die Szene entspricht einer Station des Kreuzweges, bei der Jesus unter der Last des schweren Kreuzes, das er auf seinen Schultern trägt, während er nach Golgatha hinaufsteigt, zusammenbricht. Christus, am Boden gebeugt, mit gesenktem und traurigem Blick, wird von den Wächtern verfolgt, die ihn mit Lanzenstöcken stoßen, und einer zerrt mit dem Strick, den er um seine Hüften gebunden hat. Ein Bürger betrachtet den betrübten Jesus, während er das schwere Holz stützt. Das Gemälde weist Spuren früherer Restaurierungen auf und wurde unterfüttert. Es wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Mitteleuropäische Schule der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Das Gemälde bezieht sich auf eine Grafik von Johann Gottfried Haid (1704–1767), einem deutschen Kupferstecher, der für seine Schabkunstkopien nach Werken großer Meister bekannt war. Das Originalwerk stammt vermutlich von Antonio Mercurio Amorosi (1660–1738), der für seine Porträts populärer Persönlichkeiten im „Bambocciante“-Stil bekannt war. Unser Gemälde weist einige kleine Unterschiede zur Referenzgrafik auf. Es befindet sich noch auf der ersten Leinwand und wird in einem Rahmen aus der Mitte des 20. Jahrhunderts präsentiert.

Anbetung der Hirten

Öl auf Leinwand. Eine Komposition, die von Anhängern und Schülern der Bassano-Schule mehrfach reproduziert wurde, insbesondere ein Werk von Jacopo Bassano (1515–1592). In der Originalszene, die hier mit getreuer Figurenkomposition, aber nicht mit getreuer Farbgebung wiedergegeben wurde, näherte sich Bassano dem Thema einerseits unter Beachtung der Tradition, andererseits mit Neuerungen. Die Szene dient als Kulisse für archäologische Ruinen, ein häufiges Element in der italienischen Ikonographie der Geburt Christi. Hier sehen wir eine Reihe zerbrochener Säulen auf einem hohen Sockel, nach dem Vorbild griechischer Tempel, an die eine Hütte lehnt. Die ungewöhnliche architektonische Struktur symbolisiert die Überwindung des Heidentums und den Aufbau der christlichen Kirche, deren Gründungsakt die Geburt Jesu ist. Die Hirten stehen im Zentrum der Szene, und wäre da nicht die linke Seite des Gemäldes, könnte es wie eine Genreszene mit ländlichem Charakter wirken. Der Hirte kniet von hinten und zeigt seine nackten Füße, eine Erinnerung an seine extreme Demut, und hält ein Lamm, das Opfertier par excellence, ein Hinweis auf die zukünftige Passion Christi. Ganz rechts eine merkwürdige Einfügung: Ein kauernder Junge bläst auf eine brennende Glut, in einem vergeblichen Versuch, die Flamme wieder zu entfachen. In dieser Replik treten die gelben und roten Töne der Gewänder der beiden Hirten in der Mitte und des Jungen rechts hervor, die sogar bei den Figuren der Heiligen Familie in ihrer Lebhaftigkeit vorherrschen und sich von den Ockertönen der Landschaft und der Architektur im Hintergrund abheben. Das Gemälde wurde im 19. Jahrhundert restauriert und neu gefüttert, wobei der Rahmen ersetzt wurde (auf ihm befinden sich zeitgenössische Schriften in englischer Sprache, vermutlich Exportadressen). Es wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Szene mit Wachen in der Stadt, 1875

Öl auf Leinwand. Links unten signiert und datiert. Der englische Maler George Goodwin Kilburne spezialisierte sich auf Genreszenen aus dem Leben der viktorianischen Oberschicht, darunter Jagdszenen und Wohnzimmerszenen, die sich alle durch Eleganz und die Liebe zum Detail, insbesondere der weiblichen Figuren, auszeichnen. 1875 hielt sich Kilburne einige Monate in Rom auf und bereiste anschließend weitere italienische und europäische Städte. Die hier dargestellte Szene, die tatsächlich aus dem Jahr 1875 stammt, scheint in Rom angesiedelt zu sein: Auf einem Wachposten in der Stadt, wie der Blick durch die offene Tür deutlich macht, ruhen sich einige Soldaten in der Uniform der vatikanischen Garde aus. Das Werk wird in einem Rahmen aus dem späten 19./frühen 20. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand. Die Szene der bekannten evangelischen Episode der Anbetung der Heiligen Drei Könige spielt in einem ungewöhnlichen Rahmen: Die Heilige Familie befindet sich nicht in einer Hütte oder einem Stall, sondern vor den architektonischen Überresten eines imposanten Marmorgebäudes; auf einem Hügel gelegen, sieht sie im Hintergrund eine flache, vegetationsreiche Landschaft mit Dörfern und zahlreichen Kirchtürmen. Die Figuren der Könige und der Familie sind mit zarten Linien, leuchtenden, aber abgestuften Farben und detaillierten Details dargestellt; außerdem erscheint in der rechten Ecke der Szene eine abgemagerte, arme, undeutliche Gestalt, ein Bettler, der sich, verborgen im Schatten des Palastes, verbeugt, um dem kleinen Jesus zu huldigen, auf Augenhöhe mit den reichen und mächtigen Königen in seiner demütigen Hingabe. Auf der Rückseite der Leinwand finden sich Spuren kleiner Restaurierungen. Unten rechts befindet sich ein leichter Schnitt. Das Werk wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Jesus auf dem Weg nach Golgatha

Öl auf Leinwand. Das Werk ist eine Replik des von Pierre Mignard geschaffenen und Ludwig XIV. geschenkten Werks, das heute im Louvre in Paris aufbewahrt wird. Die dramatische Szene spielt sich unmittelbar vor den Mauern Jerusalems ab; eine Prozession begleitet Jesus auf seinem Weg zum Kalvarienberg, der im Hintergrund rechts mit den bereits aufgestellten Kreuzen der beiden Verbrecher zu erkennen ist. Das Kreuz Christi wird hingegen von Simon von Cyrene getragen, der nach Jesu x-tem Sturz von den Wachen gezwungen und mit einer Peitsche grob zum Aufstehen gezwungen wird. Vor Christus schreiten die beiden gefesselten Verbrecher, begleitet von einigen Dienern; links steht die Gruppe frommer Frauen, die Maria, die von Trauer gebrochen ist, begleiten und ihr beistehen. Im Gegensatz zu dieser Gruppe steht rechts eine weitere Gruppe von Frauen aus dem Volk, die in frommer Anteilnahme zusehen und die Blicke ihrer Kinder von dem schrecklichen Schauspiel abwenden. Die Landschaft im Hintergrund ist karg und öde, unter einem Himmel, der sich mit grauen und dunklen Wolken füllt. Das Werk wurde Mitte des 20. Jahrhunderts restauriert, neu gefüttert und auf einen neuen Rahmen montiert. Es wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Norditalienische Schule des 17. und 18. Jahrhunderts. Die bekannte biblische Szene des Streits zwischen den beiden Brüdern, den Söhnen Adams und Evas, der schließlich zum Brudermord Abels durch Kain führt, ist hier in einer italienischen Landschaft mit üppiger Vegetation dargestellt, die durch zwei besondere Feuer ergänzt wird. Seitlich der beiden Figuren, die die Mitte der Szene einnehmen, befinden sich zwei Opferfeuer mit brennendem Feuer. Während jedoch von Abels Feuer links hoher Rauch aufsteigt, der von den darüber liegenden Wolken aufgesogen wird, um die Annahme dieses Opfers durch Gott anzuzeigen, ist Kains Feuer niedrig, fast erdrückt von der Glut, und es steigt kein Rauch auf – ein Zeichen dafür, dass Gott es ablehnt. Auch die rote Farbe von Abels Tunika soll seinen Opferwert, sein Martyrium, betonen. Das Gemälde muss gereinigt werden. In einem zeitgenössischen Rahmen.

Sant'Ilario 1945

Öl auf Leinwand. Signiert und datiert unten links. Titel auf der Rahmenrückseite. Der Maler Mario Guerzoni zeichnete sich als Landschaftsmaler aus und bot Einblicke in verschiedene Teile Italiens, oft Küstenansichten. Sant'Ilario liegt an der Riviera di Levante, im Golfo Paradiso, an den Hängen des ligurischen Apennins. Gerahmt.

Öl auf Leinwand. In einer italienischen Landschaft konzentriert sich die Szene auf eine Gruppe von Bürgern, die versuchen, aus der belagerten und niedergebrannten Stadt zu fliehen. Sie transportieren ihre Waren auf einem Karren und führen die kleine Herde an; eine kleine Gruppe feindlicher Soldaten hat sie jedoch verfolgt und versucht, sie mit gezogenen Waffen aufzuhalten. Auf der Rückseite des Rahmens befindet sich eine Bleistiftinschrift, die das Werk Jan Both (1618–1652) zuschreibt, einem niederländischen Maler, der vor allem für seine italienischen, oft von Figuren belebten Landschaften bekannt ist. Das Gemälde wurde in der Vergangenheit restauriert und unterfüttert. Es muss derzeit gereinigt werden. Es wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Norditalienische Schule des 17. Jahrhunderts. In dieser Heiligen Familie ist Maria die zentrale Figur: Sie sitzt im Zentrum der Szene, wendet ihr Gesicht nach links Josef zu und lauscht aufmerksam und konzentriert dem, was ihr Begleiter ihr aus einem Buch vorliest. Währenddessen decken die Arme der Frau liebevoll das kleine Jesuskind mit einem Tuch zu, das friedlich in der Wiege rechts von seiner Mutter schläft. Auch das Gesicht des Kindes ist beleuchtet und strahlt sein Licht auf seine Mutter aus. Im Hintergrund ist eine italienische Landschaft zu sehen. Die Figuren wirken harmonisch und ausgewogen in ihren Körperbewegungen, und die gesamte Szene strahlt eine Ruhe und häusliche Gelassenheit aus, sehr irdisch. Das Gemälde wurde zu Beginn des 20. Jahrhunderts doubliert. Spuren früherer Risse und leichte Farbverluste sind sichtbar. Es wird in einem goldenen Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert (Vergoldung verloren).

Öl auf Leinwand. Zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts. Auf der Rückseite befindet sich eine handschriftliche Kartusche aus dem Mai 1835, die mehrere bedeutende Familien (Castelbarchi, Fraganeschi, Castelbarco Litta Albani) aus Norditalien angibt, denen das Gemälde wahrscheinlich gehörte. Das Gemälde zeigt eine nordische, eher karge Landschaft, die von einem Wasserlauf durchzogen wird. Ein Weg, auf dem Wanderer vorbeiziehen, führt zu dem Dorf am Fuße des Hügels. Das Gemälde befindet sich in einem zeitgenössischen Rahmen, in dem einige Teile fehlen.

Öl auf Leinwand. Es zeigt eine üppige Vegetation mit laubbedeckten Bäumen, die von einem reißenden Wasserlauf durchzogen wird. Im Hintergrund sind Bauernhäuser und Herden auf dem Land zu erkennen. Auf der Rückseite befindet sich eine alte Kartusche mit der Angabe „Flämisch“ und einem Preis in Lire. Restauriert und unterfüttert, wird es in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Mutter mit Kind

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert. Auf der Rückseite befindet sich eine Echtheitskartusche von „Meeting Art Roma“ mit den Daten des Werks sowie ein Herkunftsstempel des „Centro Artistico Mercurio, Mailand“. Giuseppe Migneco, ursprünglich aus Messina stammend, aber in jungen Jahren nach Mailand gezogen, war neben Aligi Sassu, Renato Birolli, Bruno Cassinari und Renato Guttuso einer der Hauptvertreter der Corrente-Gruppe, die sich der europäischen künstlerischen Avantgarde öffnete. Im Sinne einer Malerei mit sozialem Engagement untersucht er die Realität mit kritischem, objektivem und historischem Blick. Seine Figuren mit harten, kantigen Gesichtern, gezeichnet von harter Arbeit und in leuchtenden und kräftigen Tönen wiedergegeben, erinnern an sein Sizilien mit seinen gewalttätigen und klaren Zügen, aber auch an den sozialen Realismus der mexikanischen Wandmaler. In diesem Werk erscheinen seine charakteristischen Figuren (die sowohl aus Sizilien als auch aus Mexiko stammen könnten!) bei einer sehr prosaischen und realistischen Tätigkeit des alltäglichen Lebens: eine Mutter, die den Kopf ihres Sohnes kämmt und reinigt, der wahrscheinlich von Parasiten befallen ist. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.