PEINTURES EN LIGNE | GALERIE D'ART ANCIEN ET CONTEMPORAIN

Huile sur toile. École du nord de l'Italie du milieu du XVIIe siècle. L'homme représenté est vêtu d'une grande cape noire, sévère mais bordée de dentelle blanche aux poignets, assis à un bureau tout en relisant une lettre, avec l'encrier et la plume posés sur la surface devant lui, pour indiquer sa culture et son rôle élevé. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre laqué noir de la fin du XIXe siècle, mais avec plusieurs couleurs manquantes.

Huile sur toile. La composition représente un panier rempli de fruits, posé sur un muret sur lequel grimpe un escargot. Dans son style, l’œuvre se réfère aux canons picturaux les plus anciens. Il est présenté dans un cadre de style.

Sans titre

Acryliques sur panneau. Signé en bas à droite. L'artiste Marisa Mezzadra a combiné l'art pictural avec la poésie, traduisant en images ce que de grands poètes de différents siècles l'ont inspiré. Professeur d'anglais à l'Université Bocconi de Milan, il a combiné deux mondes, celui de la peinture et celui de l'enseignement, dans une recherche constante de nouvelles méthodes de développement de ses deux activités. En particulier, la peinture métaphysique de Marisa Mezzadra cherche à révéler le sens caché de l’existence, du monde en nous et autour de nous, dans l’essence profonde de la nature splendide.

Sans Titre

Acryliques sur panneau. Signé en bas à droite. L'artiste Marisa Mezzadra a combiné l'art pictural avec la poésie, traduisant en images ce que de grands poètes de différents siècles l'ont inspiré. Professeur d'anglais à l'Université Bocconi de Milan, il a combiné deux mondes, celui de la peinture et celui de l'enseignement, dans une recherche constante de nouvelles méthodes de développement de ses deux activités. En particulier, la peinture métaphysique de Marisa Mezzadra cherche à révéler le sens caché de l’existence, du monde en nous et autour de nous, dans l’essence profonde de la nature splendide.

Paysage avec Figures, 1930 ca.

Huile sur toile. Signé en bas à droite. Ivan Karpoff, d'origine russe mais élevé et établi artistiquement en Italie, était apprécié pour sa peinture orientée vers le réalisme impressionniste italien de la fin du XIXe siècle ; il se consacre principalement aux paysages et aux portraits. Dans cette œuvre, il offre un aperçu de la campagne et des collines surplombant un lac, avec deux figures paysannes déterminées à récolter. Au dos de la toile se trouve une dédicace : « Campanini... au couple Manara Luciano et Adriana, Milan 28 octobre 1939 XVII ». Le tableau est présenté dans un cadre du milieu des années 1900.

Nature Morte

Huile sur toile. Signé en bas à droite. Giovanni Colombo, connu sous le nom de Da Busnago (du nom de sa ville d'origine), se distingue dans l'après-guerre principalement pour ses paysages et ses vues, consacrés à Venise et à Paris, mais surtout à Milan, peignant toujours d'après nature et restant fidèle à un style naturaliste dérivé de l'impressionnisme. De plus, ses œuvres sont influencées par sa rencontre avec les clairistes, dans le choix de couleurs douces, presque transparentes et remplies de lumière. Son naturalisme s'exprime également dans des natures mortes et des compositions florales, toujours caractérisées par une délicatesse chromatique. Le tableau est présenté dans un cadre de la première moitié du XXe siècle, en bois et plâtre, avec de légères fissures.

Le retour de la fête de la Madonna dell'Arco à Naples

Huile sur toile. Il s'agit d'une copie d'un célèbre tableau du peintre Louis Léopold Robert (1794 -1835), qui fut exposé au Salon de Paris en 1827 et acheté par le roi Louis-Philippe ; Il est actuellement conservé au musée du Louvre. Le tableau représente une scène festive joyeuse, riche en folklore avec des personnages costumés dansant la tarentelle et en arrière-plan le panorama fantastique de la ville de Naples. Robert, artiste suisse, séjourna plusieurs fois en Italie, où il trouva l'inspiration pour la création de nombreuses œuvres et s'affirma comme peintre de genre romantique et paysagiste du Grand Tour, dont les sujets furent très appréciés et reproduits. Le tableau « Retour de la fête de la Madonna dell'Arco à Naples » faisait partie d'un projet de Robert, qui avait l'intention de peindre quatre grandes toiles sur les saisons, situées dans quatre régions différentes d'Italie : celle-ci représentait le printemps. La toile présentée ici, non signée, est néanmoins d'une grande qualité picturale. Restauré et rentoilé, il est présenté dans un cadre de la fin du XIXe - début du XXe siècle.

Huile sur toile. Il s'agit d'une copie de l'œuvre du même nom de Guido Reni (1575 -1642), réalisée vers 1605 et actuellement conservée au Musée des Offices de Florence. De nombreuses répliques de l'œuvre de Reni ont été réalisées. L'œuvre représente la figure du jeune David imprégnée d'une certaine froideur glaciale associée à une élégance mélancolique dans sa pose et dans son habillement dandystique, avec son chapeau à plumes rouges ; bien que le moment soit plutôt sanglant, en raison de l'exposition de la tête coupée du géant Goliath. David la tient d'une main pour regarder son visage d'un air détaché, désormais éloigné de l'effort de l'exploit accompli, dont la fronde qu'il tient dans l'autre main est un rappel. Les personnages se détachent sur un fond sombre, d'où ils émergent avec des jeux d'ombre et de lumière. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début des années 1900.

Huile sur toile, appliquée sur plaque de bois. La Sainte est représentée au premier plan, à mi-corps : le torse nu du corps est partiellement recouvert d'un manteau de fourrure tombant des épaules, sur lequel s'étendent ses longs cheveux ; Marie-Madeleine tient les yeux tournés vers le ciel, dans un état contemplatif, avec le crâne dans les mains, Memento mori, et à ses côtés un morceau de pain, sa seule nourriture dans sa vie de pénitence. Derrière la figure se trouve un fond sombre, d'où émerge un faisceau de lumière pour créer un halo autour de sa tête et accentuer le pathétique de son expression. Le tableau présente de légères décolorations, notamment le long de la marge droite. Il est présenté dans un cadre de style,

Neuron On, L'idée s'illumine, 1985

Acryliques sur panneau. Au dos se trouvent le titre, la signature, la date et le lieu Pavie. L'artiste Marisa Mezzadra a combiné l'art pictural avec la poésie, traduisant en images ce que de grands poètes de différents siècles l'ont inspiré. Professeur d'anglais à l'Université Bocconi de Milan, il a combiné deux mondes, celui de la peinture et celui de l'enseignement, dans une recherche constante de nouvelles méthodes de développement de ses deux activités. En particulier, la peinture métaphysique de Marisa Mezzadra cherche à révéler le sens caché de l’existence, du monde en nous et autour de nous, dans l’essence profonde de la nature splendide.

Huile sur toile. École française du XIXe siècle. Monogramme JP en bas à gauche. De goût orientaliste, le tableau représente une jeune femme en vêtements orientaux, parée de bijoux, tenant un perroquet dans sa main. Dans la symbolique chrétienne, cet oiseau a une signification de pureté et d'innocence, tandis que dans l'iconographie plus profane, il indique l'élégance, la capacité de communication ou, plus généralement, fait référence à l'exotisme. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain.

Huile sur toile. Signature non identifiée en bas à droite. Il s'agit d'une copie de l'œuvre, également en pied, de Domenico Morelli, dite "Mater Purissima", réalisée vers 1880 et sujette à de nombreuses répliques et variations dans les décennies suivantes. L'œuvre est présentée dans un cadre du début des années 1900.

Huile sur toile. Portrait d'une jeune femme arborant une coiffure élaborée, de grandes boucles d'oreilles pendantes et une étole en fourrure voyante ; derrière lui un coucher de soleil crée un jeu de lumière sur le fond sombre du ciel. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain redoré.

Huile sur toile. Portrait d'un jeune gentilhomme en manteau noir. Rentré, il est présenté dans un cadre contemporain redoré.

Intérieur avec Personnages et Animaux, 1917

Huile sur toile. Signé et daté en bas à droite. Dans la vaste production de Giuseppe Solenghi, riche de lyrisme exprimé avec des tons et des traits délicats et raffinés, prédominent les paysages urbains de Milan ou les aperçus de la lagune vénitienne, mais il y a aussi plusieurs aperçus de la campagne, principalement de la Lombardie, ainsi que des intérieurs rustiques. Dans cette œuvre, l'artiste représente l'intérieur d'une maison paysanne, où cohabitent humains et animaux : la scène est imprégnée d'une atmosphère sereine de la vie quotidienne familiale, dans laquelle la chaude lumière du soleil filtrant à travers la porte ouverte crée des jeux d'ombre et de lumière sur les tons terreux de l'intérieur. Le tableau est présenté dans un cadre du milieu des années 1900.

Huile sur toile. Une représentation délicieuse de la vie populaire avec des personnages aux allures de caricature : trois femmes du commun en pied sont représentées dans la rue tandis qu'elles conversent intensément entre elles, échangeant des confidences ou... des ragots ! Non signé, le tableau nécessite une restauration en raison d'une déchirure dans le bas.

Copie de David Teniers II

Huile sur panneau. Le tableau est une copie révisée de la célèbre œuvre de David Teniers le Jeune (1610-1690), exécutée entre 1634 et 1640 et actuellement conservée au musée du Prado à Madrid. Le titre de la scène animée fait référence à la soi-disant Nuit des Rois, une célébration correspondant à l'Épiphanie, précisément douze jours après Noël, qui était la dernière nuit de célébrations, au cours de laquelle on pouvait boire au-delà de ses limites, se consacrer à l'amour, à l'échange de partenaires et de genres, une sorte de carnaval, au cours duquel le Roi du Désordre était élu (littéralement le roi du Désordre), un souverain à l'envers qui imposait ses lois, subvertissant les règles et les comportements. Cette œuvre, comme beaucoup d'autres de Teniers, connut un tel succès lié aux nombreuses commandes des rois et des aristocrates au cours du XVIIIe siècle, qu'elle induisit une importante production posthume de copistes, dont beaucoup signèrent même du nom de l'artiste. Le tableau présenté ici présente plusieurs manques de peinture, à combler. Il est dans un cadre de la fin du XIXe siècle, adapté à la taille.

Huile sur panneau de peuplier. Le jeune roturier représenté, appartenant à la catégorie des « pitocchi » (terme utilisé pour indiquer l'état d'indigence complète des personnages, résultat d'une observation attentive et non conventionnelle de la réalité), révèle un strabisme marqué, qui transforme l'expression rieuse en une grimace amusée. Le tableau présente des traces de petites restaurations. Il est présenté dans un cadre du 19ème siècle.

Huile sur panneau de peuplier. Le jeune roturier représenté, appartenant à la catégorie des « pitocchi » (terme utilisé pour indiquer l'état d'indigence complète des personnages, résultat d'une observation attentive et non conventionnelle de la réalité), ouvre grand la bouche dans un cri qui, à en juger par l'expression renfrognée de son visage, semble être un cri de colère ou de douleur. Le tableau présente de légères pertes de couleur. Il est présenté dans un cadre du 19ème siècle.

Huile sur toile. École du nord de l'Italie du XIXe siècle. Le paysage représente une vaste campagne qui s'ouvre sur la chaîne de montagnes alpine, précédée par les pentes plus douces des collines préalpines ; sur le chemin central, qui court droit et perpendiculairement aux collines, un roturier passe avec sa mule. L'ambiance est celle d'une fin de journée, avec des teintes roses illuminant le sommet enneigé. On retrouve un sujet très similaire dans la production du cercle de Carlo Canella (1800-1879), l'artiste véronais surtout connu pour ses vues de ville. L'œuvre est présentée dans un décor de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. Portrait à mi-corps d'un couple de paysans âgés, elle avec la tête couverte d'un mouchoir rouge, lui avec une coiffe traditionnelle ; les deux visages émergent du fond sombre avec des expressions dignes et sereines. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain.

L'Ancien Triskelion 1997

Technique mixte à bord. Signé et daté en bas à droite. Au dos, signature, date et titre supplémentaires. Animé par une intense curiosité intellectuelle qui a caractérisé chaque instant de son expérience, non seulement créative, mais aussi humaine et professionnelle, l'artiste d'Ancône Giorgio Villa a développé ses propres principes de pensée et d'action, sur des bases rigoureuses d'une approche scientifique et mathématique, nourrie d'une profonde inspiration poétique et d'un sens profond de la beauté. La recherche d’un chemin à suivre, libre de tout schéma ou lien culturel, caractérise son art ; Villa évolue dans la sphère de l’imagination, des sentiments et de la poésie des images. Chaque œuvre est le résultat d'une inspiration réfléchie, instant après instant, laissant place à la réflexion, à un geste réfléchi, analysant les relations entre l'espace et la matière, entre les couleurs et la forme, pour identifier la synthèse parfaite, qui rend une œuvre d'art unique et irremplaçable. Dans cette œuvre, Villa représente le Triskèle, ou le symbole antique formé de trois spirales jointes en un point central, plus généralement trois spirales entrelacées, ou, par extension, tout autre symbole comportant trois protubérances et une triple symétrie de rotation.