Cavallo nel Paesaggio Anni '50

Pennarello su carta di riso, incollata su cartone. Firmata in basso. Sotto dedica dell' artista (Saluti cari - Aligi). L'opera è accompagnata da autentica su foto della Fondazione Sassu, recante numero di archiviazione PNV49. Protagonista di questo disegno è ancora una volta il cavallo, animale prediletto dal grande artista, affascinato dall'energia e dalla forza dinamica di questi animali, che rappresentavano la vita stessa e la libertà, che Sassu esprimeva attraverso la torsione delle figure. Le opere di Sassu, che includono pittura, scultura e ceramica, mostrano la potenza dei cavalli in scene di corsa, battaglie o immerse nella natura, spesso con un accento sul dinamismo e l'energia plastica. Opera in cornice.

Gatto 1969

Matita su carta. Firmato e datato in alto, con localizzazione Roma. Il disegno era parte di una lettera che Gentilini aveva firmato a Elena Pelizzoni come ricevuta dell'acconto per un disegno a tre colori, per un piatto in ceramica che avrebbe fatto parte della serie poi prodotta dal gruppo "Ceramica Fiori Oscuri" con la collaborazione di artisti contemporanei. Allegata fotocopia della lettera intera. Il disegno proviene da collezione privata milanese, In cornice.

Olio su tela. In basso a sinistra la firma Lacroix. Sulla spiaggia il pescatore, tirata a riva la barca e arrotolate le vele, che la compagna si carica in spalla, sta proponendo il suo pescato fresco ad una donna, munita di un singolare trasporto per l'acqua. e accompagnata da un bambino. L'opera è di stampo naturalistico e realista, proponendo uno spaccato di vita rurale ricco di dettagli e particolari, sia nelle figure che nel paesaggio e negli elementi di contorno sulla spiaggia. È presentata in cornice in stile.

Bimbo a Cavallo

Olio su tela. Firmato MAGO in basso a destra. Maurizio Goracci, in arte Mago, è un pittore romano di soggetti figurativi, con figure che, seppur ben definite, sono sempre collocate in uno sfondo surreale, sfumato in gamme di colori acidi, che conferisce un senso di fantastico. Ricorrente il tema di una figura a cavallo, questa volta un bambino, di cui si riconoscono il volto e le estremità, mentre tutto il corpo così come la sagoma del cavallo, sono ricoperti da tessuti fioriti e vivaci, risaltanti sullo sfondo scuro indefinito. L'opera è presentata in cornice.

Spiaggia con Figure e Bestiame

Olio su tela. L' opera, firmata in basso a destra Sorolla e datata 1928, rimanda allo stile di Joaquim Sorolla y Bastida (1863 -1923), il noto pittore di Valencia che scelse di riflettere nelle sue opere la luce del Mediterraneo nelle scene quotidiane della sua città, in uno stile tutto suo che ha preso il nome di luminismo. Le sue opere si caratterizzano per la pittura all'aperto, a rappresentare persone semplici incorniciate spesso in scene di pesca e di mare, per catturare costumi e tradizioni, oltre che per la libertà con cui riflette la luce e il colore. In particolare furono scenario ricorrente di molti suoi dipinti le spiagge urbane di Valencia, animate da numerose figure, di bagnanti ma non solo. In quest' opera la scena è appunto quella di una spiaggia, dove transitano delle figure con alcuni bovini, mentre si intravvedono sullo sfondo barche spiaggiate e figure di bagnanti. L'opera, che risulta efficace nella resa pittorica, pur essendo molto vicina ai modi ed allo stile di Sorolla, non è riconosciuta come autentica dall' archivio ufficiale dell' artista. È presentata in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola nord-europea del XIX secolo. Nella scena, ambientata in una pianura spoglia e ricoperta di neve in cui scorre un fiume ghiacciato, è ferma sulla riva una grossa slitta trainata da un cavallo, che trasporta diverse persone: una donna con un bimbo in braccio, si accinge a salire, osservata dal conducente, mentre un'altra figura femminile con il figlio per mano, si allontana camminando sul ghiaccio. Parrebbe una nordica fermata di un mezzo di trasporto pubblico! L' pera è presentata in cornice di fine '800, che presenta diverse mancanze e cadute.

Olio su placca di metallo. Delicato ritratto di bambino, presentato in cornice coeva in metallo sbalzato e dorato.

Paesaggio Fluviale con Figure

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Ivan Karpoff, di origini russe ma cresciuto e affermatosi artisticamente in Italia, si fece apprezzare per la sua pittura orientata al verismo impressionistico italiano di fine '800; si dedicò prevalentemente ai paesaggi ed ai ritratti. In quest'opera propone uno scorcio di una campagna pianeggiante traversata da un ampio fiume; sul sentiero che lo costeggia camminano una donna con il suo bambino. In cornice.

Porticato con Figure

Olio su cartone. Firmato in alto a destra. Gregorio Mariani è principalmente noto per le sue incisioni sulle antichità di Roma, ma si affermò anche come pittore di scene di genere, spesso in costume, o come ritrattista. In quest' opera, che risente dell' impronta impressionista nella realizzazione di sfumati di colori e giochi di luci, propone una scena di vita settecentesca cittadina: numerose figurine, di cui si intuiscono i vaporosi abiti femminili, si aggirano sotto un alto porticato, tra le cui arcate si apre uno scorcio marittimo solcato da navi. L'opera è presentata in cornice lignea coeva.

Olio su tela. Scuola toscana del XVIII secolo. La grande scena racconta la storia tragica di Apollo e Dafne, raccontata nelle Metamorfosi di Ovidio. Secondo il mito il dio Apollo, avendo schernito Cupido, viene da lui colpito con una freccia d'amore che lo fa innamorare della ninfa Dafne, colpita invece d auna freccia di piombo, capace di far finire l'amore. Apollo colpito dalla freccia si innamora perdutamente di Dafne e corre verso di lei, ma la ninfa respinge il dio e scappa. Per evitare di essere presa Dafne chiede al padre Peneo, divinità eponime del fiume Peneo, di essere trasformata per non doversi sottomettere ad Apollo. Peneo ascolta la sua richiesta e quando Apollo sta per afferrarla, Dafne si trasforma in un albero di alloro, pianta che da quel momento diventa sacra al dio. L'opera presenta in alcune parti vicinanze ai modi pittorici di Giuseppe Zocchi (1711 -1767), a cui l'autore ha probabilmente guardato in particolare nella rappresentazione degli alberi e della vegetazione. La tela presenta diverse cadute di colore, soprattutto in basso a sinistra, ed una serie di fori (di dimensioni diverse lungo i bordi e al centro) causati da precedenti chiodi messi a rinforzo. In cornice.

Scena Campestre con Figure

Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. La scena raffigura un gruppo di contadini e contadine che raccolgono cesti di fiori, facendo musica e danzando al suono di cornamuse e tamburello, e qualcuno ne approfitta per corteggiarsi. Si tratta quindi di una festa popolare campestre, soggetto tra i preferiti dal Barucci, pittore romano che raffigurò soprattutto la vita quotidiana della campagna. Il suo amore quasi totalizzante per la natura, quella più verace, brulla e realistica della campagna e della periferia romana, lo portò a diventare uno degli esponenti di spicco dello stile rusticano. La luminosità e la vivacità dei colori esaltano il sapore di festa della scena, sottolineano la spensieratezza e la serenità di questo attimo di vita popolare. L'opera è presentata in cornice in stile.

La Sacra Famiglia

Incisione su carta. Il soggetto è tratto da un disegno del Guercino (1591 -1666), che dedicò a tale soggetto numerose sue opere. In cornice.

Producto en buen estado mostrando algunos signos de desgaste. Intentamos presentar el estado real lo más completo posible con fotografías. Si algún detalle no está claro en las fotografías, prevalecerá la descripción.

Olio su tela. Di sapore bucolico e sereno, la scena ambientata nella campagna al limitare del borgo che si intravvede sulla sinistra, vede una donna e il figlio che, in prossimità di un corso d'acqua, attendono con il cesto del pranzo il pastore con il suo gregge. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice antica.

Paesaggio con Scorcio Fluviale 1906

Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. L'artista di origine romana Cesare Maggi si affermò come paesaggista di stampo divisionista, ritraendo paesaggi alpini engadinesi e valdostani, spesso vivacizzati dall'inserimento di figure e animali. Diventato amico del pittore Giacomo Grosso a Torino nel 1901, si orientò poi con successo verso il genere del ritratto, accantonando la tecnica divisionista. Pur prediligendo ancora le vedute d'alta montagna, ampliò i propri soggetti impegnandosi anche nelle marine e nelle nature morte. In quest'opera, ancora del primo periodo, il Maggi ritrae uno scorcio di campagna attraversata da un calmo fiume, costeggiato da filari d'alberi spogli e da piccoli rilievi erbosi, dietro cui si affacciano i casolari: già non più legata alle dalle tecniche divisioniste, l'opera è caratterizzata piuttosto da impasti di colore densi e opachi, in cui si vanno a sovrapporre la terra, l'acqua i casolari in un continuum rotto solo dalla fascia del cielo sovrastante. L'opera è presentata in cornice in stile.

Paesaggio con Figure

Olio su tela. La grande composizione propone un paesaggio che vede centrale un grande albero. a sormontare con le sue rade frasche la campagna sottostante, traversata da un corso d'acqua e animata da diverse figure di popolani intenti ad attività o a riposo; in alto a destra si erge una fortezza, che domina la vallata. Già attribuito al marchigiano Peruzzini, il dipinto si può ricondurre senz'altro al suo ambito, per i tratti pittorici veloci e poco aggregati. Antonio Francesco si specializzò nella pittura di paesaggio, subendo l'influenza di Salvator Rosa e di paesaggisti come Pietro Montanini e Pandolfo Reschi, e ulteriori influssi gli vennero anche da pittori nordici attivi in Italia, soprattutto da Pieter Mulier detto il Tempesta. Nelle sue prime opere si distingue già l'originalità della sua pittura data una stesura rapida e da un timbro cromatico intenso e brillante. Dal principio degli anni Novanta iniziò il lungo legame artistico di Antonio Francesco Peruzzini con Alessandro Magnasco, in seguito al loro incontro avvenuto a Milano, ove il Peruzzini si era stabilito; da questo periodo in poi la sua pittura sembra sfaldarsi, attraverso forme che si fanno più dinamiche e leggere, quasi fantastiche, per approdare infine ad uno stile improntato ad una sempre maggiore disgregazione delle forme della natura ed al loro movimento. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice in stile.

Olio su tela, applicata su faesite nella seconda metà del '900. Il dipinto riprende i modi pittorici del XVIII secolo, con un taglio decorativo. In un paesaggio tranquillo, con struttura architettonica sulla destra e la verde vallata con il fiume che si apre sulla sinistra, camminano sul sentiero due figure, una donna con il suo involto di panni e il viandante con la bisaccia e il bastone. L'operaè presentata in cronice in stile.

Figura in Riposo 1969

Biro su carta. Firmato in basso a destra. Corredato di autentica su foto dell' Archivio Mario Tozzi. Nell'ampia produzione del maestro Tozzi si trovano molti disegni, come questo qui presentato, eseguiti con tecniche diverse (inchiostro, pastello, matita, sanguigna), dedicati alla figura umana: nel suo stile asciutto e stilizzato, Mario Tozzi tratteggia figurine stilizzate, raffinate nella loro geometria silenziosa e discreta, favorita dall'assenza del colore, che fa risaltare le forme sulla carta bianca Anche nella produzione pittorica i soggetti preferiti di Mario Tozzi sono, classicamente, le figure e le nature morte, ma sia le figure che le nature morte sono un insieme di elementi geometrici solidi, la sfera, il cilindro, il cono, etc. I corpi sono elementari, essenziali nelle linee e nei particolari, possenti, statuari, composti da solidi appena modellati, mentre le nature morte sono una celebrazione della geometria euclidea come le brocche, le ciotole, i fiaschi che sono paradigmi di volumetria e di rigore geometrico. Le composizioni di Mario Tozzi risentono del Cubismo per certi tagli, della Metafisica per certi inserimenti architettonici e dell'Astrattismo per l'inserimento di figure geometriche. L' opera è presentata in cornice.

Il Taglio dei Capelli

Dipinto a succo d'erba su tela. La scena di ambientazione settecentesca, vede una ricca dama ingioiellata che prende il thè con un'amica, mentre un valletto alle sue spalle, si accinge a tagliarle la lunga coda di capelli. Nella scena, probabilmente allegorica, compare anche un putto alato che afferra una ciocca di capelli tagliati, mentre un altro volteggia verso l' alto. La tela necessita di restauro per evidenti strappi e perdita di colore. È presentata in cornice di fine '800.

La Lettura della Missiva

Dipinto a succo d'erba su tela. La scena di ambientazione settecentesca, vede una ricca dama seduta alla sua toilette, che legge una lettera, mentre la cameriera le porge i gioielli da indossare. In alto volteggiano alcuni putti, a dare un significato allegorico alla scena. La tela necessita di pulizia. È presentata in cornice di fine '800.

In Nome della Pace sulla Terra 1969

Olio su tela. Al retro in cirillico la firma, il titolo e la data dell' opera. ViKtor Petrovich Rudametkin è un artista ucraino che si è affermato come paesaggista e colorista. In quest' opera, nelle gamme cromatiche vivaci che gli sono proprie, propone una maternità contadina in mezzo ad un campo di girasoli, simbolo di vita e pace a contrastare le immagini degli aerei militari che sfrecciano nel cielo. Realizzata negli anni in cui l'Ucraina era parte dell' Unione Sovietica, l'immagine può essere pensata come invocazione alla Pace e messaggio di Speranza per la terra natia dell'artista ancora oggi dilaniata dal grave conflitto con la Russia.

Olio su tela. La scena ben esprime il pathos drammatico di un naufragio: sotto un cielo carico di nuvoloni scuri, una barchetta sta affondando al largo, mentre la famiglia del pescatore si mette in salvo sulla costa rocciosa, dove si infrangono bianche onde spumeggianti. L' opera è presentata in cornice dorata coeva.

Olio su tela. Lo scorcio costiero, in prossimità di una insenatura rocciosa in cui scorrono acque torrentizie, vede figure all'approdo delle navi, pronte ad accogliere le imbarcazioni che si stanno avvicinando; in lontananza il profilo della città. Restaurato e ritelato, il dipinto presenta macchie di sporco diffuse soprattutto in corrispondenza del cielo. E' presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola nord-italiana del XVIII secolo. Il paesaggio, ambientato in riva ad un ampio fiume, vede al centro alcune figure di contadini intenti a raccogliere della frutta da un albero: una ragazza regge la scala mentre il ragazzo recide un grappolo, sulla sinistra un'altra coppia depone i frutti raccolti in un mastello. All'intorno una vasta campagna verdeggiante e alcuni casolari. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice in stile.