Mobile a Ribalta Intarsiato

Olio su tela. Scuola nord-italiana dell'inizio XVIII secolo. La scena racconta un episodio della storia d'amore tra la regina d'Egitto e il triumviro romano Antonio: Cleopatra, per dimostrare la sua ricchezza e sedurre il bel generale, allestisce un sontuosissimo banchetto, durante il quale sceglie una perla di inestimabile valore e la scioglie nell'aceto, offrendo poi la bevanda, considerata un potente afrodisiaco, ad Antonio. Questo bel dipinto rappresenta la bella regina a mezzo busto, seducente nel gioco di nudità rivestita di gioielli preziosi e drappeggiata in ricchi tessuti, mentre sta per immergere una grossa perla in un calice: alla sua sinistra il volto di Antonio che la fissa allibito, fissato in un gesto delle mani che esprime lo stupore per essere il beneficiario di tale atto estremo, a destra alcune ancelle, ammirate e stupite. Spicca al centro il biancore dell'incarnato di Cleopatra, mentre le altre figure sfumano ai lati nell'ombra, apoteosi quindi della bellezza. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola veneta del XVII-XVIII secolo. Al retro è presente etichetta della Galleria d'Arte Di Rosa, che attribuisce l'opera a "Scuola veneta del 1600". La grande scena, ricca di figure e molto movimentata nell'intreccio e sovrapposizione deic orpi, , racconta l'episodio del Vangelo di Giovanni in cui una donna colta in adulterio è portata dinanzi a Gesù da scribi e Farisei per conoscere il suo parere circa la sua condanna a lapidazione. Gesù, mentre scrive per terra con un dito, sollecita alla misericordia i suoi interlocutori con la frase "Chi è senza peccato, scagli la prima pietra", salvando in tal modo la donna dalla condanna a morte e lasciandola libera di andare, con l'esortazione a non peccare più. Il soggetto è stato ampiamente riproposto nell'arte, con sguardi diversi sui personaggi. In questo dipinto in posizione centrale è la donna, ma le tutti i personaggi altri che le stanno intorno, fanno convergere lo sguardo verso il basso, verso la mano con cui Gesù, accovacciato, sta scrivendo per terra; sia il volto che il braccio destro della donna sono praticamente paralleli a quelli del Cristo, come se seguissero e si uniformassero alla direzione che Gesù le indica. Nelle altre numerose figure domina la curiosità, l'intento di capire, l'interrogativo che Gesù suscita con la sua domanda, rappresentato in molteplici varianti espressive sia dei visi che dei corpi; curioso il particolare delle lenti - gli occhiali del sacerdote di cui sbuca la testa dietro la donna e la lente d' ingrandimento della figura accovacciata a sinistra in secondo piano - che ben due figure utilizzano per "vedere meglio" ciò che succede. Le modalità pittorica ed interpretativa del dipinto richiamano la produzione veneta vicina a Girolamo Brusaferro (1677 – 1745), l'artista veneziano la cui pittura rappresenta la via mediana tra la grande tradizione della pittura tardo barocca affine a Luca Giordano e l'innovativa sensibilità coloristica tipica della grazia settecentesca. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice coeva, in legno intagliato, stuccato e laccato.

Olio su tela. Scuola nord-italiana del XVII-XVIII secolo. Al retro presente etichetta di Galleria d'arte con indicazione "Scuola veneta del 1600". E' raffigurato l'episodio evangelico delle deposizione di Cristo dalla Croce. Il corpo di Gesù, che spicca bianco per il pallore della morte ma anche a simbolo della sua purezza, spicca al centro tra le altre figure, unico inerte in mezzo agli altri personaggi. Le sue braccia ancora aperte mentre viene staccato dalla Croce, costituiscono un tramite tra le due figure di Maria e Giovanni in piedi sotto di Lui, e il cielo. Intorno diverse figure che coralmente creano movimento, intrecci, di forme e colori. L'opera restaurata e ritelata, è presentata in cornice coeva, in legno intagliato, stuccato e laccato.

Olio su tavola. Scuola nord-italiana (veneta?) del XVIII secolo. La sagoma della tavola suggerisce che il dipinto facesse parte di un allestimento d'arredo, inserita in una composita struttura parietale insieme ad altre scene a soggetto mitologico-allegorico. Il dipinto rappresenta un episodio mitologico narrato nelle Metamorfosi di Ovidio: Mercurio si accinge a far addormentare Argo con le melodie suadenti del suo flauto, per poi ucciderlo su comando di Giove. Argo, il pastore dai cento occhi e dotato di grande forza, era stato incaricato da Giunone di sorvegliare la giovane Io, amata da Giove e da lui trasformata in giovenca. In questa rappresentazione, collocati all'interno di un paesaggio bucolico, si identificano Mercurio dal cappello e i calzari alati, mente suona il suo flauto, e Argo seduto a sorveglianza della bianca giovenca alle sue spalle: come in molte rappresentazioni di questo mito, anche in opere di grande fama, Argo è raffigurato come un semplice pastore, senza i cento occhi e senza doti speciali. La dimensione bucolica più che drammatica, sottolinea l' intento decorativo del pannello, che vuole evocare leggerezza piuttosto che pathos. L'opera è in buone condizioni.

Italia Metà '700

Coppia di portareliquie in legno intagliato e dorato con decori a volute e motivi vegetali,

XVIII Secolo - dal 1701 al 1800

Gruppo di cinque mantici da camino in varie essenze di legno con parti in pelle e metallo. Da evidenziare l'intarsio con motivi vegetali e animali e la decorazione a chinoiserie su lacca nera. Alcune parti in pelle presentano una raffinata decorazione a volute fogliacee. Tre mantici sono del XVIII secolo, due del XIX.

XVIII Secolo - dal 1701 al 1800

Coppia di alari da camino in ferro battuto e bronzo.

Barocco Italia Primi '700

Cornice da appoggio in legno intagliato e dorato a mecca con specchio. Decoro a volute fogliacee.

Veduta della Badia Fiorentina

Acquaforte acquarellata. In basso a sinistra la dicitura "Ios. Zocchi del.", a destra "Vincen. Franceschini Firenze". Si tratta di veduta tratta da "Scelta di XXIV Vedute delle principali contrade, piazze, chiese, e palazzi della Città di Firenze" , raccolta in 24 fogli incisi su disegni di Giuseppe Zocchi per conto del Marchese Andrea Gerini e pubblicata a Firenze in tre edizioni fra il 1744 ed il 1757. Quella eseguita da Vincenzo Franceschini corrisponde alla seconda edizione, pubblicata nel 1754. Tutta la produzione dello Zocchi, che ebbe un successo internazionale di grande rilievo, rappresenta un documento prezioso di immagini di architetture, giardini e campagne dell' Italia del secolo dei lumi, grazie all'accuratezza e precisione delle riproduzioni. La stampa è presentata in cornice.

Barocco Italia Primi '700

Portareliquie in legno finemente intagliato e dorato con decori di gusto barocco. La reliquia non coeva, XIX secolo, presenta al centro un piccolo dipinto raffigurante Madonna con Bambino.

XVIII Secolo - dal 1701 al 1800

Coppia di alari da camino in ferro battuto.

XVIII Secolo - dal 1701 al 1800

Gruppo di quattro fregi in legno intagliato e laccato di gusto barocco.