ARTE, DIPINTI, QUADRI E SCULTURE ANTICHE E CONTEMPORANEE - pagina 2

Olio su tela. Il ritratto deriva da quello a mezza figura dipinto nel 1725 ca. da Ilario Spolverini (1657 -1734) e conservato presso La Rocca Sanvitale di Fontanellato. Antonio Farnese (1679 -1731) fu l'ottavo duca di Parma e Piacenza, nonchè l'ultimo dei Farnese, che ebbe scarse capacità politiche e amministrative e non fu in grado di occuparsi dell'amministrazione dello stato e di porre qualche riparo al suo enorme deficit finanziario; ; i suoi sudditi erano gravati da tasse dissanguatrici, mentre la corte continuava a indebitarsi con i banchieri genovesi. Il dipinto necessita di restauro per cadute di colore e due piccoli fori in basso. È presentato in cornice coeva.

Olio su tavola. Firmato in basso a destra R.lo Pellegrini. Si tratta probabilmente di opera di Romolo Pellegrini, vissuto a cavallo tra il XIX e il XX secolo, autore di paesaggi e nature morte dai colori delicati. Qui è presentata una luminosa campagna pianeggiante, con un gregge di pecore che pascola nei prati, vigilato dal pastore. L' opera è presentata in cornice coeva, con mancanze.

Olio su tela. Scuola fiamminga del XVII secolo. Al retro è presente cartiglio da collezione. In un paesaggio collinare di rocce e macchie d'alberi, sovrastante un piccolo borgo sulla sinistra, scorre un torrente a formare una cascata spumeggiante; sulle rive alcune figure di contadini in transito o in conversazione; sulla destra spicca l'uccello dalla lunga coda, posato su un arbusto secco. Sullo sfondo, le colline sfumano nel cielo denso di nuvoloni. Il dipinto è presentato in cornice di fine '800 ridorata.

Olio su tela. Firma non identificata in basso a destra (Terzaghi?). La scena rappresenta Cristoforo Colombo che si presenta al Convento de la Rabida in Andalusia accompagnato dal figlioletto Diego. In tale convento francescano il navigatore fu accolto fu accolto nel 1490, dopo aver ricevuto la notizia che i Re Cattolici avevano respinto la sua richiesta di avviare una spedizione diretta alle Indie. Con l'intervento del priore e confessore della regina Isabella, Juan Pérez, Colombo ottenne che si ascoltasse il suo progetto. Il dipinto è presentato in cornice di fine '800.

Olio su tela, applicata a tavola. Scuola veneta del XVII secolo. Il dipinto guarda ai modi di Paolo Veronese (si veda il suo dipinto conservato alla National Gallery), che fu ampiamente ripreso: è la stessa la disposizione delle figure secondo una linea obliqua ascendente che va a raggiungere sulla sinistra la sacra Famiglia, verso cui convergono tutti gli sguardi; così come simile è lo sfondo dell'arco marmoreo dietro il quale si apre un ampio paesaggio. IL dipinto è presentato in cornice dorata di fine '800.

Olio su rame. Il santo, appoggiato ad un bastone, vestito del saio marrone-grigio stretto in vita da un rosario a grossi semi di legno, è in riva al mare e guarda verso gli angeli che volteggiano in alto, recando uno stemma con la scritta Charitas. Secondo la tradizione, egli ricevette mentre pregava tale visione, che gli porgeva lo scudo con le parole “Questo sarà lo stemma del tuo Ordine”. Fondatore dell' Ordine dei Minimi, è il patrono della Calabria e di numerose città marittime del Sud Italia, oltre che patrono della Gente di mare, perchè la leggenda gli attribuì il miracolo di aver placato una tempesta, salvando le imbarcazioni. Il piccolo dipinto è presentato in cornice in stile.

Rebecca al Pozzo

Olio su tela. La scena racconta un episodio biblico tratto dal libro della Genesi: Eliezer, servo di Abramo, viene mandato da quest'ultimo in cerca di una moglie per il figlio Isacco. Presso un pozzo, Eliezer incontra una giovane donna, Rebecca, che gli offre un po' dell'acqua che aveva appena attinto per sé e per i suoi cammelli. Il servo interpreta questo gesto di gentilezza come un segno divino e propone proprio lei come sposa per Isacco. Soggetto ampiamente rappresentato, vede in quest'opera la figura della giovane Rebecca spiccare al centro, intenta a porgere al servo Eliezer l' otre pieno d'acqua, mentre all' intorno i servi e le serve osservano la scena. L'opera, già ritelata e restaurata, è presentata in cornice a listello.

Olio su tela. L'ampio paesaggio di campagna, molto luminoso e ampio, a lasciar spaziare lo sguardo verso le lontane cime azzurrate, propone al centro un corso d'acqua ruscellante ,al quale si abbeverano pecore e buoi; sul sentiero a sinistra, in primo piano, transita una coppia in abiti classicheggianti. La tela presenta richiede intervento di restauro e consolidamento del colore, per alcune cadute di colore, prevalentemente a sinistra. È presentata in cornice in stile, di fine '800.

Olio su tela. Scuola centro-europea del XIX secolo. La grande scena è ambientata presso le rive di un fiume, che scorre in prossimità di un villaggio ed è traversato da un ponticello in legno. Sulle rive, in primo piano, una donna lava i panni, un pastore abbevera le sue bestie ed un viandante osserva le figure, riposandosi appoggiato al suo bastone. Luminoso e sereno, il dipinto è di impatto scenografico. Resaurto e ritelato, è presentato in cornice in stile.

Testa Femminile

Tempera su tavola. Il dipinto raffigura una figura femminile a mezzo busto; indossa un abito rosso sopra una tunica chiara, mentre sulla spalla destra è poggiato un drappo verde. I capelli rossi sono raccolti con una scriminatura centrale e sono in parte coperti da un copricapo candido; il viso pieno presenta un'espressione assorta: lo sguardo pensieroso, le sopracciglia arcuate e le labbra lievemente corrucciate. L'opera è una delle numerose derivazioni da un affresco andato perduto di Andrea del Sarto, realizzata nel 1522 per un tabernacolo collocato in prossimità di Porta Pinti a Firenze e di esistenza documentata fino al 1880 seppur in condizioni precarie. Tra le fonti documentarie di tale opera, in particolare il Vasari ricorda l'affresco come una "Madonna con Bambino e San Giovannino" e, assiduo frequentatore della bottega del Sarto, specifichi come il volto della Madonna abbia avuto come modello quello della moglie dell'artista, Lucrezia di Baccio della Fede. Delle numerose derivazioni, molte riproducevano fedelmente le figure e variavano lo sfondo. Qui è riprodotto solo il volto della Madonna, ma fedele nei tratti fisiognomici, nell'espressione, nell'atteggiamento alle altre copie documentate, così come è conservata la tavolozza acida, espressione del gusto manierista cinquecentesco di cui il Del Sarto si fece promotore. L'opera è presentata in cornice antica, modiicata per adattare le dimensioni. maggiori.

Olio su tela. Scuola italiana di fine '700 -inizio '800. Il paesaggio di gusto romantico vede un fiume scorrere tra rive rocciose sormontate da alberi frondosi; sulla riva, in primo piano a sinistra, due pescatori gettano la lenza in una polla d'acqua ferma creata da una piccola insenatura. Il dipinto porta sulla cornice un' etichetta attributiva a Domenico Pecchio (1693 -1760). Restaurato, è presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola veneta di fine '600- inizio '700. All' interno di un grande paesaggio classico, ricco di vegetazione e con atmosfere rosate, si trova un piccolo manipolo di soldati: alcuni, a riposo sopra un roccione affacciato su un corso d'acqua, guardano uno di loro che si bagna ,dopo aver deposto l'armatura nell'acqua. La rela è stata presentata in asta Lempertz nel 2017 con attribuzione ad Andrea Locatelli (1695 -1741) e stima di 7/9 mila €; i modi pittorici dell' opera paiono peraltro più vicini a quelli di Marco Ricci (1676 -1730), ampiamente ripresi anche da altri autori dell'ambito veneto. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice dorata di fine '800.

Olio su tela. Sulla tela originaria, attualmente coperta dalla ritelatura, erano scritti in francese i dati relativi all'uomo ritratto, segnalati attualmente da documentazione fotografica allegata. Il personaggio è identificato in Thiard Conte di Bragny, ritratto all'età di 38 anni, nel 1702. Il nobiluomo è ritratto in armatura, decorata con l'onorificenza dell'ordine reale militare di Saint-Luis (nome completo Chevalier de l'Ordre de Sait-Louis), un ordine cavalleresco militare francese fondato a Versailles da Luigi XIV il 5 aprile 1693 e intitolato a San Luigi (Luigi IX). Era riservato come premio agli ufficiali meritevoli. Il dipinto, restaurato e ritelato, è presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Inserita in un paesaggio classico, ricco di vegetazione, la scena rappresenta l'episodio biblico tratto dal libro della Genesi che racconta come il popolo di Israele che sta attraversando il deserto del Sinai per raggiungere la Terra promessa, si ritrovi senza acqua: Mosè invoca l'aiuto di Dio e compie il miracolo di far scaturire acqua da una roccia. Nella scena il popolo di Israele esulta e festeggia il miracolo, accorrendo a bagnarsi e dissetarsi nella pozza d'acqua evocata da Mosè, che si intravvede in piedi a sinistra del tronco secco in primo piano, simbolo dell'aridità della terra. Le fronde degli alberi mosse da un forte vento e il cielo carico di nubi scure che cominciano a squarciarsi, evocano la presenza di Dio. Le molteplici figure, rese con dettagli accurati, creano movimento e azione. Tale dipinto risulta già presentato in asta Lempertz con attribuzione a Giovanni Ghisolfi (1623 -1683), artista che sviluppò una perfetta combinazione tra passato e modernità, grazie ad un profondo interesse per il classicismo, reso però con efficace precisione prospettica nel paesaggio e grande precisione dei dettagli nelle figure. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice dorata di fine '800.

Olio su tela. Scuola francese del XVII secolo. La scena, ambientata di notte nel giardino di una villa, di cui si intravvede la facciata ornata a destra e nel quale spicca la fontana zampillante con putti, sotto un cielo buio e oscurato ulteriormente da nubi gravi, propone due figure che si intrattengono in conversazione: un anziano vestito modestamente sta ammonendo severamente un giovane seduto, riccamente abbigliato, che pare invece fare con la mano il gesto del mea culpa. La fisionomia e la gestualità dei due personaggi, insieme alla foggia degli abiti, rimanderebbero al filosofo Aristotele che fu chiamato alla corte di Macedonia per fare da precettore al giovane Alessandro, il futuro re noto poi come Alessandro Magno: secondo quanto raccontato da Plutarco nelle sue “Vite Parallele”, il giovane Alessandro fu un allievo brillante, tanto che fu iniziato anche alle dottrine aristoteliche più profonde ed esoteriche, da cui deriverebbe l'alone di mistero e profonda interiorità che traspare nell'opera qui presentata. Il dipinto è stato restaurato e ritelato. E' presentato in cornice in stile. Il dipinto, restaurato

Olio su tela. In alto a destra sono indicati il nome dell'uomo ritratto e la sua età, 78 anni. L'abito dell'uomo e l'atteggiamento di preghiera, davanti al Crocifisso, con in mano il libro di meditazione, lo identificano in un prelato. Il cognome Albertoni è ampiamente diffuso in Italia, in diverse casate che partirono dalla Lombardia per estendersi al parmense e poi sino a Roma. Il dipinto, restaurato e ritelato, è presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola nord-italiana del XVII-XVIII secolo. L'opera di carattere devozionale, vede la Madonna, assisa sulle nubi e assistita da due angeli che le sorreggono le vesti, è venerata da due santi, in ginocchio ai suoi piedi: a destra la giovane donna in abiti principeschi, ai cui piedi è poggiata una corona regale, rimanda ad Elisabetta d'Ungheria; a sinistra, il santo che tiene in braccio il Bambin Gesù è identificabile in San Gaetano da Thiene. Particolare è il gioco di sguardi tra i vari personaggi, che si intrecciano insieme alle posizioni e ai gesti, a creare un movimento quasi circolare. Il dipinto è stato restaurato e ritelato. E' presentato in cornice antica ridorata ad inizio '900, con attuali diverse mancanze (da restaurare).

Senza Titolo 1958

Olio su tela. Firmato e datato in basso a destra. L'opera di forte impatto emotivo, propone uno sfondo quasi monocromatico viola, in cui si inseriscono pochi tratti in bianco e nero a definire una sagoma rannicchiata a sinistra, forse una forma umana, raccolta e chiusa su se stessa. Nato nel 1934 a Viareggio, dove vive tuttora, il pittore e scultore Mario Francesconi è considerato uno dei pochi superstiti del Dadaismo, che dalla fine degli anni Cinquanta ha attraversato le stagioni dell'arte italiana ed europea in una ricerca spiccatamente personale di forme e di tecniche. A partire dalla sua prima personale nel 1959 sviluppa un percorso artistico che attraversa diverse fasi, spesso riconducibili alla passione per le materie povere e di recupero. La sua attività artistica si muove tra gli ambiti della pittura, della scultura, del collage e dell'installazione e confina con gli adiacenti ambiti della poesia e della letteratura, anche grazie ad amicizie e rapporti professionali con alcune tra le più significative figure del mondo intellettuale italiano della seconda metà del secolo scorso, da Emilio Villa a Cesare Garboli, da Leonardo Sciascia a Mario Luzi, da Cesare Zavattini a Pier Paolo Pasolini, da Alfonso Gatto a Sandro Penna a Venturino Venturi. L'opera è presentata in cornice.