Gruppo di Cinque Orologi Swatch Atlanta - Svizzera 1996

Olio su tela. Scuola centro-europea della prima metà del XIX secolo. Il dipinto fa riferimento ad una grafica di Johann Gottfried Haid (1704 -1767), incisore tedesco noto per le sue copie a mezzatinta di opere di grandi maestri. L'opera originale è riconducibile probabilmente ad Antonio Mercurio Amorosi (1660 -1738), noto per i ritratti di personaggi popolari di stile "bambocciante". Il nostro dipinto presenta diverse piccole differenze dalla grafica di riferimento. Ancora in prima tela, è presentato in cornice di metà '900.

Adorazione dei Pastori

Olio su tela. Composizione più volte replicata dai seguaci e allievi della scuola bassanesca, in particolare da un'opera di Jacopo Bassano (1515 -1592). Nella scena originale, qui ripresa con fedeltà alla composizione delle figure ma non ai colori, il Bassano aveva affrontato il tema da un lato rispettando la tradizione, dall'altro introducendo innovazioni. Fanno infatti da quinta scenica delle rovine archeologiche, elemento frequente nell'iconografia italiana della Natività. Qui si vede una fila di colonne spezzate su un alto piedistallo, sul modello dei templi greci, cui è addossata una capanna. L'insolita struttura architettonica simboleggia il superamento del paganesimo e la costruzione della chiesa cristiana, di cui la nascita di Gesù è il primo atto di fondazione. I pastori occupano il centro della scena, e se non ci fosse il lato sinistro del quadro, potrebbe sembrare una scena di genere a carattere agreste. Il pastore di spalle è inginocchiato, mostra i piedi nudi, a ricordare la sua estrema umiltà, e trattiene un agnello, animale sacrificale per eccellenza, riferimento alla futura Passione di Cristo. All'estrema destra, un curioso inserto: un ragazzino accovacciato che soffia su un tizzone ardente, nell'inutile sforzo di ravvivare una fiammella. In questa replica spiccano i colori gialli e rossi delle vesti dei due pastori al centro e del ragazzino a destra, che prevalgono per vivacità anche sulle figure della Sacra Famiglia ed emergono dalle tinte ocra del paesaggio e delle strutture architettoniche di sfondo. Il dipinto è stato restaurato e ritelato nel XIX secolo, con sostituzione del telaio.(su di esso è presente scritta coeva in inglese, probabilmente indirizzi di esportazione). È presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Datata al retro 1759. Il dipinto è copia dell' opera di Federico Barocci (1563 -1612) creata tra il 1583 e il 1586, conservata presso la chiesa di Santa Maria in Vallicella a Roma. L' opera ebbe un grandissimo successo e fu ripetutamente replicata da numerosi artisti dell'ambito o della stessa bottega del Barocci; ad esempio la copia dell' allievo Viviani, detto il Sordo di Urbino (anche Barocci era urbinate), conservata presso la Galleria Nazionale delle Marche di Urbino. La scena raffigurata è intrisa di grande intimità e tenerezza: la Vergine Maria è accolta con un abbraccio dalla anziana cugina Elisabetta sulle scale che precedono l'ingresso. Le mani si stringono e gli sguardi si incontrano. Appena dietro Zaccaria, marito di Elisabetta, osserva stando sulla soglia e sporgendosi un po' per meglio vedere. In primo piano vi sono altri due personaggi, dues ervitori: l'uomo a sinistra è intento a raccogliere il sacco di Maria e a prendersi cura dell' asinello che ha trasportato la giovane donna, mentre sulla destra una donna osserva sorridendo l'incontro delle due cugine, portando un colombo in un cesto. Sul retro della tela compare una scritta autografa in inglese, coeva all' epoca del dipinto :"Giovanni B. Tiepolo, 1759, The Visitation": probabilmente l'autore della replica confuse il nome dell'artista dell' originale, attribuendolo all' artista veneziano. Il mercato inglese era fortemente interessato all' opera originale, tanto da tentarne l'acquisto a metà '700, e ciò favorì il proliferare delle repliche. Il dipinto, ancora in prima tela, è presentato in cornice di fine '800.

Marina con Barche e Figure

Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. Figlio d'arte, Cesare Gheduzzi si affermò come paesaggista. Pur vivendo a Torino, egli frequentò a lungo la Riviera ligure, realizzando ampie vedute di mare, paesaggi costieri e pescatori all'opera, che riprodusse con fedeltà ed eleganza, pur privilegiando i colori freddi per creare un distacco emotivo e privilegiare l'effetto scenografico (ereditato dal padre che fu scenografo per il Teatro Regio di Torino). È presentato in cornice coeva.

Scena con Guardie in Città, 1875

Olio su tela. Firmato e datato in basso a sinistra. Il pittore inglese George Goodwin Kilburne si specializzò nelle scene di genere ambientate nella vita della alta borghesia vittoriana, con scene di caccia, scene di salotto, tutte caratterizzate da eleganza, dalla minuzia dei dettagli soprattutto delle figure femminili. Nel 1875 Kilburne soggiornò alcuni mesi a Roma, per poi viaggiare in altre città italiane ed europee. La scena qui raffigurata, propriamente del 1875, pare collocata proprio a Roma: presso un punto di guardia in città, come ben spiega lo scorcio urbano che si vede dal portone aperto, si riposano alcuni militari che indossano l'uniforme delle guardie vaticane. L'opera è presentata in cornice di fine '800- inizio '900.

Olio su tela. La scena del noto episodio evangelico dell' adorazione dei Magi è collocata in un' ambientazione inusuale: la Sacra Famiglia non è in una capanna o una stalla, ma davanti ai resti architettonici di un' imponente costruzione marmorea; collocata sopra un collina, vede sullo sfondo aprirsi un paesaggio piano ricco di vegetazione e abitato da borghi con numerosi campanili. Le figure dei re e della famiglia sono raffigurate con delicatezza di tratti, colori vivaci ma sfumati, particolari dettagliati ; peraltro nell'angolo destro della scena compare una figura emaciata, povera, indistinta, un mendicante che, nascosto nell' ombra del palazzo, si inchina ad omaggiare il piccolo Gesù, alla pari con i ricchi e potenti re nella sua umile devozione. Al retro della tela vi sono tracce di piccoli restauri. In basso a destra è presente un leggero taglio. L'opera è presentata in cornice in stile.

Gesù sul Cammino del Calvario

Olio su tela. L' opera è una replica di quella eseguita da Pierre Mignard e donata a Luigi XIV, conservata oggi al museo del Louvre di Parigi. La drammatica scena è ambientata subito fuori delle mura di Gerusalemme; un corteo di persone accompagna Gesù nella sua salita al Calvario, che si intravvede sullo sfondo a destra, con già le croci dei due ladroni erette. Invece la Croce del Cristo è trasportata da Simone il Cireneo, obbligato dalle guardie dopo l' ennesima caduta di Gesù, che viene rudemente sollecitato con un flagello ad alzarsi. Davanti al Cristo camminano legati i due ladroni, accompagnati da alcuni servitori; sulla sinistra il gruppo delle pie donne che accompagnano e sostengono Maria, affranta dal dolore. Contrapposto a questo gruppo, vi è sulla destra un altro gruppo di donne del popolo, che assistono in atteggiamento di pietosa compassione, distogliendo lo sguardo dei figlioletti dallo spettacolo terribile. Il paesaggio di sfondo è aspro e brullo, sotto un cielo che si sta caricando di nuvoloni grigi e cupi. L'opera è stata restaurata e ritelata a metà '900., e montata su un telaio nuovo. È presentata in cornice in stile.

L'ultima Cena 1962

Olio su tela. Firmato e datato in basso a sinistra Al retro è presente manoscritta e firmata dall'a rtista, una preghiera a Gesù in portoghese. Malangatana fu un artista ( poeta, pittore, musicista) mozambicano, nonchè attivista politico per il suo paese. L'opera appartiene al primo periodo artistico di Malangatana, il cui impegno politico non era ancora manifesto, e riprende il soggetto dell' ultima cena già da lui affrontato altre volte negli stessi anni. In tale soggetto religioso, Malangatana ben rivela la sua vicinanza alla cultura rituale e tribale del suo paese, ma anche la conoscenza della religione nonchè quella dell' arte occidentale, sia nella composizione delle figure che guardano agli analoghi soggetti occidentali, sia nelle composizioni degli oggetti, in particolare i numerosi e variegati elementi che riempiono la tavola, con al centro un canestro di frutta, che rimandano alle nostre Nature morte. Le sue figure sono presentate come corpi sovrapposti e intrecciati, e dominati dai volti, in cui spiccano gli occhi lunghi, dalle espressioni penetranti, che diventeranno poi sguardi tormentati e sofferenti, simbolo della sofferenza di un popolo oppresso.

Scena di Battaglia 1871

Olio su tela. Firmato e datato in basso a destra. Il pittore svizzero Charles Humbert realizzò soprattutto paesaggi animati da mandrie al pascolo, ma anche diverse scene di battaglia, comunque caratterizzate da un manierismo realistico, per lo studio attento del particolare veristico inserito in una visione ancora romantica dell'insieme. L'opera è presentata in cornice in stile.

Colombe 1976

Matite su carta. Firmato e datato in basso a sinistra. Floriano Bodini, noto scultore, incisore e medaglista, considerato una delle anime del Realismo Esistenziale, nel corso della sua carriera si è dedicato anche alla grafica. Nella sua produzione ricorrono soggetti - Vescovi, Cardinali, Requiem, Papi, Colombe, Amboni - che esprimono pensiero, trepidazione, talvolta inquietudine, ma anche affidamento, fiducia e fede. La colomba in particolare ha rappresentato per Bodini un elemento iconografico costante nella sua ricerca artistica, tema presente in modo assiduo in tutta la sua produzione, non solo grafica, fin dalla fine degli anni Sessanta, fino all'ultimo esempio datato 2004 considerato emblematicamente l'ultimo suo lavoro incisorio. L'interesse per questa immagine è confermato tra l'altro dalla sua collezione di oggetti che ritraggono colombe o di cui richiamano la forma. Frutto di una ricerca ricca di stimoli provenienti da fonti diverse, colte e popolari, la scelta di tale immagine non è mai stata banalizzata, ma ha sempre mantenuto una sua alta dignità simbolica e formale. L'opera qui proposta è presentata in cornice.

Olio su tavola. Scuola centro-europea di metà XIX secolo. L'opera deriva da quella di Christian Wilhelm Ernst Dietrich (1712 -1774), oggi conservata alla National Gallery di Londra, creata nel 1745 dal pittore tedesco guardando ai modi pittorici dell' artista fiammingo Adriaen Van Ostade, pittore di scene di vita quotidiana. Il dipinto di Dietrich divenne noto attraverso l'incisione che fu realizzata da Jean George Wille. Nella scena, inquadrata sotto un arco di accesso ad una abitazione, sono raffigurati in primo piano due di musicanti da strada, che suonano il violino e la cornamusa, accompagnati da diversi passanti curiosi. L'opera è presentata in cornice di inizio '900.