Scena di Genere a Corte

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Antonio Zavaga fu un pittore italiano a cavallo tra XIX e XX secolo, specializzato in pittura in stile settecentesco, prevalentemente di ambiente galante e salottiero. Anche la scena di quest' opera è ambientata in un ricco salone di gusto settecentesco: una dama e un cavaliere siedono al tavolino giocando a scacchi, mentre la dama di compagnia porta il tè e un altro cavaliere osserva divertito. L'opera è presentata in cornice dipinta di fine '800- inizio '900.

Olio su tela. La scena corrisponde ad una stazione della Via Crucis, durante la quale Gesù cade sotto il peso della pesante croce, che trasporta sulle spalle salendo verso il Golgota. Il Cristo, piegato a terra, lo sguardo basso e mesto, è incalzato dalle guardie, che lo pungolano con i bastoni delle lance, e uno lo strattona con la corda che gli ha legato in vita; un popolano guarda fflitto Gesù, mentre sorregge il pesante legno. Il dipinto presenta tracce di restauro pregresso ed è stato ritelato. È presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola centro-europea della prima metà del XIX secolo. Il dipinto fa riferimento ad una grafica di Johann Gottfried Haid (1704 -1767), incisore tedesco noto per le sue copie a mezzatinta di opere di grandi maestri. L'opera originale è riconducibile probabilmente ad Antonio Mercurio Amorosi (1660 -1738), noto per i ritratti di personaggi popolari di stile "bambocciante". Il nostro dipinto presenta diverse piccole differenze dalla grafica di riferimento. Ancora in prima tela, è presentato in cornice di metà '900.

Adorazione dei Pastori

Olio su tela. Composizione più volte replicata dai seguaci e allievi della scuola bassanesca, in particolare da un'opera di Jacopo Bassano (1515 -1592). Nella scena originale, qui ripresa con fedeltà alla composizione delle figure ma non ai colori, il Bassano aveva affrontato il tema da un lato rispettando la tradizione, dall'altro introducendo innovazioni. Fanno infatti da quinta scenica delle rovine archeologiche, elemento frequente nell'iconografia italiana della Natività. Qui si vede una fila di colonne spezzate su un alto piedistallo, sul modello dei templi greci, cui è addossata una capanna. L'insolita struttura architettonica simboleggia il superamento del paganesimo e la costruzione della chiesa cristiana, di cui la nascita di Gesù è il primo atto di fondazione. I pastori occupano il centro della scena, e se non ci fosse il lato sinistro del quadro, potrebbe sembrare una scena di genere a carattere agreste. Il pastore di spalle è inginocchiato, mostra i piedi nudi, a ricordare la sua estrema umiltà, e trattiene un agnello, animale sacrificale per eccellenza, riferimento alla futura Passione di Cristo. All'estrema destra, un curioso inserto: un ragazzino accovacciato che soffia su un tizzone ardente, nell'inutile sforzo di ravvivare una fiammella. In questa replica spiccano i colori gialli e rossi delle vesti dei due pastori al centro e del ragazzino a destra, che prevalgono per vivacità anche sulle figure della Sacra Famiglia ed emergono dalle tinte ocra del paesaggio e delle strutture architettoniche di sfondo. Il dipinto è stato restaurato e ritelato nel XIX secolo, con sostituzione del telaio.(su di esso è presente scritta coeva in inglese, probabilmente indirizzi di esportazione). È presentato in cornice in stile.

Marina con Barche e Figure

Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. Figlio d'arte, Cesare Gheduzzi si affermò come paesaggista. Pur vivendo a Torino, egli frequentò a lungo la Riviera ligure, realizzando ampie vedute di mare, paesaggi costieri e pescatori all'opera, che riprodusse con fedeltà ed eleganza, pur privilegiando i colori freddi per creare un distacco emotivo e privilegiare l'effetto scenografico (ereditato dal padre che fu scenografo per il Teatro Regio di Torino). È presentato in cornice coeva.

Scena con Guardie in Città, 1875

Olio su tela. Firmato e datato in basso a sinistra. Il pittore inglese George Goodwin Kilburne si specializzò nelle scene di genere ambientate nella vita della alta borghesia vittoriana, con scene di caccia, scene di salotto, tutte caratterizzate da eleganza, dalla minuzia dei dettagli soprattutto delle figure femminili. Nel 1875 Kilburne soggiornò alcuni mesi a Roma, per poi viaggiare in altre città italiane ed europee. La scena qui raffigurata, propriamente del 1875, pare collocata proprio a Roma: presso un punto di guardia in città, come ben spiega lo scorcio urbano che si vede dal portone aperto, si riposano alcuni militari che indossano l'uniforme delle guardie vaticane. L'opera è presentata in cornice di fine '800- inizio '900.

Olio su tela. La scena del noto episodio evangelico dell'adorazione dei Magi è collocata in un' ambientazione inusuale: la Sacra Famiglia non è in una capanna o una stalla, ma davanti ai resti architettonici di un'imponente costruzione marmorea; collocata sopra un collina, vede sullo sfondo aprirsi un paesaggio piano ricco di vegetazione e abitato da borghi con numerosi campanili. Le figure dei re e della famiglia sono raffigurate con delicatezza di tratti, colori vivaci ma sfumati, particolari dettagliati ; peraltro nell'angolo destro della scena compare una figura emaciata, povera, indistinta, un mendicante che, nascosto nell' ombra del palazzo, si inchina ad omaggiare il piccolo Gesù, alla pari con i ricchi e potenti re nella sua umile devozione. Al retro della tela vi sono tracce di piccoli restauri. In basso a destra è presente un leggero taglio. L'opera è presentata in cornice in stile.

Gesù sul Cammino del Calvario

Olio su tela. L' opera è una replica di quella eseguita da Pierre Mignard e donata a Luigi XIV, conservata oggi al museo del Louvre di Parigi. La drammatica scena è ambientata subito fuori delle mura di Gerusalemme; un corteo di persone accompagna Gesù nella sua salita al Calvario, che si intravvede sullo sfondo a destra, con già le croci dei due ladroni erette. Invece la Croce del Cristo è trasportata da Simone il Cireneo, obbligato dalle guardie dopo l' ennesima caduta di Gesù, che viene rudemente sollecitato con un flagello ad alzarsi. Davanti al Cristo camminano legati i due ladroni, accompagnati da alcuni servitori; sulla sinistra il gruppo delle pie donne che accompagnano e sostengono Maria, affranta dal dolore. Contrapposto a questo gruppo, vi è sulla destra un altro gruppo di donne del popolo, che assistono in atteggiamento di pietosa compassione, distogliendo lo sguardo dei figlioletti dallo spettacolo terribile. Il paesaggio di sfondo è aspro e brullo, sotto un cielo che si sta caricando di nuvoloni grigi e cupi. L'opera è stata restaurata e ritelata a metà '900., e montata su un telaio nuovo. È presentata in cornice in stile.

L'ultima Cena 1962

Olio su tela. Firmato e datato in basso a sinistra Al retro è presente manoscritta e firmata dall'a rtista, una preghiera a Gesù in portoghese. Malangatana fu un artista ( poeta, pittore, musicista) mozambicano, nonchè attivista politico per il suo paese. L'opera appartiene al primo periodo artistico di Malangatana, il cui impegno politico non era ancora manifesto, e riprende il soggetto dell' ultima cena già da lui affrontato altre volte negli stessi anni. In tale soggetto religioso, Malangatana ben rivela la sua vicinanza alla cultura rituale e tribale del suo paese, ma anche la conoscenza della religione nonchè quella dell' arte occidentale, sia nella composizione delle figure che guardano agli analoghi soggetti occidentali, sia nelle composizioni degli oggetti, in particolare i numerosi e variegati elementi che riempiono la tavola, con al centro un canestro di frutta, che rimandano alle nostre Nature morte. Le sue figure sono presentate come corpi sovrapposti e intrecciati, e dominati dai volti, in cui spiccano gli occhi lunghi, dalle espressioni penetranti, che diventeranno poi sguardi tormentati e sofferenti, simbolo della sofferenza di un popolo oppresso.

Scena di Battaglia 1871

Olio su tela. Firmato e datato in basso a destra. Il pittore svizzero Charles Humbert realizzò soprattutto paesaggi animati da mandrie al pascolo, ma anche diverse scene di battaglia, comunque caratterizzate da un manierismo realistico, per lo studio attento del particolare veristico inserito in una visione ancora romantica dell'insieme. L'opera è presentata in cornice in stile.

Colombe 1976

Matite su carta. Firmato e datato in basso a sinistra. Floriano Bodini, noto scultore, incisore e medaglista, considerato una delle anime del Realismo Esistenziale, nel corso della sua carriera si è dedicato anche alla grafica. Nella sua produzione ricorrono soggetti - Vescovi, Cardinali, Requiem, Papi, Colombe, Amboni - che esprimono pensiero, trepidazione, talvolta inquietudine, ma anche affidamento, fiducia e fede. La colomba in particolare ha rappresentato per Bodini un elemento iconografico costante nella sua ricerca artistica, tema presente in modo assiduo in tutta la sua produzione, non solo grafica, fin dalla fine degli anni Sessanta, fino all'ultimo esempio datato 2004 considerato emblematicamente l'ultimo suo lavoro incisorio. L'interesse per questa immagine è confermato tra l'altro dalla sua collezione di oggetti che ritraggono colombe o di cui richiamano la forma. Frutto di una ricerca ricca di stimoli provenienti da fonti diverse, colte e popolari, la scelta di tale immagine non è mai stata banalizzata, ma ha sempre mantenuto una sua alta dignità simbolica e formale. L'opera qui proposta è presentata in cornice.

Olio su tavola. Scuola centro-europea di metà XIX secolo. L'opera deriva da quella di Christian Wilhelm Ernst Dietrich (1712 -1774), oggi conservata alla National Gallery di Londra, creata nel 1745 dal pittore tedesco guardando ai modi pittorici dell' artista fiammingo Adriaen Van Ostade, pittore di scene di vita quotidiana. Il dipinto di Dietrich divenne noto attraverso l'incisione che fu realizzata da Jean George Wille. Nella scena, inquadrata sotto un arco di accesso ad una abitazione, sono raffigurati in primo piano due di musicanti da strada, che suonano il violino e la cornamusa, accompagnati da diversi passanti curiosi. L'opera è presentata in cornice di inizio '900.

Olio su tela. Scuola nord- italiana del XVII -XVIII secolo. La scena biblica ampiamente conosciuta del diverbio tra i due fratelli, figli di Adamo ed Eva, che sfocia poi nel fratricidio di Abele per mano di Caino, è qui raffigurato all' interno di un paesaggio italiano, ricco di vegetazione, con il complemento di due fuochi particolari. Infatti ai lati delle due figure, che occupano il centro della scena, vi sono due pire del sacrificio con un fuoco acceso: però mentre da quello di Abele, sulla sinistra, si leva un alto fumo che viene risucchiato dalle nubi sopra di esso, a indicare che Dio ha accettato tale sacrificio, invece il fuoco di Caino è basso, quasi schiacciato sulle braci, e no si alza da esso nessun fumo, segno che Dio lo rifiuta. Anche il colore rosso della tunica di Abele vuole sottolineare il suo valore sacrificale, il suo martirio. Il dipinto necessita di pulizia. In cornice in stile.

Sant'Ilario 1945

Olio su tela. Firmato e datato in basso a sinistra. Sul telaio al retro il titolo. Il pittore Mario Guerzoni si distinse come paesaggista, proponendo scorci di diverse parti di Italia, spesso scorci costieri. Sant' Ilario è situato nella Riviera di Levante, nel Golfo Paradiso, alle pendici dell'Appennino ligure. In cornice.

Olio su tela. In un paesaggio italiano, la scena è centrata su un gruppo di popolani che tentano di allontanarsi dalla città assediata e incendiata, portando i loro beni sul carro e conducendo il piccolo gregge; un gruppetto di soldati nemici però li ha rincorsi e sta cercando di fermarli, con le armi sguainate. Sul retro del telaio compare una scritta a matita che attribuisce l'opera a Jan Both (1618 -1652), pittore olandese noto soprattutto come autore di paesaggi all'italiana, spesso animati da figure. Il dipinto è stato in passato sottoposto a restauro e ritelatura. Attualmente necessita di pulizia. E' presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola nord- italiana del XVII secolo. In questa Sacra Famiglia, la figura centrale risulta essere Maria: seduta al centro della scena ella volge il viso alla sua sinistra verso Giuseppe, ad ascoltare intenta e concentrata ciò che il compagno le sta leggendo da un libro; intanto le braccia della donna stanno amorevolmente coprendo con un telo il piccolo Gesù, che dorme pacifico nella culla alla destra della madre. Il viso del Bambino peraltro è illuminato e irradia la sua luce verso la Madre. Sullo sfondo un paesaggio italiano. Le figure risultano armoniose ed equilibrate nei movimenti dei corpi e tutta la scena emana una tranquillità e una serenità domestica, molto terrene. Il dipinto è stato ritelato all' inizio del '900. Sono visibili tracce di precedenti strappi e lievi cadute di colore. È presentato in cornice dorata di inizio '900 (cadute di doratura).

Olio su tela. Seconda metà del XVIII secolo. Al retro è presente cartiglio scritto a mano, datato Maggio 1835 e indicante diverse importanti famiglie (Castelbarchi, Fraganeschi, Castelbarco Litta Albani) del Nord Italia, che probabilmente furono proprietarie dell'opera. Nel dipinto è presentato un paesaggio nordico, di una campagna piuttosto brulla, traversata da un corso d'acqua; un sentiero, su cui transitano alcuni viandanti, conduce al borgo ai piedi della collina. Il dipinto è presentato in cornice in stile, con diverse mancanze.

La Pettinatrice

Serigrafia materica su tela. Firmato in basso a destra. Al retro numero di serie 21/99 e cartiglio ad autentica di "Meeting Art Roma" , ma non idoneo. Giuseppe Migneco, di origini messinesi ma trasferitosi giovane a Milano, fu uno dei maggiori rappresentanti, insieme a Aligi Sassu, Renato Birolli, Bruno Cassinari, Renato Guttuso, del gruppo di Corrente aperto alle avanguardie artistiche europee. A favore di una pittura di impegno sociale, indaga la realtà con occhio critico, oggettivo, storico. I suoi personaggi dai volti duri, squadrati, segnati dal duro lavoro e resi con toni accesi e forti, richiamano la sua Sicilia dai tratti violenti e netti, ma anche il realismo sociale dei muralisti messicani. In quest'opera compaiono le sue caratteristiche figure (che potrebbero appartenere sia alla Sicilia che al Messico!) impegnate in un'attività molto prosaica e realistica della vita quotidiana popolare, ovvero una madre che pettina e ripulisce la testa del figlio, probabilmente infestata da parassiti! L'opera è presentata in cornice.

Olio su tela. Scuola nord-europea del XVIII secolo. Nei pressi di un piccolo aggregato di edifici, lungo la strada sterrata, si svolge una scena di vita popolare, animata da diverse figure: in primo piano a destra due cacciatori offrono le loro prede e della frutta ad una donna gravida, che viaggia a cavallo accompagnata dal compagno; in secondo piano, un paio di donne siedono per terra a riposare con i loro bambini, una delle due sta allattando; e ancora gruppi di persone che chiacchierano, mentre altri sono arrampicati sui mucchi di fieno coperti sotto il granaio. Le figure spiccano per i colori vivaci dei loro abiti sullo sfondo quasi monocromatico di tinte di terra, con gli edifici che si confondono con il paesaggio piatto e brullo. Il dipinto, ancora in prima tela, presenta segni di un piccolo strappo sul retro. È presentato in cornice in stile.

Paesaggio con Figure e Forno del Pane

Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. La veduta paesaggistica propone in primo piano un sentiero di montagna che conduce ad un forno per il pane, ove una donna prepara le fascine di legna per il fuoco, mentre un viandante si avvicina a dorso d'asino; nella valle il viadotto sul fiume che conduce al villaggio, sormontato da altre cime brulle. Micheroux, appartenente alla scuola di Posillipo, ovvero la scuola ottocentesca di artisti napoletani dediti alla pittura di paesaggio, realizzò diversi scorci dell'entroterra campano, ma poco è rimasto della sua produzione e poco si sa della sua vita. Il dipinto presenta alcune piccole cadute di colore. E' presentato in cornice di fine '800.

Olio su tela. Seconda metà del XVIII secolo. Al retro è presente cartiglio scritto a mano, datato Maggio 1835 e indicante diverse importanti famiglie (Castelbarchi, Fraganeschi, Castelbarco Litta Albani) del Nord Italia, che probabilmente furono proprietarie dell' opera. Nel dipinto è presentato un paesaggio nordico, di cui si intravvedono cime rocciose sulla sinistra, nel quale sono inserite delle rovine architettoniche, con figure di viandanti che transitano nelle sue vicinanze. Il dipinto è presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola centro-europea del XVIII secolo. Sotto un cielo azzurro è raffigurato un ampio paesaggio piuttosto brullo, con il limitare di un bosco che si apre su una valle rocciosa, con un fiume che scorre tra le rocce e picchi innevati di sfondo; in primo piano, sparpagliati, alcuni figure di pastori con le loro greggi. Sul telaio al retro dell'opera un cartiglio fa riferimento a Poussin, l'artista rappresentante del classicismo seicentesco ai cui modi pittorici l'autore del dipinto si ispirò. Il dipinto, ritelato, è presentato in cornice in stile.