ARTE, DIPINTI, QUADRI E SCULTURE ANTICHE E CONTEMPORANEE

Olio su tela. Scuola olandese di inizio '900. Guardando nei modi pittorici e nel soggetto ai modelli fiamminghi dei secoli precedenti, il dipinto presenta, appoggiata su un rustico piano di legno parzialmente coperto da una tovaglia,, una composizione con frutta mista dentro in ciotola di ceramica e in parte sfusa sul tavolo, con uva, un'arancia, delle ciliege, delle prugne, un fico e la buccia di un limone ad adornare il calice di vino. L'opera è presentata in cornice in stile.

Olio su tela. Vivace composizione naturalistica di fiori multicolori in vasi di ceramica azzurra, che richiamano il color cielo dello parte superiore dello sfondo, il quale sfuma poi nella parte inferiore in un colore terroso; sulla sinistra spicca per l' inconsueto colore scuro un pappagallino. Il dipinto presenta lievi cadute di colore, diffuse soprattutto nello sfondo. È presentato in cornice coeva ridorata.

Olio su tela. Scuola fiamminga del XIX secolo. Il paesaggio collinare presenta sulla sinistra in primo piano un'alta pianta svettante sui campi sottostanti, con un cacciatore intento a mirare ad una preda nascosta tra le sue sue fronde; poco discoste alcune case coloniche, dal tipico tetto nordico spiovente, davanti alle quali si intuiscono altre figure; sullo sfondo in lontananza si delinea il profilo sfumato di una città. Sulla cornice è applicata targhetta attributiva a Anthonie Van Borssom (1629 -1677), pittore fiammingo paesaggista, alla cui produzione il dipinto guarda per alcuni tratti. La tavola pittorica è stata parchettata. Il dipinto è presentato in cornice dorata di metà '900.

Torrefazione Caffè Pernigotti, 1924

Litografia a colori. Firmata e datata 1924 in alto a destra. Impressa dallo stampatore Barabino & Graeve di Genova. Si tratta del manifesto pubblicitario per la nota azienda Pernigotti di Novi Ligure, oggi rinomata soprattutto per i famosi cioccolatini Gianduiotti, ma che esordì con la produzione di diversi prodotti dolciari ed affini. Ettore Mazzini, pittore ritrattista e paesaggista genovese, realizzò anche diverse illustrazioni pubblicitarie per importanti aziende liguri (si ricorda la locandina per le costruzioni navali, termiche, elettriche e meccaniche del gruppo Ansaldo di Genova). Il manifesto presentato è in buone condizioni, con macchie di umidità e un taglio della carta. In cornice.

Olio su tela. Scuola dell' Italia settentrionale di metà XVII secolo. L'uomo ritratto si presenta vestito di un'ampia cappa nera, severa seppur bordata di pizzo bianco ai polsi, seduto alla scrivania mentre rilegge una lettera, con il calamaio e la penna appoggiati sul piano davanti a lui, ad indicare la sua cultura e il ruolo elevato. Il dipinto, restaurato e ritelato, è presentato in cornice di fine '800 rilaccata nera, ma con diverse mancanze di colore.

Senza Titolo

Acrilici su tavola. Firmato in basso a destra. L' artista Marisa Mezzadra ha unito l' arte pittorica alla poesia, traducendo in immagini ciò che grandi poeti di diversi secoli le hanno ispirato. Insegnante di inglese all' Università bocconi di Milano, ha unito due mondi, quello della pittura e quello dell' insegnamento, alla ricerca costante di nuovi metodi di elaborazione delle sue due attività. In particolare la pittura di stampo metafisico di Marisa Mezzadra cerca di svelare il senso nascosto dell'esistere, del mondo dentro di noi e intorno a noi, nell'essenza profonda della splendida natura.

Senza titolo

Acrilici su tavola. Firmato in basso a destra. L' artista Marisa Mezzadra ha unito l' arte pittorica alla poesia, traducendo in immagini ciò che grandi poeti di diversi secoli le hanno ispirato. Insegnante di inglese all' Università bocconi di Milano, ha unito due mondi, quello della pittura e quello dell' insegnamento, alla ricerca costante di nuovi metodi di elaborazione delle sue due attività. In particolare la pittura di stampo metafisico di Marisa Mezzadra cerca di svelare il senso nascosto dell'esistere, del mondo dentro di noi e intorno a noi, nell'essenza profonda della splendida natura.

Paesaggio con Figure 1930 ca.

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Ivan Karpoff, di origini russe ma cresciuto e affermatosi artisticamente in Italia, si fece apprezzare per la sua pittura orientata al verismo impressionistico italiano di fine '800; si dedicò prevalentemente ai paesaggi ed ai ritratti. In quest'opera propone uno scorcio di campagna e colline sovrastanti un lago, con due figure contadine intente ad una raccolta. Sul retro della tela è presente dedica :" Campanini... ai coniugi Manara Luciano e Adriana, Milano 28 ottobre 1939 XVII". Il dipinto è presentato in cornice di metà '900.

Il Ritorno dalla Festa della Madonna dell' Arco a Napoli

Olio su tela. Si tratta della copia di un celebre dipinto del pittore Louis Léopold Robert (1794 -1835), che fu esposto al Salon de Paris nel 1827 e comprato dal re Luigi Filippo ; attualmente è conservato al Museo del Louvre. Il dipinto raffigura una scena gioiosa di festa, ricca di folklore con personaggi in costume che ballano la tarantella e sullo sfondo il fantastico panorama della città di Napoli. Il Robert, artista svizzero, soggiornò diverse volte in Italia, dove trovò ispirazione per la realizzazione di molte opere e si affermò come pittore romantico di genere e paesaggista da Grand Tour, i cui soggetti furono molto apprezzati e replicati. Il dipinto del "Ritorno dalla festa della Madonna dell' arco a Napoli", costitutiva parte di un progetto di Robert, che intendeva dipingere quattro grandi tele sulle stagioni, ambientate in quattro diverse parti d'Italia: questa rappresentava la Primavera. La tela qui presentata, non firmata, è comunque di alta qualità pittorica . Restaurata e ritelata, è presentata in cornice di fine'800 - inizio '900.

Olio su tela. Si tratta di copia in controparte dell' opera omonima di guido Reni (1575 -1642), realizzata intorno al 1605 e attualmente conservata al museo degli Uffizi di Firenze. Dell' opera del Reni furono realizzate numerose repliche. L'opera rappresenta la figura del giovane Davide permeata di una certa algida freddezza associata ad una malinconica eleganza nella posa e nell' abbigliamento da damerino, col cappello rosso piumato; sebbene il momento sia piuttosto cruento, per l'esposizione della testa recisa del gigante Golia . Davide la tiene con una mano per fissarla in volto con fare distaccato, e ormai distante dalla fatica dell' impresa compiuta, di cui fa memoria la fionda che tiene con l'altra mano. Le figure spiccano su uno sfondo scuro, da cui emergono con giochi di luci e ombre. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice di inizio '900.

Olio su tela, applicata a placca di legno. La Santa è raffigurata in primo piano, a mezzo busto: il torso nudo del corpo è parzialmente coperto da una pelliccia cadente dalle spalle, sulle quali si stendono le lunghe chiome; la Maddalena tiene gli occhi rivolti al cielo, in stato contemplativo, tra le mani il teschio, Memento mori, e di fianco un tozzo di pane, suo unico nutrimento nella vita di penitenza. Dietro la figura uno sfondo buio, da cui emerge un fascio di luce a crearle un'aureola intorno al capo e accentuare il pathos della sua espressione. Il dipinto presenta lievi caute di colore, soprattutto lungo il margine destro. È presentato in cornice in stile,

Olio su tela. Scuola francese del XIX secolo. Monogramma JP in basso a sinistra. Di gusto orientalista, il dipinto ritrae una giovane donna in abiti orientali, adornata di gioielli, che tiene appoggiato sulla mano un pappagallino. Questo uccello ha nella simbologia cristiana un significato di purezza e innocenza, mentre nella iconografia più laica indica eleganza, capacità comunicativa o, più genericamente, rimanda all' esotismo. Il dipinto è presentato in cornice coeva.

Olio su tela. Firma non identificata in basso a destra. Si tratta di copia dell'opera, peraltro a figura intera, di Domenico Morelli, denominata "Mater Purissima", realizzata verso il 1880 e soggetta a numerose repliche e varianti nei decenni successivi. L'opera è presentata in cornice di inizio '900.

Olio su tela. Ritratto di giovane signora che esibisce una elaborata acconciatura, dei grandi orecchini pendenti e una vistosa stola di pelliccia; alle sue spalle un tramonto crea un gioco di luce sullo sfondo scuro del cielo. Il dipinto è presentato in cornice coeva ridorata.

Interno con Figure ed Animali, 1917

Olio su tela. Firmato e datato in basso a destra. Nell'ampia produzione di Giuseppe Solenghi, ricca di lirismo espresso con tonalità e tratti delicati e raffinati, prevalgono i paesaggi urbani di Milano o gli scorci lagunari veneziani, ma si trovano anche diversi scorci di campagna, prevalentemente di quella lombarda, così come interni rustici. In quest' opera l'artista ritrae l'interno di una casa contadina, ove convivono umani e animali: la scena è pervasa di una serena atmosfera di quotidianità familiare, in cui la luce calda del sole che filtra dalla porta aperta crea giochi di luci e ombre sulle tinte di terra dell' interno. Il dipint è presentato in cornice di metà '900.

Olio su tela. Gustosa raffigurazione di vita popolare con figure macchiettistiche: tre popolane a figura intera sono rappresentate per strada mentre conversano fitto fitto tra di loro, a scambiarsi confidenze o... pettegolezzi! Non firmato, il dipinto necessita di restauro per strappo in basso.

Copia da David Teniers II

Olio su tavola. Il dipinto è una copia rivisitata della celebre opera di David Teniers il Giovane (1610 -1690), eseguito tra il 1634 ed il 1640 e conservato attualmente al museo del Prado di Madrid. Il titolo della vivace scena fa riferimento alla cosiddetta Dodicesima Notte, festa corrispondente all'Epifania, appunto dodici giorni dopo Natale, che era l'ultima notte di festeggiamenti, in cui si poteva bere oltre i limiti, dedicarsi all'amore, agli scambi di coppia e di genere, una sorta di carnevale, durante il quale veniva eletto il King of Misrule (letteralmente il re del Malgoverno) un sovrano alla rovescia che imponeva le sue leggi, sovvertendo regole e comportamenti. Quest' opera, come molte altre del Teniers, ebbe tale successo legato alle numerose commissioni di reali ed aristocratici nel corso del XVIII secolo, da indurre una ampia produzione postuma di copisti, molti dei quali firmarono addirittura con il nome dell'artista. Il dipinto qui presentato ha diverse cadute di colore, da riprendere. È in cornice di fine '800, adattata per misure.

Olio su tavola di pioppo. Il giovane popolano raffigurato, appartenente alla categoria dei "pitocchi" (termine usato per indicare lo stato di completa indigenza dei personaggi, frutto dell'osservazione attenta e anticonvenzionale della realtà), rivela uno spiccato strabismo, che trasforma l'espressione ridente in una smorfia divertita. Il dipinto presenta tracce di piccoli restauri. È presentato in cornice del XIX secolo.

Olio su tavola di pioppo. Il giovane popolano raffigurato, appartenente alla categoria dei "pitocchi" (termine usato per indicare lo stato di completa indigenza dei personaggi, frutto dell'osservazione attenta e anticonvenzionale della realtà), spalanca la bocca in un grido che, dall' espressione corrucciata del volto, sembra essere di rabbia o dolore. IL dipinto presenta lievi cadute di colore. È presentato in cornice del XIX secolo.

Olio su tela. Scuola nord-italiana del XIX secolo. Il paesaggio raffigura una ampia campagna che si apre sulla catena montuosa alpina, preceduta dai più dolci declivi collinari prealpini; sul sentiero centrale, che corre diritto perpendicolarmente ai rilievi, è in transito un popolano con il suo mulo. L'atmosfera è quella di fine giornata, con sfumature rosate a illuminare la cima innevata. Un soggetto molto simile si trova nella produzione dell'ambito di Carlo Canella (1800 -1879), l'artista veronese noto soprattutto per gli scorci cittadini. L'opera è presentata in cornice di fine '800.

Olio su tela. Ritratto a mezzo busto di una coppia di anziani contadini, lei con il capo coperto da un fazzoletto rosso, lui con un copricapo tradizionale; i due volti emergono dallo sfondo buio con espressioni dignitose e serene. IL dipinto è presentato in cornice coeva.

L' Antico Triscele 1997

Tecnica mista su tavola. Firmato e datato in basso a destra. Al retro ulteriore firma, data e titolo. Spinto da un'intensa curiosità intellettuale che ha caratterizzato ogni momento della sua esperienza non solo creativa, ma anche umana e professionale, l'artista anconetano Giorgio Villa ha messo a punto propri principi, di pensiero e di azione, su rigorose basi di approccio scientifico-matematico, nutrite di una profonda ispirazione poetica e di un radicato senso della bellezza. La ricerca di una via da percorrere, svincolata da schemi o legami culturali caratterizza il suo fare arte; Villa si muove nella sfera dell'immaginazione, dei sentimenti e della poesia delle immagini. Ogni opera è frutto di un'ispirazione meditata, momento per momento, concedendo spazio alla riflessione, al gesto ponderato, analizzando i rapporti fra spazio e materia, fra colori e forma, per individuare la sintesi perfetta, che rende unica e irripetibile un'opera d'arte. In quest' opera Villa raffigura la Triscele, ovvero l' antico simbolo formato da tre spirali unite in un punto centrale, più generalmente tre spirali intrecciate, o, per estensione, qualsiasi altro simbolo con tre protuberanze e una triplice simmetria rotazionale.