Rio a Venezia, 1970

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Al retro presente titolo, timbro della Galleria Bolzani di Milano e indirizzo dello studio dell'artista. Il pittore veneto Eugenio Polesello si dedicò soprattutto al paesaggio, che seppe realizzare in toni limpidi e scelte cromatiche semplici, memori sempre dell'originaria formazione veneta. Opera in cornice.

Olio su tela. Scuola centro-italiana del XVII-XVIII secolo. In un paesaggio con pendii rocciosi e brulli, è raffigurata in primo piano una mandria di buoi e capre, accudita da una coppia di pastori che si spostano su asinelli. L'opera è presentata in cornice in stile. Precedentemente ritelata, presenta alcune piccole cadute di colore.

Olio su tela. Firma non identificata in basso a destra. Pannelli decorativi con diversi fiori - rose, garofani, viole - sparsi liberamente sullo sfondo chiaro. Presenti diverse piccole cadute di colore sparse, prevalenti del colore di sfondo. Incorniciati con cornici a listello.

Canale a Venezia

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Al retro presente titolo, timbro della Galleria Bolzani di Milano e indirizzo dello studio dell'artista. Il pittore veneto Eugenio Polesello si dedicò soprattutto al paesaggio, che seppe realizzare in toni limpidi e scelte cromatiche semplici, memori sempre dell'originaria formazione veneta. Opera in cornice.

Toro

Acquarello e carboncino su carta. Firmato in basso a destra. L'opera è corredata di autentica su foto della Fondazione Museo Luciano Minguzzi. Scultore, incisore, medaglista, Minguzzi realizzò anche numerosi disegni, spesso bozzetti per pere scultoree. Il disegno è presentato in cornice.

Olio su tela applicata a tavola. Le tre figure risultano raffigurate nella sola parte superiore, ad evidenziare i volti dei tre personaggi: al centro Maria con il piccolo Gesù, sui quali è centrata la luce dell' opera; entrambi guardano verso il piccolo Giovanni, riconoscibile dai suoi segni iconografici (il bastone sormontato dalla Croce e la pelle di bestia che lo riveste) il quale, più in ombra nell'angolo inferiore destro, riceve la benedizione del Cristo. Il dipinto è presentato in cornice di inizio '900.

Olio su tela. Firmato e datato in basso a destra. A forma di mezzaluna, perchè nato come sovraporta, la tela propone una gradevole ma malinconica composizione di rose disposte sciolte sul piano rialzato dipinto. L'opera è presentata in cornice in stile.

Olio su tela. In basso a sinistra è firmato A. Dronsart. Delicata composizione di rose in vaso, in gamme cromatiche tenui e pallide, che giocano su effetti sfumati. È presentato in cornice dorata coeva.

Figura con Fiori

Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. Al retro ulteriore firma, timbro e dichiarazione di autenticità. Influenzato nei suoi anni parigini dal contatto con l'Espressionismo, Fantuzzi ha posto nelle sue opere un marcato accento sull'espressione delle emozioni, degli stati d'animo. Domina nelle sue tele il colore nelle sue gamme più marcate, solitamente, i toni freddi dei blu, dei verdi e dei viola, che creano contrasti a volte violenti. I temi principali di Fantuzzi sono la solitudine delle metropoli e la difficoltà di comunicazione nei rapporti interpersonali; spesso dipinge figure poco definite, volti privi di occhi. In cornice.

Natura Morta con Orologio e Frutta

Olio su faesite. Firmato in basso a sinistra. L'artista milanese, figlio del famoso pittore Alcide Davide Campestrini, si dedicò alla natura morta, alla pittura di figura e al paesaggio alpino, con una tecnica legata alla scuola paterna ed alla tradizione tardo ottocentesca. Tipica della sua produzione è la composizione qui presentata, che affianca alla frutta sparsa, in questo caso arance e uva, un elegante e antico orologio da tavolo. Il dipinto è presentato in cornice coeva (anni '60-'70).

Nel mio Studio 1943

Olio su tavola. Non firmato, il dipinto riporta al retro l'etichetta della retrospettiva di Giotto Sacchetti, realizzata dal 26 giugno al 16 luglio del 1967, in cui tale opera fu esposta con il numero di catalogo 51. L'opera compare nella monografia pubblicata nel 1967 (tavola XXVIII). Giotto Sacchetti dipinse la realtà , il "Vero" , con uno spirito di osservazione acuto e sensibile, attraverso l'attenta analisi della natura perpetuata attraverso pennellate fortemente costruttive di chiara ascendenza toscana. In quest'opera è proposto lo scorcio del suo studio, grande vaso di fiori di pesco. In cornice.

Olio su tela. Firmato in basso a destra. La Maddalena, raffigurata nuda e con i lunghi capelli disciolti, è ritratta in atteggiamento contemplativo: seduta nel deserto su una pietra, mentre legge la Bibbia con accanto il teschio (come da iconografia tradizionale) , riceve la visita di un angelo che la sorregge nel suo slancio estatico, nel suo protendersi verso il cielo. che sfuma nella nuvola. Il dipinto è presentato in cornice coeva.

Figura con Fiori

Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. Al retro ulteriore firma, timbro e dichiarazione di autenticità. Influenzato nei suoi anni parigini dal contatto con l'Espressionismo, Fantuzzi ha posto nelle sue opere un marcato accento sull'espressione delle emozioni, degli stati d'animo. Domina nelle sue tele il colore nelle sue gamme più marcate, solitamente, i toni freddi dei blu, dei verdi e dei viola, che creano contrasti a volte violenti. I temi principali di Fantuzzi sono la solitudine delle metropoli e la difficoltà di comunicazione nei rapporti interpersonali; spesso dipinge figure poco definite, volti privi di occhi. In cornice.

La Vacca Pazza

China su carta. Firmato in basso; in alto il titolo. L'opera è corredata di autentica su foto della Galleria Pace di Milano. Scultore, incisore, medaglista, Minguzzi realizzò anche numerosi disegni, spesso bozzetti per pere scultoree. Il disegno è presentato in cornice.

Olio su tela. Traccia di firma in basso. Di gusto romantico, il dipinto ritrae una bimba piccola che teneramente si appoggia al suo cagnolone, con il quale scambia un dolcissimo sguardo. Di sfondo un giardino, con un cielo sfumante nelle luci del tramonto in lontananza. Il dipinto presenta segni di pregresso restauro e ritelatura. È proposto in cornice dorata di inizio '900.

Litografie a colori. Pittore e illustratore, Marcus C. Stone si affermò per i suoi ritratti ricchi di sentimento e per le scene tratte dalla letteratura. Le due litografie propongono due scene ambientate in giardini di ricche ville, con due coppie intente in conversazione galante nell' una, al rito del thè nell'altra. Le due stampe sono presentate in eleganti cornici coeve in legno dorato e tessuto.

Ritratto di Signora, 1892

Olio su tela. Firmato e datato in basso a destra. L'artista francese André Chabellard si affermò per la pittura di ritratto, sia di genere popolare che signorile. Le sue figure sono collocate in ambienti molto ben definiti, come in questo ritratto di una signora, seduta nel suo salotto ben dettagliato negli arredi. Notevole è la qualità esecutiva, con effetti cromatici e di luci e ombre che fanno risaltare la figura in primo piano, e sfumano negli elementi di contorno. L'opera è presentata in cornice dorata di metà '900 (lievi mancanze a sinistra).

Motivo a Burano 1967

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Al retro presente titolo, timbro della Galleria Bolzani di Milano e indirizzo dello studio dell'artista. Il pittore veneto Eugenio Polesello si dedicò soprattutto al paesaggio, che seppe realizzare in toni limpidi e scelte cromatiche semplici, memori sempre dell'originaria formazione veneta. Opera in cornice.

Tempera su pith- paper. Produzione cinese, Canton, epoca Qing, 1860 ca. Collezione di ventotto dipinti raffiguranti cortigiani, letterati e commercianti cinesi. Originariamente venivano conservati in un album, ma sono qui presentati invece in bella cornice, decorata con tessuti ricamati a motivo floreale. La pith- paper, ovvero "carta di midollo", è un materiale sottile e traslucido derivato dal midollo dell'albero Tetrapanax papyrifer, o "pianta del midollo", originario della Cina e di Taiwan. Il pith entrò a far parte dell'uso pittorico per soddisfare la crescente domanda di souvenir piccoli, economici e facilmente trasportabili, in seguito alla massiccia crescita del commercio con la Cina nel primo quarto del XIX secolo. Poiché molti venivano venduti in album e quindi protetti dalla luce, conservano i loro colori vivaci ancora oggi.

Bozzetti per l'Aida

Tecnica mista su carta. Sette bozzetti firmati e datati, e, in alto, la riproduzione della firma dell'artista. Sono lavori dell'importante pittore italiano Remo Brindisi la cui pittura, legata nelle opere giovanili ad un impianto descrittivo e realistico, aggiunge nella maturità sfumature espressioniste, dando vita a un suo linguaggio neofigurativo. La sua produzione è sempre impregnata di intenti sociali e politici. Brindisi lavorò anche come scultore, illustratore, scrittore, scenografo, curatore di iniziative culturali. Proviene da collezione privata milanese. Speciale fu la sua collaborazione per la realizzazione delle grandiose scene e dei costumi per l'edizione dell'Aida all'Arena di Verona del 1974, di cui qui è proposta una serie di sette bozzetti, firmati e datati. In cornice

Olio su tavola di noce. Il dipinto segue i modelli toscani di inizio '500 (ad esempio il modo pittorico di Domenico Puligo), ma è di produzione leggermente più tarda e di mano più debole, da produzione "periferica". Il soggetto assolutamente tradizionale, propone la Madonna che allatta Gesù Bambino, incorniciati da un tendaggio; il piccolo, mentre sugge al seno materno, guarda verso lo spettatore, mentre la madre fissa teneramente il figlio. Sul retro della tavola compare il monogramma C. P., probabilmente indicante l'autore. La tavola presenta diverse piccole cadute di colore.

Paesaggio con Gregge e Pastori

Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. Si tratta probabilmente del lavoro di maggiori dimensioni creato da Achille Dovera, si presume destinato ad importante committente. Dell' opera è passato sul mercato un piccolo bozzetto preparatorio su legno, con la stessa scena. L' opera vede al centro in primo piano un grosso gregge di pecore che transita su un sentiero, accompagnato da alcuni pastori; le bestie sbucano, avvolte da una grande nuvola di polvere, da un passaggio in mezzo ad una ricca vegetazione, in una campagna pianeggiante sul cui sfondo si alzano però picchi montuosi. Il pittore milanese Achille Dovera è considerato un alto rappresentate della pittura naturalista e di genere ottocentesca. Paesaggista, il Dovera a livello formale mantiene il contatto con la realtà fenomenica che viene riprodotta in modo preciso, anche se fondamentali sono il ruolo del colore e la luce; la sue pennellate mosse e veloci donano freschezza e immediatezza alla scena senza però disgregare le forme. Il grande dipinto è presentato in bella cornice lignea dorata coeva.

Olio su tela. Scuola nord-italiana dell' inizio XVIII secolo. Nel paesaggio su rilievi collinari rocciosi è collocato un borgo di edifici turriti, che si erge in prossimità di una costa marittima, visibile sullo sfondo a destra; in primo piano, lungo una piccola insenatura costiera, ferve la vita popolare, con molteplici figure intente a diverse attività. Il dipinto presenta segni di restauro e ritelatura pregressi; attualmente risulta ben marcato il cretto, ma ancora integro il colore. Il dipinto è presentato in cornice antica, con lievi mancanze.

Olio su tavola di castagno. Scuola centro-europea del XVI secolo. La tradizionale scena, presenta Gesù Bambino che, in braccio alla Madre con la quale scambia un tenero sguardo, sui accinge a infilare al dito di Caterina D'Alessandria l'anello nuziale, simbolo del matrimonio mistico che la giovane santa volle contrarre con il Divin Bambino. La santa è raffigurata, come da sua consueta iconografia, con la corona in testa e vestita di abiti regali e gioielli, per sottolineare la sua origine principesca. Il dipinto è probabilmente opera di autore fiammingo che guarda ai modelli italiani del '400 -'500. La tavola presenta segni di restauro pregresso.