Veduta del Monte Cervino

Tre olio su cartone. Tutti e tre i cartoni presentano la firma in basso a destra. L'insieme dei tre dipinti realizza una composizione unica e continua: l' elemento centrale raffigura la vetta del Monte Cervino, i due elementi laterali, di altezza inferiore, proseguono la catena montuosa bilateralmente alla cima più famosa. Alessandro Catalani dipinse scorci e paesaggi, ad olio o ad acquarello, caratterizzati da tinte tenui e pennellate sciolte. L'operaè presentata in cornice coeva (da riprendere).

Il Novizio 1909

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Al retro presente il titolo, la data e la localizzazione Nobiallo, frazione di Menaggio sul Lago di Como. Nell'ampia produzione di Giuseppe Solenghi, ricca di lirismo espresso con tonalità e tratti delicati e raffinati, prevalgono i paesaggi urbani di Milano o gli scorci lagunari veneziani, ma si trovano anche diversi scorci di campagna, prevalentemente di quella lombarda, così come interni rustici. Qui è proposta una scena con figure, seppur ambientata in un paesaggio lombardo, sul lago di Como, ben visibile sullo sfondo: sul sentiero in acciottolato dietro la chiesa, un chierichetto che porta il turibolo dell' incenso, lo mostra ad una ragazzina, fiero del suo incarico! L'opera è presentata in cornice coeva.

Paesaggio Boschivo con Fiume

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Il quadro è di dimensione notevole, probabilmente eseguito per una committenza di pregio. Eugenio Gignous si affermò come paesaggista, realizzando scorci soffusi di luci e atmosfere quasi impressioniste. L'opera è presentata in cornice della prima metà del '900.

Olio su tela. In basso a sinistra compare la firma G. Freye, che potrebbe ascrivere l'opera a Georg Hermann Freye (1844 -1921), artista di Dresda, noto soprattutto per opere a soggetto religioso o storico. La scena di genere riprende soggetti e modi della pittura olandese del XVII e XVIII secolo. Ambientata all' interno di un'abitazione privata, propone un pasto in famiglia, con il padre severo che parla al figlio, più scanzonato, sotto lo sguardo ridente e complice della madre. L'opera è presentata in cornice in stile.

Olio su tela.. Sul retro è presente vecchia indicazione a matita del titolo "Campagna romana". Quadretto da Grand Tour, propone lo scorcio di un borgo popolare in cui sono inseriti i resti di colonne classiche; alcune figure animano la scena, mentre di sfondo si scorge una cittadina. L'opera è presentata in cornice in stile.

Pastore con Pecore

Inchiostro su carta. Firmata in basso a sinistra. L'artista napoletano Filippo Palizzi, definito anche "il pittore degli animali", è considerato un rinnovatore della pittura napoletana ottocentesca. Abbandonata la pittura accademica, al seguito delle contemporanee esperienze francesi, il Palizzi si dedicò allo studio dal vero, soprattutto nei soggetti più umili, quali piccoli paesaggi e quadretti di animali, realizzando opere di intenso verismo ma permeate da un'intima intonazione poetica. Si distinse soprattutto per la minuziosità esecutiva dei particolari dei soggetti ritratti. Ricorrenti nella sua produzione le mandrie con pastore, come in questo piccolo disegno. L'opera è presentata in cornice in stile.

Olio su tela. Autore ignoto (in basso presente firma non coerente G. Induno). Scena di genere in interno di un alloggio piuttosto povero, in cui un anziano seduto sul suo letto accoglie l'abbraccio del nipotino in visita. La tenerezza del gesto di affetto e dedizione tra le due figure contrasta la miseria dell'alloggio. Il dipinto è presentato in cornice in stile.

Barche di Pescatori

Litografie a colori. Firmate a matita. Il pittore e incisore francese Guinegault realizzò molti scorci e paesaggi, sia di Parigi che delle coste del nord della Francia, spesso animati da figure di pescatori. Le due litografie sono presentate in cornici in bambù degli anni '60.

Adunata

Acquarello su carta. Firmato in basso a sinistra. De Albertis si dedicò al genere militare-patriottico con un ricco repertorio di battaglie, replicate in diverse varianti, che divennero progressivamente una sua specializzazione. In una seconda fase si avvicinò all' acquarello, ma nella sua produzione continuarono a prevalere i soggetti militari, spesso con protagonisti i cavalli. In questo acquarello, campeggiano difatti i due cavalli, sellati ma senza cavalieri, che rispondono al richiamo della tromba- appunto all' adunata - suonata dal cavaliere alla testa del drappello che si intravvede sulla destra. L'opera è presentata in cornice.

Dame con un Moschettiere

Olio su tavola. Firmato in basso a sinistra. Opera dell' autore inglese (che soggiornò per studio anche in Italia) che si affermò per i suoi soggetti storici, realizzati riprendendo lo stile ottocentesco, e che si distinguono per l'accuratezza dei dettagli degli arredi e dei costumi d'epoca, come è evidente anche in questa scena di gusto galante. L'opera presentata in cornice in stile.

Natura Morta con Cacciagione, 1865

Olio su tavola. A verso la firma e la data, attribuenti l'opera al noto scultore (ma anche pittore) svizzero, che visse a Milano e si distinse come ornatista e animalier. La natura morta è presentata in cornice dorata di fine '800.

Acqueforti. In basso i nomi dell' incisore e del pittore. La serie, derivata da disegni di Giovanni Battista Piazzetta (1682 -1754), comprendeva quindici stampe, ed era titolata I" Dodici Apostoli ovvero Opera dipinta da Giambattista Piazzetta (1683 -1754) incisa da Marco Pitteri Veneto con Privilegio dell'Ecc.mo Senato". Agli undici apostoli (escluso il traditore Giuda) furono aggiunti il volto di Maria, l'immagine del Padre con lo Spirito Santo, e San Paolo. In questa serie manca la rappresentazione di Cristo. Le stampe presentano macchie e gore di umidità. Sono presentate in cornici del XVIII secolo in legno laccato, con vetri coevi.

Finto strappo d'affresco. Ad emulare un affresco antico è qui raffigurato il volto di Sant'Antonio Abate, riconoscibile da diversi suoi segni iconografici: è vestito del saio da frate con lo scapolare, regge un bastone a cui è attaccata la campanella utilizzata dai frati ed eremiti per annunciare il loro arrivo per la questua, e con la mano destra benedicente da cui fuoriesce una lingua di fuoco, simbolo al tempo stesso di malattia, punizione, ma anche di dominio degli inferi da parte del Bene. L'opera è incorniciata da listello.

Paesaggio

Olio su tavola Firmato in basso a destra. Luigi Comolli, artista milanese, si distinse per la pittura di paesaggio e le nature morte. Si ritrova nelle sue opere l'influenza impressionista, attinta dal suo percorso formativo a Parigi nella giovinezza. Opera presentata in cornice di metà '900.

La Venditrice di Erbe Mediche

Olio su tela. Africa occidentale. Il dipinto in stile naif raffigura una venditrice di erbe mediche, che con un cartello indica quali malattie guarisce. Questo tipo di dipinti, usati spesso come pubblicità per le bancarelle del mercato, rimandano ai valori tradizionali africani di maternità, fertilità e prosperità, ma trasposti in un contesto culturale contemporaneo.

Figure al Bar

Olio su tela. Firmato in in basso a sinistra. Al retro dichiarazione di autenticità autografata dall' artista. Influenzato nei suoi anni parigini dal contatto con l'Espressionismo, Fantuzzi ha posto nelle sue opere un marcato accento sull'espressione delle emozioni, degli stati d'animo. Domina nelle sue tele il colore nelle sue gamme più marcate, solitamente i toni freddi dei blu, dei verdi e dei viola, che creano contrasti a volte violenti. I temi principali di Fantuzzi sono la solitudine delle metropoli e la difficoltà di comunicazione nei rapporti interpersonali; spesso dipinge figure poco definite, volti privi di occhi. In cornice.

La Venditrice di Arance

Olio su tela. Africa occidentale. Il dipinto in stile naif raffigura una venditrice di arance all' interno di un mercato urbano. Questo tipo di dipinti, usati spesso come pubblicità per le bancarelle del mercato, rimandano ai valori tradizionali africani di maternità, fertilità e prosperità, ma trasposti in un contesto culturale contemporaneo.

Senza Titolo 1992

Tecnica mista su carta. Firmato in basso al centro. Al retro il timbro dell'artista con la firma e la data dell'opera. Caccioni, artista che è nato, si è formato e vive tuttora a Bologna, è uno dei protagonisti di una generazione che è giunta ormai ad una definitiva maturazione linguistica e occupa uno spazio di rilievo all'interno del panorama artistico contemporaneo. La sua ricerca utilizza principalmente materiali inconsueti come gli acetati, il pvc e, più recentemente, fondali scenici di opere teatrali dell'Ottocento, sui quali interviene dipingendo forme tratte da una memoria personale e dalle suggestioni provenienti da culture e periodi storici diversi. Elemento ricorrente nell'opera di Luca Caccioni è la scrittura, segno autosignificante che disegna l'opera ed è capace di raccontare pensieri; lavorando per sovrapposizione, le immagini sono costruite per addizione o sottrazione del colore sui vari supporti. Opera in cornice.

Olio su tela. Inizio '900. Il dipinto, di buona qualità, fu realizzato da un autore anonimo guardando alle opere di Vittorio Reggianini (1858 -1938), che ebbe enorme successo nel proporre scene di interno, da salotto, con signore o bambini intenti ad occupazioni quotidiane, spesso ricreative, come queste due dame che prendono il té chiacchierando amabilmente. Il dipinto è presentato in cornice coeva.

Figure con Fiori

Olio su tela. Firmato in in basso a sinistra. Al retro dichiarazione di autenticità autografata dall' artista. Influenzato nei suoi anni parigini dal contatto con l'Espressionismo, Fantuzzi ha posto nelle sue opere un marcato accento sull'espressione delle emozioni, degli stati d'animo. Domina nelle sue tele il colore nelle sue gamme più marcate, solitamente i toni freddi dei blu, dei verdi e dei viola, che creano contrasti a volte violenti. I temi principali di Fantuzzi sono la solitudine delle metropoli e la difficoltà di comunicazione nei rapporti interpersonali; spesso dipinge figure poco definite, volti privi di occhi. In cornice.

Olio su tela. L'opera, dipinta seguendo lo stile della pittura spagnola di inizio '600, è in realtà di fine '800. Ritrae una nobildonna che indossa la gorgiera, il colletto pieghettato, rigido e decorativo, tipico dell'abbigliamento sia maschile che femminile del XVI -XVII secolo. L'opera è stata precedentemente restaurata e ritelata. È presentata in cornice dorata di metà '800, inserita in ulteriore cornice più ampia del XX secolo.

Sole Produttore

Serigrafia, applicata su lastra di metallo. Firmata in basso a destra, il titolo in basso. Edizione 446/500. Il Sole è una tematica molto cara a Giò Pomodoro fin dagli anni '50, tematica che l'artista non ha mai abbandonato, sviluppandolo in particolare dalla seconda metà degli anni '70 fino a pochi anni prima della sua morte, quando, nel 2000, ha donato alla Città di Genova un Sole monumentale in marmo bianco, collocato proprio all'imboccatura del porto, sul Ponte dei Mille. Il Sole Produttore è la rappresentazione metaforica dello sfruttamento equo da parte della società della forza generatrice del sole. Appassionato di astronomia, geometria e poesia, Gio' Pomodoro è da sempre stato affascinato dal potenziale vitale e simbolico dell'immagine dell'astro. In queste opere, l'artista lo rappresenta mediante una forma circolare stilizzata ì, che viene spezzata per accentuare le potenzialità delle forme geometriche elementari (il cerchio, il quadrato, il triangolo) ad aprirsi a tensioni dinamiche differenti. Su queste forme basilari, Pomodoro inserisce poi all' intorno scritte costituite da parole che rimandano a concetti referenziali, come reale, possibile, collettivo, - in questo caso: "Muove, gira, edifica comune raccolto" -, unite ad altre forme inscritte che indicano strutture fisiche, come cardine, ruota, seme.

Tecnica mista su carta. Sigla A. S. in basso a destra. Un mazzo di rose campeggia la centro di uno sfondo azzurro. Il dipinto è presentato in cornice coeva ebanizzata, decorata con intagli dorati.

Olio su tela. Firmata e localizzata sul margine sinistro in basso "Roma, Enrico Scifoni". In basso a sinistra è citato il nome della ritratta "Signorina Maria Ciaffi". Lo Scifoni fu artista romano molto attivo come ritrattista tra il 1870 e il 1914. La giovane donna ritratta è abbigliata con abito e acconciatura che richiamano la moda del periodo impero. Il dipinto è presentato in cornice dorata del XIX secolo, che necessita di restauro.