Paesaggio con Scorcio Fluviale 1906

Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. L'artista di origine romana Cesare Maggi si affermò come paesaggista di stampo divisionista, ritraendo paesaggi alpini engadinesi e valdostani, spesso vivacizzati dall'inserimento di figure e animali. Diventato amico del pittore Giacomo Grosso a Torino nel 1901, si orientò poi con successo verso il genere del ritratto, accantonando la tecnica divisionista. Pur prediligendo ancora le vedute d'alta montagna, ampliò i propri soggetti impegnandosi anche nelle marine e nelle nature morte. In quest'opera, ancora del primo periodo, il Maggi ritrae uno scorcio di campagna attraversata da un calmo fiume, costeggiato da filari d'alberi spogli e da piccoli rilievi erbosi, dietro cui si affacciano i casolari: già non più legata alle dalle tecniche divisioniste, l'opera è caratterizzata piuttosto da impasti di colore densi e opachi, in cui si vanno a sovrapporre la terra, l'acqua i casolari in un continuum rotto solo dalla fascia del cielo sovrastante. L'opera è presentata in cornice in stile.

Alla Maniera di Curtis Jeré

Scultura da parete realizzata con elementi in metallo cromato. L'opera è ad imitazione della produzione di Curtis Jeré, la famosa azienda di lavorazione dei metalli nota per le sculture da parete e gli accessori per la casa. Il nome è uno pseudonimo composto dagli artisti fondatori Curtis Freiler e Jerry Fels, che lo hanno creato unendo parti dei loro nomi. L'azienda, fondata nel 1963, aveva l' obiettivo di produrre "arte di qualità da galleria per le masse".

Paesaggio con Figure

Olio su tela. La grande composizione propone un paesaggio che vede centrale un grande albero. a sormontare con le sue rade frasche la campagna sottostante, traversata da un corso d'acqua e animata da diverse figure di popolani intenti ad attività o a riposo; in alto a destra si erge una fortezza, che domina la vallata. Già attribuito al marchigiano Peruzzini, il dipinto si può ricondurre senz'altro al suo ambito, per i tratti pittorici veloci e poco aggregati. Antonio Francesco si specializzò nella pittura di paesaggio, subendo l'influenza di Salvator Rosa e di paesaggisti come Pietro Montanini e Pandolfo Reschi, e ulteriori influssi gli vennero anche da pittori nordici attivi in Italia, soprattutto da Pieter Mulier detto il Tempesta. Nelle sue prime opere si distingue già l'originalità della sua pittura data una stesura rapida e da un timbro cromatico intenso e brillante. Dal principio degli anni Novanta iniziò il lungo legame artistico di Antonio Francesco Peruzzini con Alessandro Magnasco, in seguito al loro incontro avvenuto a Milano, ove il Peruzzini si era stabilito; da questo periodo in poi la sua pittura sembra sfaldarsi, attraverso forme che si fanno più dinamiche e leggere, quasi fantastiche, per approdare infine ad uno stile improntato ad una sempre maggiore disgregazione delle forme della natura ed al loro movimento. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice in stile.

Olio su tela, applicata su faesite nella seconda metà del '900. Il dipinto riprende i modi pittorici del XVIII secolo, con un taglio decorativo. In un paesaggio tranquillo, con struttura architettonica sulla destra e la verde vallata con il fiume che si apre sulla sinistra, camminano sul sentiero due figure, una donna con il suo involto di panni e il viandante con la bisaccia e il bastone. L'operaè presentata in cronice in stile.

Figura in Riposo 1969

Biro su carta. Firmato in basso a destra. Corredato di autentica su foto dell' Archivio Mario Tozzi. Nell'ampia produzione del maestro Tozzi si trovano molti disegni, come questo qui presentato, eseguiti con tecniche diverse (inchiostro, pastello, matita, sanguigna), dedicati alla figura umana: nel suo stile asciutto e stilizzato, Mario Tozzi tratteggia figurine stilizzate, raffinate nella loro geometria silenziosa e discreta, favorita dall'assenza del colore, che fa risaltare le forme sulla carta bianca Anche nella produzione pittorica i soggetti preferiti di Mario Tozzi sono, classicamente, le figure e le nature morte, ma sia le figure che le nature morte sono un insieme di elementi geometrici solidi, la sfera, il cilindro, il cono, etc. I corpi sono elementari, essenziali nelle linee e nei particolari, possenti, statuari, composti da solidi appena modellati, mentre le nature morte sono una celebrazione della geometria euclidea come le brocche, le ciotole, i fiaschi che sono paradigmi di volumetria e di rigore geometrico. Le composizioni di Mario Tozzi risentono del Cubismo per certi tagli, della Metafisica per certi inserimenti architettonici e dell'Astrattismo per l'inserimento di figure geometriche. L' opera è presentata in cornice.

Il Taglio dei Capelli

Dipinto a succo d'erba su tela. La scena di ambientazione settecentesca, vede una ricca dama ingioiellata che prende il thè con un'amica, mentre un valletto alle sue spalle, si accinge a tagliarle la lunga coda di capelli. Nella scena, probabilmente allegorica, compare anche un putto alato che afferra una ciocca di capelli tagliati, mentre un altro volteggia verso l' alto. La tela necessita di restauro per evidenti strappi e perdita di colore. È presentata in cornice di fine '800.

La Lettura della Missiva

Dipinto a succo d'erba su tela. La scena di ambientazione settecentesca, vede una ricca dama seduta alla sua toilette, che legge una lettera, mentre la cameriera le porge i gioielli da indossare. In alto volteggiano alcuni putti, a dare un significato allegorico alla scena. La tela necessita di pulizia. È presentata in cornice di fine '800.

Scuola di Luca Giordano

Olio su tela. Scuola di Luca Giordano. Nella scena è raffigurata la conversione di San Paolo, come è raccontata negli Atti degli Apostoli. Mentre si recava a Damasco per perseguitare i cristiani, Saulo (il suo nome prima della conversione), ebreo ma cittadino di Roma, fu improvvisamente avvolto da una luce divina e udì la voce di Gesù che gli chiedeva perché lo stesse perseguitando. Questo evento lo portò a convertirsi al cristianesimo, assumendo il nome di Paolo e dedicandosi alla diffusione del Vangelo. Saulo è raffigurato nel momento in cui sta cadendo dal cavallo, che si è rovesciato su un fianco, mentre un fascio di luce lo abbaglia, proveniente alla nube su cui è assiso il Cristo, contornato da angeli; intorno a Paolo, soldati romani e persone del seguito si agitano scomposti, non capendo cosa sta succedendo. Le numerose figure, sia umane che animali, si intrecciano e sovrappongono, con grande dinamismo, sostenuto da scelte cromatiche vive e luminose. L'opera guarda nello stile alla pittura di Luca Giordano (1634 -1705), il prolifico artista secentesco che seppe tradurre in pittura, con notevole fantasia e creatività, la moderna concezione barocca, attingendo al naturalismo caravaggesco e contaminandolo con le nuove tendenze barocche. La sua vasta produzione diede vita ad un ampio seguito di pittori minori, che guardarono al suo stile pittorico. Il dipinto è stato ritelato nella seconda metà del XIX secolo. Presenta cadute di colore in basso a destra. È presentato in cornice dorata di fine '800.

In Nome della Pace sulla Terra 1969

Olio su tela. Al retro in cirillico la firma, il titolo e la data dell' opera. ViKtor Petrovich Rudametkin è un artista ucraino che si è affermato come paesaggista e colorista. In quest' opera, nelle gamme cromatiche vivaci che gli sono proprie, propone una maternità contadina in mezzo ad un campo di girasoli, simbolo di vita e pace a contrastare le immagini degli aerei militari che sfrecciano nel cielo. Realizzata negli anni in cui l'Ucraina era parte dell' Unione Sovietica, l'immagine può essere pensata come invocazione alla Pace e messaggio di Speranza per la terra natia dell'artista ancora oggi dilaniata dal grave conflitto con la Russia.

Olio su tela. Lo scorcio costiero, in prossimità di una insenatura rocciosa in cui scorrono acque torrentizie, vede figure all'approdo delle navi, pronte ad accogliere le imbarcazioni che si stanno avvicinando; in lontananza il profilo della città. Restaurato e ritelato, il dipinto presenta macchie di sporco diffuse soprattutto in corrispondenza del cielo. E' presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola nord-italiana del XVIII secolo. Il paesaggio, ambientato in riva ad un ampio fiume, vede al centro alcune figure di contadini intenti a raccogliere della frutta da un albero: una ragazza regge la scala mentre il ragazzo recide un grappolo, sulla sinistra un'altra coppia depone i frutti raccolti in un mastello. All'intorno una vasta campagna verdeggiante e alcuni casolari. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice in stile.

Paesaggio invernale

Pastelli su carta applicata a tela. Firmato in basso a sinistra. Il grande paesaggio è completamente dominato dal gioco di colore: diviso in due emicampi dati dal cielo e dalla terra (una landa montana ove spuntano sporadici abeti), vede prevalere sopra l'azzurro rosato del cielo, sotto l'azzurro verdastro della neve sul terreno, due sfumature della stessa gamma cromatica che si incontrano poi nello skyline delle montagne. Cinotti fu un paesaggista esponente del Divisionismo italiano, la cui pittura è caratterizzata da una stesura materica e pastosa con tocchi di colore spatolato. In cornice coeva.

Olio su tela. Scuola tedesca di metà '900. In basso a destra presenti la firma W. Purschke e la localizzazione Munchen. La scena è collocata all'interno dello studio di un alto prelato: seduto alla sua scrivania ascolta due uomini che gli illustrano un tragitto su una mappa; in alto a sinistra è collocata su una mensola il modellino di una nave: forse il vescovo è anche il proprietario della nave, che discute con il suo armatore il prossimo viaggio. Dalla finestra, chiusa da una griglia lavorata, si intravvede il paese, con le case dal caratteristico aspetto nordico. Il dipinto è presentato in cornice in stile.

Intarsio realizzato con legni vari. L'intarsio propone la figura di un violoncellista in abiti settecenteschi. Francesco Ferrario è stato un affermato ebanista, di corrente neoclassica e Liberty. Formatosi all' Accademia di Brera in disegno, dopo aver collaborato con i migliori artisti dell' epoca, aprì poi bottega a Milano, dapprima in via Tenca, poi nel 1927 in Corso Sempione. Al retro dell' opera è presente etichetta che la colloca nella produzione in questa seconda sede. L'opera presentata in cornice in stile. Una versione di quest'opera è pubblicata sulla monografia di Bianca Tosatti, I Ferrario maestri di tarsia, edito nel 2000

Olio su tela. Si tratta di copia del' omonimo dipinto di Giulio Cesare Ferrari (1818-1899) realizzato nel 1863 e acquistato dopo pochi anni dalla Pinacoteca dell' Accademia di Bologna. Il dipinto rappresenta una scena del romanzo "Notre-Dame de Paris" di Victor Hugo: Esmeralda, giovane zingara che incanta con la sua bellezza e il suo ballo, viene perseguitata dall'arcidiacono Frollo a causa della sua ossessione, e viene da lui rinchiusa nella torre della Cattedrale parigina, dove però viene aiutata dal gobbo campanaro Quasimodo. Nella scena la giovane donna sta rannicchiata nell'angusta e buia cella in compagnia della sua inseparabile capretta. L'opera appartiene alla corrente pittorica storico-letteraria sviluppatasi nell' Ottocento parallelamente al Romanticismo e al Realismo, e caratterizzata dalla rappresentazione di scene tratte dalla storia e dalla letteratura, spesso con intenti celebrativi e commemorativi. La copia qui proposta, di buona mano e databile poco dopo l'originale, è presentata in cornice in stile di metà '900, coeva al restauro e alla ritelatura dell' opera.

Scena di Genere a Corte

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Antonio Zavaga fu un pittore italiano a cavallo tra XIX e XX secolo, specializzato in pittura in stile settecentesco, prevalentemente di ambiente galante e salottiero. Anche la scena di quest' opera è ambientata in un ricco salone di gusto settecentesco: una dama e un cavaliere siedono al tavolino giocando a scacchi, mentre la dama di compagnia porta il tè e un altro cavaliere osserva divertito. L'opera è presentata in cornice dipinta di fine '800- inizio '900.

Olio su tela. La scena corrisponde ad una stazione della Via Crucis, durante la quale Gesù cade sotto il peso della pesante croce, che trasporta sulle spalle salendo verso il Golgota. Il Cristo, piegato a terra, lo sguardo basso e mesto, è incalzato dalle guardie, che lo pungolano con i bastoni delle lance, e uno lo strattona con la corda che gli ha legato in vita; un popolano guarda afflitto Gesù, mentre sorregge il pesante legno. Il dipinto presenta tracce di restauro pregresso ed è stato ritelato. È presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola centro-europea della prima metà del XIX secolo. Il dipinto fa riferimento ad una grafica di Johann Gottfried Haid (1704 -1767), incisore tedesco noto per le sue copie a mezzatinta di opere di grandi maestri. L'opera originale è riconducibile probabilmente ad Antonio Mercurio Amorosi (1660 -1738), noto per i ritratti di personaggi popolari di stile "bambocciante". Il nostro dipinto presenta diverse piccole differenze dalla grafica di riferimento. Ancora in prima tela, è presentato in cornice di metà '900.

Adorazione dei Pastori

Olio su tela. Composizione più volte replicata dai seguaci e allievi della scuola bassanesca, in particolare da un'opera di Jacopo Bassano (1515 -1592). Nella scena originale, qui ripresa con fedeltà alla composizione delle figure ma non ai colori, il Bassano aveva affrontato il tema da un lato rispettando la tradizione, dall'altro introducendo innovazioni. Fanno infatti da quinta scenica delle rovine archeologiche, elemento frequente nell'iconografia italiana della Natività. Qui si vede una fila di colonne spezzate su un alto piedistallo, sul modello dei templi greci, cui è addossata una capanna. L'insolita struttura architettonica simboleggia il superamento del paganesimo e la costruzione della chiesa cristiana, di cui la nascita di Gesù è il primo atto di fondazione. I pastori occupano il centro della scena, e se non ci fosse il lato sinistro del quadro, potrebbe sembrare una scena di genere a carattere agreste. Il pastore di spalle è inginocchiato, mostra i piedi nudi, a ricordare la sua estrema umiltà, e trattiene un agnello, animale sacrificale per eccellenza, riferimento alla futura Passione di Cristo. All'estrema destra, un curioso inserto: un ragazzino accovacciato che soffia su un tizzone ardente, nell'inutile sforzo di ravvivare una fiammella. In questa replica spiccano i colori gialli e rossi delle vesti dei due pastori al centro e del ragazzino a destra, che prevalgono per vivacità anche sulle figure della Sacra Famiglia ed emergono dalle tinte ocra del paesaggio e delle strutture architettoniche di sfondo. Il dipinto è stato restaurato e ritelato nel XIX secolo, con sostituzione del telaio.(su di esso è presente scritta coeva in inglese, probabilmente indirizzi di esportazione). È presentato in cornice in stile.

Scena con Guardie in Città, 1875

Olio su tela. Firmato e datato in basso a sinistra. Il pittore inglese George Goodwin Kilburne si specializzò nelle scene di genere ambientate nella vita della alta borghesia vittoriana, con scene di caccia, scene di salotto, tutte caratterizzate da eleganza, dalla minuzia dei dettagli soprattutto delle figure femminili. Nel 1875 Kilburne soggiornò alcuni mesi a Roma, per poi viaggiare in altre città italiane ed europee. La scena qui raffigurata, propriamente del 1875, pare collocata proprio a Roma: presso un punto di guardia in città, come ben spiega lo scorcio urbano che si vede dal portone aperto, si riposano alcuni militari che indossano l'uniforme delle guardie vaticane. L'opera è presentata in cornice di fine '800- inizio '900.

Olio su tela. La scena del noto episodio evangelico dell'adorazione dei Magi è collocata in un' ambientazione inusuale: la Sacra Famiglia non è in una capanna o una stalla, ma davanti ai resti architettonici di un'imponente costruzione marmorea; collocata sopra un collina, vede sullo sfondo aprirsi un paesaggio piano ricco di vegetazione e abitato da borghi con numerosi campanili. Le figure dei re e della famiglia sono raffigurate con delicatezza di tratti, colori vivaci ma sfumati, particolari dettagliati ; peraltro nell'angolo destro della scena compare una figura emaciata, povera, indistinta, un mendicante che, nascosto nell' ombra del palazzo, si inchina ad omaggiare il piccolo Gesù, alla pari con i ricchi e potenti re nella sua umile devozione. Al retro della tela vi sono tracce di piccoli restauri. In basso a destra è presente un leggero taglio. L'opera è presentata in cornice in stile.

Gesù sul Cammino del Calvario

Olio su tela. L' opera è una replica di quella eseguita da Pierre Mignard e donata a Luigi XIV, conservata oggi al museo del Louvre di Parigi. La drammatica scena è ambientata subito fuori delle mura di Gerusalemme; un corteo di persone accompagna Gesù nella sua salita al Calvario, che si intravvede sullo sfondo a destra, con già le croci dei due ladroni erette. Invece la Croce del Cristo è trasportata da Simone il Cireneo, obbligato dalle guardie dopo l' ennesima caduta di Gesù, che viene rudemente sollecitato con un flagello ad alzarsi. Davanti al Cristo camminano legati i due ladroni, accompagnati da alcuni servitori; sulla sinistra il gruppo delle pie donne che accompagnano e sostengono Maria, affranta dal dolore. Contrapposto a questo gruppo, vi è sulla destra un altro gruppo di donne del popolo, che assistono in atteggiamento di pietosa compassione, distogliendo lo sguardo dei figlioletti dallo spettacolo terribile. Il paesaggio di sfondo è aspro e brullo, sotto un cielo che si sta caricando di nuvoloni grigi e cupi. L'opera è stata restaurata e ritelata a metà '900., e montata su un telaio nuovo. È presentata in cornice in stile.

Colombe 1976

Matite su carta. Firmato e datato in basso a sinistra. Floriano Bodini, noto scultore, incisore e medaglista, considerato una delle anime del Realismo Esistenziale, nel corso della sua carriera si è dedicato anche alla grafica. Nella sua produzione ricorrono soggetti - Vescovi, Cardinali, Requiem, Papi, Colombe, Amboni - che esprimono pensiero, trepidazione, talvolta inquietudine, ma anche affidamento, fiducia e fede. La colomba in particolare ha rappresentato per Bodini un elemento iconografico costante nella sua ricerca artistica, tema presente in modo assiduo in tutta la sua produzione, non solo grafica, fin dalla fine degli anni Sessanta, fino all'ultimo esempio datato 2004 considerato emblematicamente l'ultimo suo lavoro incisorio. L'interesse per questa immagine è confermato tra l'altro dalla sua collezione di oggetti che ritraggono colombe o di cui richiamano la forma. Frutto di una ricerca ricca di stimoli provenienti da fonti diverse, colte e popolari, la scelta di tale immagine non è mai stata banalizzata, ma ha sempre mantenuto una sua alta dignità simbolica e formale. L'opera qui proposta è presentata in cornice.

Olio su tavola. Scuola centro-europea di metà XIX secolo. L'opera deriva da quella di Christian Wilhelm Ernst Dietrich (1712 -1774), oggi conservata alla National Gallery di Londra, creata nel 1745 dal pittore tedesco guardando ai modi pittorici dell' artista fiammingo Adriaen Van Ostade, pittore di scene di vita quotidiana. Il dipinto di Dietrich divenne noto attraverso l'incisione che fu realizzata da Jean George Wille. Nella scena, inquadrata sotto un arco di accesso ad una abitazione, sono raffigurati in primo piano due di musicanti da strada, che suonano il violino e la cornamusa, accompagnati da diversi passanti curiosi. L'opera è presentata in cornice di inizio '900.