Serigrafia di Giuseppe Migneco

Senza titolo

Serigrafia su tela. Firmata in basso a sinistra. Al retro è presente il numero di serie 114/200. Giuseppe Migneco, di origini messinesi ma trasferitosi giovane a Milano, fu uno dei maggiori rappresentanti, insieme a Aligi Sassu, Renato Birolli, Bruno Cassinari, Renato Guttuso, del gruppo di Corrente aperto alle avanguardie artistiche europee. A favore di una pittura di impegno sociale, indaga la realtà con occhio critico, oggettivo, storico. I suoi personaggi dai volti duri, squadrati, segnati dal duro lavoro e resi con toni accesi e forti, richiamano la sua Sicilia dai tratti violenti e netti, ma anche il realismo sociale dei muralisti messicani. Le sue opere girano il mondo. Assolutamente conforme alla sua produzione più nota questa serigrafia, che si inserisce nella serie di figure di pescatori, ampiamente riproposta dal Migneco in tante variazioni. In questo caso, è un pescatore a riposo, che propone alla sua compagna il frutto del suo lavoro. La serigrafia presenta tracce di un lievissimo strappo, individuabile solo dalla riparazione al retro.

Madonna con Bambino e Santi

Olio su tela. La composizione propone la Madonna con il Bambino, in gloria nei cieli, affiancati da S. Giovannino e circondati da angeli, che appaiono in visione a due santi. A sinistra un vescovo, rivestito da un ricco piviale, che per la giovane età pare essere Ludovico d'Angiò; a destra una giovane santa martire, come ben indicano la palma e il crocifisso che che tiene tra le braccia, e che potrebbe essere Santa Giulia di Corsica. Il dipinto, già restaurato e ritelato, è presentato in cornice dorata in stile.

Mosè e le Figlie di Jetro

Tempera su carta, applicata a faesite. L'episodio biblico raffigurato, narrato nel libro dell'Esodo, racconta di come il giovane Mosè, ancora alla corte del faraone d'Egitto, difende le sette giovani figlie del sacerdote Jetro, importunate da alcuni pastori madianiti mentre attingono acqua al pozzo. A seguito di questo suo intervento, Mosè riceverà in moglie una delle figlie di Jetro, Sefora. Soggetto ampiamente riproposto nell'arte, è qui presentato con un'attenzione particolare alla componente ritrattistica, con un'esacerbazione particolare dei tratti espressivi, sia nei volti che nelle pose, dei personaggi. La scena è molto movimentata, con la figura di Mosè centrale, vigorosa e combattiva, che divide in due il campo: alla sua sinistra le sette ragazze, ognuna caratterizzata da un comportamento diverso; alla destra i pastori importuni, che subiscono l'ira di Mosè. Di sfondo, un paesaggio tipico delle produzioni dl XVIII secolo, con una rovina architettonica dietro il pozzo. L'opera è presentata in cornice in stile.

Ritratto di Principe

Olio su tela. Al retro è presente scritta di fantasia "Principe Hansen Frederik Lodewik 1779"; l'abbigliamento è consono a nobile del XVIII secolo, ma non è possibile ricondurlo ad alcun personaggio reale. Il dipinto è stato restaurato e ritelato; è presentato in cornice in stile.

Giovanni Sottocornola copia da

Luce e Lavoro

Olio su tela. In basso a destra la dicitura "Da Sottocornola". Copia quasi coeva del noto dipinto di Giovanni Sottocornola, che presentato alla Permanente nel 1914, ottenne il Premio Cassani. L'opera ritrae Maria, la figlia del pittore, intenta al lavoro di cucito. Negli anni successivi al 1898 il pittore milanese si dedicò difatti al ritratto intimista e alle scene di genere, prevalentemente a soggetto femminile e dell'infanzia, ispirate agli affetti familiari e del proprio ambito domestico, riproducendo con frequenza la moglie e le figlie. Il dipinto presenta qualche caduta di colore lungo il margine destro. In cornice.

Antonio De Simone

La Nave Astrea 1904

Gouache su carta. Firmato e datato 1904 in basso a destra. A sinistra il nome della nave. Antonio De Simone appartiene alla categoria dei maestri marinisti, categoria che nacque fin dal XVI secolo e ebbe grande fervore negli Stati di grandi tradizioni marinaresche, dall'Olanda all'Inghilterra, dalla Francia alla Spagna in Italia e quasi ovunque nel resto del continente europeo, prendendo a soggetto tutto ciò che era attinente alla vita marinara. La più alta popolarità di questo genere d'arte è stata raggiunta nel XIX secolo ed è proseguita fino agli anni quaranta del XX, nell'ultimo periodo della navigazione a vela e l'avvento delle navi a vapore. In Italia gli artisti delle scuole di pittura e di mare campane e liguri produssero moltissimi quadri una parte dei quali cosiddetti "ritratti di navi": in questo gruppo rientra la produzione dei fratelli napoletani De Simone, che si specializzarono per l'appunto nei ritratti di importanti e famose navi di lusso, sia a vela che navi a vapore. La gouache è presentata in cornice

Antonio De Simone

La Nave Astrea 1904

Gouache su carta. Firmato e datato 1904 in basso a destra. A sinistra il nome della nave. Antonio De Simone appartiene alla categoria dei maestri marinisti, categoria che nacque fin dal XVI secolo e ebbe grande fervore negli Stati di grandi tradizioni marinaresche, dall'Olanda all'Inghilterra, dalla Francia alla Spagna in Italia e quasi ovunque nel resto del continente europeo, prendendo a soggetto tutto ciò che era attinente alla vita marinara. La più alta popolarità di questo genere d'arte è stata raggiunta nel XIX secolo ed è proseguita fino agli anni quaranta del XX, nell'ultimo periodo della navigazione a vela e l'avvento delle navi a vapore. In Italia gli artisti delle scuole di pittura e di mare campane e liguri produssero moltissimi quadri una parte dei quali cosiddetti "ritratti di navi": in questo gruppo rientra la produzione dei fratelli napoletani De Simone, che si specializzarono per l'appunto nei ritratti di importanti e famose navi di lusso, sia a vela che navi a vapore. La gouache è presentata in cornice.

Coppia di nature morte con vaso di fiori e uccellini

Olio su tela. Scuola del Nord-Italia. Belle composizioni con mazzo di fiori assortiti nelle tonalità dei rossi (che rimandano alle coperture dei tavoli), bianchi e bruni, presentate in preziosi vasi in metallo sbalzato; peculiare la presenza in entrambe le tele dell'uccellino posato sul tavolo di fianco al vaso. Le due composizioni rimandano all'ampia produzione di nature morte, che iniziò a svilupparsi largamente dal XVII secolo grazie a Caravaggio che riteneva “che tanta manifattura gli era a fare un quadro buono di fiori, come di figure”. Questa sua affermazione diede dignità e autonomia alla natura morta e il via ad una produzione di opere da parte di diversi autori, a partire dalla scuola romana caravaggesca ma poi allargatasi ampiamente alla produzione del Nord-Italia e fiamminga, che arrivò fino al '900. Questa tipologia di dipinto si ritrova spesso in coppia per una richiesta specifica della committenza, dato lo scopo espressamente d'arredo che essa aveva. Le due opere qui proposte sono presentate in notevoli cornice coeve, in legno intagliato a volute fogliacee e dorate.

Figura maschile

Olio su tela. E' lo studio dal vero, probabilmente per una scena più grande, di una figura di rematore: il modello è nella posa richiesta per il personaggio, con il piede che poggia su un gradino e le mani che impugnano un bastone generico alla guisa di un remo. Benchè di taglio accademico, risulta comunque ben rifinito, nelle forme, nell'anatomia già completa, nelle scelte cromatiche. Restaurato e ritelato (purtroppo con alcune zone di restauro del colore poco efficaci), è' presentato in cornice in stile.

Madonna con Bambino

Olio su tela. Molto umana, terrena, questa immagine della maternità di Maria: nessuna luce particolare, nessuna aureola, addirittura il velo di Maria è di un colore spento, il colore della terra; intensa invece la tenerezza dei gesti e degli sguardi sia della madre che del neonato. Restaurato e ritelato, è presentato in cornice in stile.

Natura Morta con Aragosta

Olio su tela. L'opera è accompagnata da una autentica su foto degli anni '70-'80 di perito del Tribunale di Milano, che la attribuisce ad ambito olandese della prima metà del '700, ipotizzando il nome di Tomas Smith (1680-1750). La composizione, molto sobria e spoglia, è divisa in due fasce orizzontali piuttosto nette, quella superiore data dallo sfondo buio e vuoto, quella inferiore creata dal bianco variegato del piano d'appoggio, che evoca il marmo di un altare; al centro, elemento di raccordo tra le due parti, la natura morta, composta da pochi elementi, l'aragosta, un pane, un calice, una fiaschetta. Al retro presenti diversi rattoppi. Il dipinto è presentato in cornice in stile.

Paesaggio con Casolare

Olio su tela. Scuola inglese. Firmato in basso a destra (L. Weston). Il dipinto è accompagnato da foto con perizia degli anni '70-'80, che lo attribuisce a Lambert Weston (1804-1895). E' presentato in cornice in stile.

Pietro Cortellezzi

Madonna con Bambino

Affresco. Formatosi a Milano, proveniente dalla provincia di Varese, Pietro Cortellezzi si affermò come frescante in chiese soprattutto lombarde e venete. In particolare a Milano si ritrova un suo ciclo affreschi delle Quattro stagioni nel salone d'onore di Palazzo Marino, realizzato per i restauri di ripristino dei danni provocati dai bombardamenti del 1943; un altro ciclo nella chiesa dei Santi Gervasio e Protaso. L'opera è presentata in cornice.

Gruppo di quattro Pannelli dipinti

Scene Pastorali

Olio su tavola. Decorati a scene pastorali su sfondo monocromo verde chiaro, con coppie, bambini, singoli contadini ripresi durante momenti di riposo e di conversazione, alla guisa di modelli del XVIII secolo, Probabilmente formelle in legno di ante di mobili, i dipinti sono stati montati più recentemente su telai in legno. Presentano diverse cadute di colore e macchie, soprattutto in corrispondenza dello sfondo.

Giuseppe Valsecchi

Grande Paesaggio Fluviale con Figura

Olio su tela. Firmato in basso a destra, con dedica alla moglie e data, '36 oltre che in numeri romani XV (datazione fascista). L'artista lecchese Giuseppe Valsecchi, pur avendo condiviso l'impegno umano e sociale del movimento milanese di Corrente (a cui aderirono artisti quali Guttuso,Treccani,Sassu), non trascurò una vena più altamente evocativa ed intimistica che si coglie sia nella produzione di ritratti che in quella dei paesaggi, ispirati dalle vedute dalle finestre delle sue abitazioni. Piccole cadute di colore diffuse. IL grande paesaggio propone uno scorcio fluviale in mezzo alla campagna; sulla destra la figurina di un pescatore.

Grande Tapa della Nuova Guinea

Tessuto ricavato da corteccia e decorato. Splendido esempio di arte-artigianato, che rimanda ad uno dei metodi più antichi per ottenere abiti senza ricorrere alla tessitura o all'intreccio, ma utilizzando la corteccia interna di certe specie di alberi. E' un metodo che è stato praticato in Africa centrale, nel Sudest asiatico, in Giappone, in America settentrionale e dalla Mesoamerica fino alle Ande, all'Amazzonia e alle regioni del Gran Chaco. Il termine Tapa denota in particolare tutti i tessuti di corteccia dell'Oceania, ma in realtà si tratta di un vocabolo originario delle isole Figi. A seconda dell'area in cui questi tessuti di corteccia vengono prodotti, si usano specie di alberi diversi: mentre in Africa si ricorre all'albero di fico, in Indonesia e nelle isole del Pacifico la corteccia più utilizzata è quella dell'albero del gelso da carta, con cui si producono i tessuti di più alta qualità, che rimangono bianchi e possono essere decorati in modi diversi. Se una volta il tessuto di corteccia era indossato quotidianamente, anche semplicemente avvolto intorno al corpo, nel corso dei secoli è stato sostituito dal cotone, ma ancora oggi viene preferito alle stoffe occidentali per occasioni rituali e cerimoniali; soprattutto, queste stoffe continuano ad essere importanti beni di scambio, doni di valore in occasioni di nascite, compleanni, matrimoni (con scambi tra i parenti dello sposo e quelli della sposa), funerali e presentazioni cerimoniali alla famiglia reale. A ciò si aggiunga la produzione alimentata dal fiorente mercato turistico di tale tessuto. La tapa qui presentata è decorata con motivi geometrici ripetuti, che evocano le capanne e la strada del villaggio. Il bordo superiore non è rettilineo, ma sagomato a grosse frange triangolari. E' presentato montato su pannello e chiuso in teca di plexiglass.

Attilio Pratella ambito di

Veduta Costiera della Baia di Napoli

Olio su tela. Firmato Att. Pratella in basso a destra. Al retro dichiarazione di attribuzione al paesaggista napoletano. Il soggetto è molto vicino alla produzione di Pratella, che predilesse le marine della baia di Napoli, sua città natale. Rientra peraltro in quell'ampio numero di dipinti la cui attribuzione è incerta, per una qualità stilistica non conforme alla mano del Pratella. Comunque di buona qualità e gradevole nell'atmosfera, il dipinto è presentato in cornice.

Compianto su Cristo Morto

Dipinto monocromo su placca di porcellana. In basso a destra è presente la firma A. Barbero e la data 1864. Il dipinto, monocromatico a guisa di gruppo scultoreo, propone la drammatica scena della deposizione di Gesù dalla Croce e del pianto sul suo corpo della madre Maria, delle pie donne e di Nicodemo. Il dipinto è presentato in cornice dorata coeva.

Serigrafia di Luca Alinari

Biliardo 1990

Serigrafia su carta. Firmata in basso a destra; numero di serie 57/125 in basso a sinistra. L'artista fiorentino Luca Alinari ha sviluppato la sua produzione artistica, sia pittorica che grafica, su una serrata ricerca del libero accostamento di oggetti e figure all'interno di atmosfere fantastiche e sospese, sulla suggestione delle ricerche Neodada e della Pop Art. Sperimentò diverse tecniche pittoriche, nelle quali coniugava colori fluorescenti, decalcomania, collage, trasposizioni fotografiche. Ha esposto in tutta Italia e nel mondo. L'opera è presentata in cornice.