Enrico Scippa

Senza Titolo

Tecnica mista su carta. Firmato in basso a destra. Eclettico artista, non solo pittore ma anche scultore e orafo, Enrico Scippa è nato a Lecce il 6 febbraio 1937. Inizia la sua attività artistica, ancora studente universitario. Allievo di vent'anni lascia la Facoltà di Scienze Economiche per iscriversi alla Scuola Libera del Nudo a Roma, città nella quale trascorre circa dieci anni. Nel 1966 si trasferisce a Bruxelles, successivamente all'Aia e, infine, a Parigi. Nel 1969 rientra in Italia, dove dal 1975 al 1977 insegna a Firenze al Liceo Artistico. Espone in numerose personali, in mostre collettive ed esposizioni a premi. Nel 1976, ha realizzato una serie di multipli in bronzo e altri materiali, lavorando contemporaneamente alla progettazione di gioielli in oro e pietre preziose: tutti lavori che lo hanno portato a spostarsi con frequenza in Europa e negli Stati Uniti. In occasione della visita del Santo Padre a Lecce, ha realizzato, su invito della Provincia, una croce in oro che il Pontefice ha indossato durante le funzioni sacre. Collabora da alcuni anni con numerosi studi di architettura e comunicazione. Enrico Scippa ha esposto in mostre personali sia in Italia che in Europa e, negli Stati Uniti, a New York. L'opera è presentata in cornice.

Ritratto di Nobiluomo Toscano

Olio su tela. Il nobiluomo ritratto indossa l'abbigliamento di rappresentanza, severo ma impreziosito dai ricchi pizzi delle maniche e dello jabot, sotto il quale è ben ostentata un'onorificenza a ciondolo. Egli tiene in mano una lettera, di cui si legge l'intestazione, artificio per dichiarare il nome del ricco signore: si legge bene la località Pistoia e il nome Arrighi, che corrisponde a quello di una importante famiglia della città toscana. La medaglia del ciondolo, che reca una croce rossa a spicchi con punte lanceolate (o Croce rossa ottagona), rimanda all'Ordine sacro militare di Santo Stefano papa e martire, ordine cavalleresco della casa granducale di Toscana, che veniva conferito ai nobili delle città toscane aventi i requisiti. L'ordine è tuttora esistente. Il dipinto, restaurato e ritelato, è presentato in cornice in stile. Il

Rinaldo e Armida

Copia da François Boucher

Olio su tela. Si tratta di copia del celebre dipinto realizzato nel 1734 da François Boucher (1703-1770) e oggi conservato al museo del Louvre di Parigi. Al retro compare un nome, non identificato, forse quello dell'autore. Le dimensioni sono di poco inferiori all'originale e anche la bella mano rende onore al capolavoro dell'illustre pittore francese. La scena, tratta da un episodio della Gerusalemme liberata di Torquato Tasso, raffigura fedelmente il momento di convivio amoroso tra l'eroe Rinaldo e la maga Armida, che nel giardino di un ricco palazzo, si guardano in uno specchio persi nella reciproca passione, contornati da amorini; nell'ombra delle colonne a destra, spuntano i visi di Carlo e Ubaldo, i due crociati inviati alla ricerca del compagno Rinaldo. Il dipinto, restaurato e ritelato, è presentato in cornice dorata di metà '990, con lievi danni.

I Vespri Siciliani

Copia da Francesco Hayez

Olio su tela. E' copia del celebre dipinto di Francesco Hayez (1791-1882), che racconta il famoso episodio dell'insurrezione siciliana contro la dominazione francese degli Angioini, avvenuta nel 1282, scatenata da un oltraggio che un soldato francese fece ad una giovane donna siciliana. L'Hayez realizzò tre differenti versioni dello stesso episodio, per committenti diversi. Questo è copia della prima versione, realizzata nel 1821-22 da Hayez su commissione della marchesa Visconti d'Aragona, che volle che l'artista conferisse ai personaggi principali la fisionomia dei propri amici: difatti la figura della giovane donna oltraggiata è stata identificata nella contessa Martini Giovio, e quella dell'uomo che la sorregge, nel conte Pompeo Belgiojoso. La copia qui proposta pare piuttosto uno studio dell'opera dell'Hayez, per la mancanza di finiture. E' presentata in cornice.

Gianni Dova

Storia primaverile 1961

Smalto inciso su tela. Firmato in basso a sinistra. Al retro è presente etichetta cartacea con il titolo, la data e la provenienza privata dell'opera. Gianni Dova, nato a Roma ma cresciuto a Milano, dal 1942 frequentò il Liceo Artistico di Brera con l'intenzione di passare poi alla Facoltà di Architettura del Politecnico. Ma la guerra modificò i suoi progetti, conobbe e frequentò gli artisti che si riunivano nei caffè letterari e che avevano tra gli altri come punto di riferimento il giornale edito da Ernesto Treccani, Corrente. Tra questi Renato Guttuso, Emilio Vedova, Renato Birolli, Ennio Morlotti, Bruno Cassinari, Giuseppe Migneco e insieme a loro riconobbe l'importanza dell'opera di Pablo Picasso, arrivando ad aderire nel 1946 al manifesto del Realismo "Oltre Guernica". Nel 1947 aderì anche al Movimento Spazialista con Lucio Fontana e numerosi altri artisti italiani: Dova fu tra i protagonisti di questo movimento cresciuto intorno alla Galleria del Naviglio di Carlo Cardazzo e ne firmò diversi manifesti. Aderì in seguito, al movimento della pittura nucleare con Enrico Baj e Sergio Dangelo. Dova ha esposto e riportato grande successo sia in Italia che all'estero. Della sua pittura ha detto: "Dipingere è solo un mezzo per capire la realtà. Io conosco e capisco il mondo attraverso il colore. Parto da un'astrazione per comprendere il reale. Non mi diverto a dipingere: mi interessa essere coinvolto dal lavoro e stare in attesa, sulla tela, del momento finale” . L'opera è presentata in cornice.

Ferdinando Porta

Riposo nella Fuga in Egitto

Olio su tela. Al retro presente attribuzione a Ferdinando Porta. La scena propone il momento del riposo della Sacra Famiglia, durante la fuga in Egitto: a sinistra, seduti per terra riposano Maria, intenta a leggere, e Gesù già ragazzino, ma ancora fanciullescamente abbandonato sul grembo della madre; sulla destra, in piedi seppur appoggiato ad una roccia retrostante, Giuseppe contempla la sua famiglia. In alto, sopra la nube che avvolge l'albero carico di frutti che ha dato ristoro alla famiglia, una schiera di angeli, presentati anch'essi non solo in sembianze di bambini ma anche di giovanetti, quasi ad accompagnare la crescita di Gesù. La composizione della scena, così come le modalità rappresentative delle figure e le cromie sono consone alle modalità pittoriche di Ferdinando Porta. Il pittore milanese, figlio di Andrea Porta, artista di impronta emiliana, si affermò sulla scena artistica lombarda dopo una formazione a Bologna, ove fu tra gli allievi di Carlo Cignani. La sua produzione oggi nota purtroppo parte solo dal quarto decennio del '700, perchè i suoi lavori precedenti documentati, per le chiese milanesi e per palazzo Casati Dugnani, sono andati perduti. Si conoscono invece i lavori successivi, di cui alcune commissioni importanti che lo fecero definitivamente affermare; tra il 1741 e il 1753 egli lavorò nella Basilica di S.Ambrogio a Milano, nel Duomo di Monza e nella Cattedrale di Vigevano, realizzando opere che contribuirono a definire il carattere e la portata della modalità pittorica del Porta: solidamente legato alla tradizione figurativa lombarda, egli dopo l'iniziale influenza emiliana, introdusse nelle sua pittura modalità che risentono in parte, sia nella plasticità vigorosa delle figure, sia nella caratterizzazione naturalistica delle tematiche allegoriche o sacre, della pittura veneziana, in particolare del Tiepolo, con il quale egli aveva lavorato. Nell'osservazione di una delle sue opere più tarde, ma considerata tra le sue migliori, la pala del Battesimo di Cristo realizzata dal Porta tra il 1753 e il 1754 per il duomo di Vigevano, si ritrovano modalità compositive e cromatiche molto vicine a quelle del nostro Riposo nella fuga in Egitto: le figure, ben definite plasticamente ma sfumate nei contorni, con contrasti cromatici in cui prevalgono i toni bruni e freddi come nel gruppo composto da Maria e Gesù, mente spicca la maggior seppur isolata brillantezza della veste di Giuseppe; in alto la composizione degli angeli, complessa nell'intreccio dei corpi, peraltro non definiti ma quasi sfumati, così come il paesaggio, scarno e privo di elementi connotativi. Sono tutti elementi che ben evidenziano i legami del Porta con la tradizione secentesca lombarda, che gli valse ancora un ampio consenso e fortuna presso la committenza sia pubblica che privata a Milano e nelle città limitrofe, in un momento in cui cominciava appena a prendere campo il neoclassicismo. Il dipinto, in prima tela ma ritensionato, presenta segni di restauro. E' proposto in cornice in stile.

Serigrafia di Giuseppe Migneco

Senza titolo

Serigrafia su tela. Firmata in basso a sinistra. Al retro è presente il numero di serie 114/200. Giuseppe Migneco, di origini messinesi ma trasferitosi giovane a Milano, fu uno dei maggiori rappresentanti, insieme a Aligi Sassu, Renato Birolli, Bruno Cassinari, Renato Guttuso, del gruppo di Corrente aperto alle avanguardie artistiche europee. A favore di una pittura di impegno sociale, indaga la realtà con occhio critico, oggettivo, storico. I suoi personaggi dai volti duri, squadrati, segnati dal duro lavoro e resi con toni accesi e forti, richiamano la sua Sicilia dai tratti violenti e netti, ma anche il realismo sociale dei muralisti messicani. Le sue opere girano il mondo. Assolutamente conforme alla sua produzione più nota questa serigrafia, che si inserisce nella serie di figure di pescatori, ampiamente riproposta dal Migneco in tante variazioni. In questo caso, è un pescatore a riposo, che propone alla sua compagna il frutto del suo lavoro. La serigrafia presenta tracce di un lievissimo strappo, individuabile solo dalla riparazione al retro.

Mosè e le Figlie di Jetro

Tempera su carta, applicata a faesite. L'episodio biblico raffigurato, narrato nel libro dell'Esodo, racconta di come il giovane Mosè, ancora alla corte del faraone d'Egitto, difende le sette giovani figlie del sacerdote Jetro, importunate da alcuni pastori madianiti mentre attingono acqua al pozzo. A seguito di questo suo intervento, Mosè riceverà in moglie una delle figlie di Jetro, Sefora. Soggetto ampiamente riproposto nell'arte, è qui presentato con un'attenzione particolare alla componente ritrattistica, con un'esacerbazione particolare dei tratti espressivi, sia nei volti che nelle pose, dei personaggi. La scena è molto movimentata, con la figura di Mosè centrale, vigorosa e combattiva, che divide in due il campo: alla sua sinistra le sette ragazze, ognuna caratterizzata da un comportamento diverso; alla destra i pastori importuni, che subiscono l'ira di Mosè. Di sfondo, un paesaggio tipico delle produzioni dl XVIII secolo, con una rovina architettonica dietro il pozzo. L'opera è presentata in cornice in stile.

Ritratto di Principe

Olio su tela. Al retro è presente scritta di fantasia "Principe Hansen Frederik Lodewik 1779"; l'abbigliamento è consono a nobile del XVIII secolo, ma non è possibile ricondurlo ad alcun personaggio reale. Il dipinto è stato restaurato e ritelato; è presentato in cornice in stile.

Giovanni Sottocornola copia da

Luce e Lavoro

Olio su tela. In basso a destra la dicitura "Da Sottocornola". Copia quasi coeva del noto dipinto di Giovanni Sottocornola, che presentato alla Permanente nel 1914, ottenne il Premio Cassani. L'opera ritrae Maria, la figlia del pittore, intenta al lavoro di cucito. Negli anni successivi al 1898 il pittore milanese si dedicò difatti al ritratto intimista e alle scene di genere, prevalentemente a soggetto femminile e dell'infanzia, ispirate agli affetti familiari e del proprio ambito domestico, riproducendo con frequenza la moglie e le figlie. Il dipinto presenta qualche caduta di colore lungo il margine destro. In cornice.

Antonio De Simone

La Nave Astrea 1904

Gouache su carta. Firmato e datato 1904 in basso a destra. A sinistra il nome della nave. Antonio De Simone appartiene alla categoria dei maestri marinisti, categoria che nacque fin dal XVI secolo e ebbe grande fervore negli Stati di grandi tradizioni marinaresche, dall'Olanda all'Inghilterra, dalla Francia alla Spagna in Italia e quasi ovunque nel resto del continente europeo, prendendo a soggetto tutto ciò che era attinente alla vita marinara. La più alta popolarità di questo genere d'arte è stata raggiunta nel XIX secolo ed è proseguita fino agli anni quaranta del XX, nell'ultimo periodo della navigazione a vela e l'avvento delle navi a vapore. In Italia gli artisti delle scuole di pittura e di mare campane e liguri produssero moltissimi quadri una parte dei quali cosiddetti "ritratti di navi": in questo gruppo rientra la produzione dei fratelli napoletani De Simone, che si specializzarono per l'appunto nei ritratti di importanti e famose navi di lusso, sia a vela che navi a vapore. La gouache è presentata in cornice

Antonio De Simone

La Nave Astrea 1904

Gouache su carta. Firmato e datato 1904 in basso a destra. A sinistra il nome della nave. Antonio De Simone appartiene alla categoria dei maestri marinisti, categoria che nacque fin dal XVI secolo e ebbe grande fervore negli Stati di grandi tradizioni marinaresche, dall'Olanda all'Inghilterra, dalla Francia alla Spagna in Italia e quasi ovunque nel resto del continente europeo, prendendo a soggetto tutto ciò che era attinente alla vita marinara. La più alta popolarità di questo genere d'arte è stata raggiunta nel XIX secolo ed è proseguita fino agli anni quaranta del XX, nell'ultimo periodo della navigazione a vela e l'avvento delle navi a vapore. In Italia gli artisti delle scuole di pittura e di mare campane e liguri produssero moltissimi quadri una parte dei quali cosiddetti "ritratti di navi": in questo gruppo rientra la produzione dei fratelli napoletani De Simone, che si specializzarono per l'appunto nei ritratti di importanti e famose navi di lusso, sia a vela che navi a vapore. La gouache è presentata in cornice.

Coppia di nature morte con vaso di fiori e uccellini

Olio su tela. Scuola del Nord-Italia. Belle composizioni con mazzo di fiori assortiti nelle tonalità dei rossi (che rimandano alle coperture dei tavoli), bianchi e bruni, presentate in preziosi vasi in metallo sbalzato; peculiare la presenza in entrambe le tele dell'uccellino posato sul tavolo di fianco al vaso. Le due composizioni rimandano all'ampia produzione di nature morte, che iniziò a svilupparsi largamente dal XVII secolo grazie a Caravaggio che riteneva “che tanta manifattura gli era a fare un quadro buono di fiori, come di figure”. Questa sua affermazione diede dignità e autonomia alla natura morta e il via ad una produzione di opere da parte di diversi autori, a partire dalla scuola romana caravaggesca ma poi allargatasi ampiamente alla produzione del Nord-Italia e fiamminga, che arrivò fino al '900. Questa tipologia di dipinto si ritrova spesso in coppia per una richiesta specifica della committenza, dato lo scopo espressamente d'arredo che essa aveva. Le due opere qui proposte sono presentate in notevoli cornice coeve, in legno intagliato a volute fogliacee e dorate.

Figura maschile

Olio su tela. E' lo studio dal vero, probabilmente per una scena più grande, di una figura di rematore: il modello è nella posa richiesta per il personaggio, con il piede che poggia su un gradino e le mani che impugnano un bastone generico alla guisa di un remo. Benchè di taglio accademico, risulta comunque ben rifinito, nelle forme, nell'anatomia già completa, nelle scelte cromatiche. Restaurato e ritelato (purtroppo con alcune zone di restauro del colore poco efficaci), è' presentato in cornice in stile.

Natura Morta con Aragosta

Olio su tela. L'opera è accompagnata da una autentica su foto degli anni '70-'80 di perito del Tribunale di Milano, che la attribuisce ad ambito olandese della prima metà del '700, ipotizzando il nome di Tomas Smith (1680-1750). La composizione, molto sobria e spoglia, è divisa in due fasce orizzontali piuttosto nette, quella superiore data dallo sfondo buio e vuoto, quella inferiore creata dal bianco variegato del piano d'appoggio, che evoca il marmo di un altare; al centro, elemento di raccordo tra le due parti, la natura morta, composta da pochi elementi, l'aragosta, un pane, un calice, una fiaschetta. Al retro presenti diversi rattoppi. Il dipinto è presentato in cornice in stile.

Paesaggio con Casolare

Olio su tela. Scuola inglese. Firmato in basso a destra (L. Weston). Il dipinto è accompagnato da foto con perizia degli anni '70-'80, che lo attribuisce a Lambert Weston (1804-1895). E' presentato in cornice in stile.

Pietro Cortellezzi

Madonna con Bambino

Affresco. Formatosi a Milano, proveniente dalla provincia di Varese, Pietro Cortellezzi si affermò come frescante in chiese soprattutto lombarde e venete. In particolare a Milano si ritrova un suo ciclo affreschi delle Quattro stagioni nel salone d'onore di Palazzo Marino, realizzato per i restauri di ripristino dei danni provocati dai bombardamenti del 1943; un altro ciclo nella chiesa dei Santi Gervasio e Protaso. L'opera è presentata in cornice.

Gruppo di quattro Pannelli dipinti

Scene Pastorali

Olio su tavola. Decorati a scene pastorali su sfondo monocromo verde chiaro, con coppie, bambini, singoli contadini ripresi durante momenti di riposo e di conversazione, alla guisa di modelli del XVIII secolo, Probabilmente formelle in legno di ante di mobili, i dipinti sono stati montati più recentemente su telai in legno. Presentano diverse cadute di colore e macchie, soprattutto in corrispondenza dello sfondo.

Giuseppe Valsecchi

Grande Paesaggio Fluviale con Figura

Olio su tela. Firmato in basso a destra, con dedica alla moglie e data, '36 oltre che in numeri romani XV (datazione fascista). L'artista lecchese Giuseppe Valsecchi, pur avendo condiviso l'impegno umano e sociale del movimento milanese di Corrente (a cui aderirono artisti quali Guttuso,Treccani,Sassu), non trascurò una vena più altamente evocativa ed intimistica che si coglie sia nella produzione di ritratti che in quella dei paesaggi, ispirati dalle vedute dalle finestre delle sue abitazioni. Piccole cadute di colore diffuse. IL grande paesaggio propone uno scorcio fluviale in mezzo alla campagna; sulla destra la figurina di un pescatore.