Natura Morta con Aragosta

Olio su tela. L'opera è accompagnata da una autentica su foto degli anni '70-'80 di perito del Tribunale di Milano, che la attribuisce ad ambito olandese della prima metà del '700, ipotizzando il nome di Tomas Smith (1680-1750). La composizione, molto sobria e spoglia, è divisa in due fasce orizzontali piuttosto nette, quella superiore data dallo sfondo buio e vuoto, quella inferiore creata dal bianco variegato del piano d'appoggio, che evoca il marmo di un altare; al centro, elemento di raccordo tra le due parti, la natura morta, composta da pochi elementi, l'aragosta, un pane, un calice, una fiaschetta. Al retro presenti diversi rattoppi. Il dipinto è presentato in cornice in stile.

Paesaggio con Casolare

Olio su tela. Scuola inglese. Firmato in basso a destra (L. Weston). Il dipinto è accompagnato da foto con perizia degli anni '70-'80, che lo attribuisce a Lambert Weston (1804-1895). E' presentato in cornice in stile.

Veduta Portuale

Olio su tela. Scuola olandese. La scena propone lo scorcio di un porto sul fiume, sotto la cittadella con la sua fortezza, sulla rocca sovrastante. E' animata da numerose figure, sul lungo molo in primo piano, sulle diverse imbarcazioni che solcano il fiume. Di gusto fiammingo, è riconducibile all'ambito olandese anche per la presenza del caratteristico mulino a vento sullo sfondo a sinistra. Restaurato e ritelato, è presentato in cornice antica riadattata.

Pietro Cortellezzi

Madonna con Bambino

Affresco. Formatosi a Milano, proveniente dalla provincia di Varese, Pietro Cortellezzi si affermò come frescante in chiese soprattutto lombarde e venete. In particolare a Milano si ritrova un suo ciclo affreschi delle Quattro stagioni nel salone d'onore di Palazzo Marino, realizzato per i restauri di ripristino dei danni provocati dai bombardamenti del 1943; un altro ciclo nella chiesa dei Santi Gervasio e Protaso. L'opera è presentata in cornice.

Gruppo di quattro Pannelli dipinti

Scene Pastorali

Olio su tavola. Decorati a scene pastorali su sfondo monocromo verde chiaro, con coppie, bambini, singoli contadini ripresi durante momenti di riposo e di conversazione, alla guisa di modelli del XVIII secolo, Probabilmente formelle in legno di ante di mobili, i dipinti sono stati montati più recentemente su telai in legno. Presentano diverse cadute di colore e macchie, soprattutto in corrispondenza dello sfondo.

Giuseppe Valsecchi

Grande Paesaggio Fluviale con Figura

Olio su tela. Firmato in basso a destra, con dedica alla moglie e data, '36 oltre che in numeri romani XV (datazione fascista). L'artista lecchese Giuseppe Valsecchi, pur avendo condiviso l'impegno umano e sociale del movimento milanese di Corrente (a cui aderirono artisti quali Guttuso,Treccani,Sassu), non trascurò una vena più altamente evocativa ed intimistica che si coglie sia nella produzione di ritratti che in quella dei paesaggi, ispirati dalle vedute dalle finestre delle sue abitazioni. Piccole cadute di colore diffuse. IL grande paesaggio propone uno scorcio fluviale in mezzo alla campagna; sulla destra la figurina di un pescatore.

Grande Tapa della Nuova Guinea

Tessuto ricavato da corteccia e decorato. Splendido esempio di arte-artigianato, che rimanda ad uno dei metodi più antichi per ottenere abiti senza ricorrere alla tessitura o all'intreccio, ma utilizzando la corteccia interna di certe specie di alberi. E' un metodo che è stato praticato in Africa centrale, nel Sudest asiatico, in Giappone, in America settentrionale e dalla Mesoamerica fino alle Ande, all'Amazzonia e alle regioni del Gran Chaco. Il termine Tapa denota in particolare tutti i tessuti di corteccia dell'Oceania, ma in realtà si tratta di un vocabolo originario delle isole Figi. A seconda dell'area in cui questi tessuti di corteccia vengono prodotti, si usano specie di alberi diversi: mentre in Africa si ricorre all'albero di fico, in Indonesia e nelle isole del Pacifico la corteccia più utilizzata è quella dell'albero del gelso da carta, con cui si producono i tessuti di più alta qualità, che rimangono bianchi e possono essere decorati in modi diversi. Se una volta il tessuto di corteccia era indossato quotidianamente, anche semplicemente avvolto intorno al corpo, nel corso dei secoli è stato sostituito dal cotone, ma ancora oggi viene preferito alle stoffe occidentali per occasioni rituali e cerimoniali; soprattutto, queste stoffe continuano ad essere importanti beni di scambio, doni di valore in occasioni di nascite, compleanni, matrimoni (con scambi tra i parenti dello sposo e quelli della sposa), funerali e presentazioni cerimoniali alla famiglia reale. A ciò si aggiunga la produzione alimentata dal fiorente mercato turistico di tale tessuto. La tapa qui presentata è decorata con motivi geometrici ripetuti, che evocano le capanne e la strada del villaggio. Il bordo superiore non è rettilineo, ma sagomato a grosse frange triangolari. E' presentato montato su pannello e chiuso in teca di plexiglass.

Attilio Pratella ambito di

Veduta Costiera della Baia di Napoli

Olio su tela. Firmato Att. Pratella in basso a destra. Al retro dichiarazione di attribuzione al paesaggista napoletano. Il soggetto è molto vicino alla produzione di Pratella, che predilesse le marine della baia di Napoli, sua città natale. Rientra peraltro in quell'ampio numero di dipinti la cui attribuzione è incerta, per una qualità stilistica non conforme alla mano del Pratella. Comunque di buona qualità e gradevole nell'atmosfera, il dipinto è presentato in cornice.

Compianto su Cristo Morto

Dipinto monocromo su placca di porcellana. In basso a destra è presente la firma A. Barbero e la data 1864. Il dipinto, monocromatico a guisa di gruppo scultoreo, propone la drammatica scena della deposizione di Gesù dalla Croce e del pianto sul suo corpo della madre Maria, delle pie donne e di Nicodemo. Il dipinto è presentato in cornice dorata coeva.

Serigrafia di Luca Alinari

Biliardo 1990

Serigrafia su carta. Firmata in basso a destra; numero di serie 57/125 in basso a sinistra. L'artista fiorentino Luca Alinari ha sviluppato la sua produzione artistica, sia pittorica che grafica, su una serrata ricerca del libero accostamento di oggetti e figure all'interno di atmosfere fantastiche e sospese, sulla suggestione delle ricerche Neodada e della Pop Art. Sperimentò diverse tecniche pittoriche, nelle quali coniugava colori fluorescenti, decalcomania, collage, trasposizioni fotografiche. Ha esposto in tutta Italia e nel mondo. L'opera è presentata in cornice.

Ritratto Femminile

Olio su tela. Scuola francese. Delicato ritratto di fanciulla. Presenta alcune piccolissime macchie, da pulire. In cornice in legno intagliato e dorato, di inizio '900.

Attilio Pratella ambito di

Marina con Barche

Olio su compensato. Firmato Att. Pratella in basso a destra. Al retro dichiarazione di attribuzione al paesaggista napoletano. Il soggetto è molto vicino alla produzione di Pratella, che predilesse le marine della baia di Napoli, sua città natale. Rientra peraltro in quell'ampio numero di dipinti la cui attribuzione è incerta, per una qualità stilistica non conforme alla mano del Pratella. Comunque di buona qualità e gradevole nell'atmosfera, il dipinto è presentato in cornice.

Xavier Bueno

Ragazze

Olio su cartone telato. Firmato in basso a sinistra. Dopo l'infanzia trascorsa tra la Spagna, suo paese natale, Ginevra e Parigi, nel 1940 Xavier Bueno si trasferì in Italia, a Fiesole, ove aderì con il fratello Antonio, Pietro Annigoni e Gregorio Sciltian. al gruppo dei "Pittori Moderni della Realtà", il cui manifesto proponeva un'osservazione “oggettiva” del vero, della natura e la sua riproduzione il più possibile fedele. L'esperienza della guerra civile spagnola prima e di quella italiana poi, indirizzò sempre più l'artista verso un realismo legato a motivi di forte contenuto sociale. Il 1953 rappresentò una svolta importante per la carriera di Xavier: fu l'anno dell'esplicita adesione alle poetiche del realismo socialista, adesione che giunse dopo un itinerario personale che lo vide praticare pittura “impegnata” fin dall'anteguerra, con netto anticipo sull'arte di sinistra italiana. Altra tappa fondamentale nella carriera di Xavier fu il viaggio in Brasile del 1954: l'artista tornò da questa esperienza pieno di entusiasmo e con una serie di chine i cui principali protagonisti sono bambini, ragazzi, braccianti. Da questo momento la tematica dell'infanzia divenne sempre più ricorrente, un po' per volta i personaggi vennero raffigurati immobili, in una sorta di nebbia irreale, priva persino di profondità, di rigore prospettico, nella quale essi emergono come evocati. A tale produzione appartiene l'opera qui presentata. Tra il 1959 e il 1964 Xavier creò il ciclo dei "Bambini", immagini sofferenti e malinconiche opere simboliche di un'umanità avvilita ed oppressa, che l'artista presentò alla rassegna "España libre". Anche la sua tecnica subì un'evoluzione, che lo portò a ricercare un ispessimento della materia, addensata dall'aggiunta della sabbia alla vernice; il ricorso al collage, già da lui sperimentato nelle nature morte, divenne cospicuo anche in ambito figurativo-ritrattistico. La materia dei suo quadri divenne tale da arrivare a definirli “affresco su tela”. Opera presentata in cornice.

Louis Papaluca

La M. Y. VIVA II R.T.Y.C.

Gouache su carta. Firmato in basso a destra. A sinistra il nome della nave. La sigla R.T.Y.C. ne definisce l'appartenenza al Royal Thames Yacht Club il più antico circolo velico della Gran Bretagna, fondato nel 1775, anche se prese il nome attuale solo nel 1830, e il cui "commodoro", ovvero il presidente del circolo, è tradizionalmente un membro della famiglia reale. Luca Papaluca si distinse per i suoi ritratti (soprattutto gouache) di yacht importanti, navi a vapore in navigazione, spesso collocate nel Golfo di Napoli, ove visse e lavorò, con il Vesuvio di sfondo. L'opera è presentata in cornice.

Alfredo Beltrame

Riccione 1966

Olio su tela. Firmato e datato in basso a destra. Al retro ulteriore firma, data e il titolo. Gradevole scorcio del porticciolo di Riccione. Di origine friulana, ma formatosi artisticamente a Milano ove poi si stabilì, Alfredo Beltrame vagabondò a lungo in Europa, facendosi contaminare dalle avanguardie pittoriche che percorsero tutto il '900. Fu soprattutto nei suoi lunghi soggiorni parigini che Beltrame assorbì la lezione che fa del colore lo strumento primo per la costruzione delle forme: le sue opere sono improntate alla definizione poetica dei luoghi e degli oggetti attraverso il colore, con il quale egli evoca la vita pulsante sotto la superficie apparente d'ogni cosa ritratta. L'opera è presentata in cornice.

Pietro Morando

Il Fratellone

Tecnica mista su carta. In basso a destra presenti la firma e il titolo. Pietro Morando nasce ad Alessandria, ove vive per tutta la sua vita, pur frequentando per la sua formazione artistica Torino e Milano, e effettuando lunghi viaggi in Francia e Oltreoceano. Il suo amore per il disegno lo porterà a produrre numerosissimi lavori, anche utilizzando i miseri mezzi di fortuna che il primo conflitto mondiale gli permette: realizza così tragici disegni di guerra (quasi un reportage). Per decenni frequenta lo studio milanese di Carlo Carrà, con cui divide, oltre che l'amicizia, anche confronti e scambi culturali in materia di pittura. Si distingue per un suo stile semplice e incisivo e dal colore intenso e i tratti decisi, con cui dà forza e vita, ma anche poesia, ai suoi soggetti, quasi sempre la povera gente, facchini e contadini, oltre agli scorci della sua città e della campagna monferrina. Opera presentata in cornice.

Pietro Morando

Il Fratellone

Tecnica mista su carta. In basso a destra presenti la firma e il titolo. Pietro Morando nasce ad Alessandria, ove vive per tutta la sua vita, pur frequentando per la sua formazione artistica Torino e Milano, e effettuando lunghi viaggi in Francia e Oltreoceano. Il suo amore per il disegno lo porterà a produrre numerosissimi lavori, anche utilizzando i miseri mezzi di fortuna che il primo conflitto mondiale gli permette: realizza così tragici disegni di guerra (quasi un reportage). Per decenni frequenta lo studio milanese di Carlo Carrà, con cui divide, oltre che l'amicizia, anche confronti e scambi culturali in materia di pittura. Si distingue per un suo stile semplice e incisivo e dal colore intenso e i tratti decisi, con cui dà forza e vita, ma anche poesia, ai suoi soggetti, quasi sempre la povera gente, facchini e contadini, oltre agli scorci della sua città e della campagna monferrina. Opera presentata in cornice.

Pietro Morando

Contadina con il Pane

Tecnica mista su carta. In basso a sinistra presenti la firma e il titolo. Pietro Morando nasce ad Alessandria, ove vive per tutta la sua vita, pur frequentando per la sua formazione artistica Torino e Milano, e effettuando lunghi viaggi in Francia e Oltreoceano. Il suo amore per il disegno lo porterà a produrre numerosissimi lavori, anche utilizzando i miseri mezzi di fortuna che il primo conflitto mondiale gli permette: realizza così tragici disegni di guerra (quasi un reportage). Per decenni frequenta lo studio milanese di Carlo Carrà, con cui divide, oltre che l'amicizia, anche confronti e scambi culturali in materia di pittura. Si distingue per un suo stile semplice e incisivo e dal colore intenso e i tratti decisi, con cui dà forza e vita, ma anche poesia, ai suoi soggetti, quasi sempre la povera gente, facchini e contadini, oltre agli scorci della sua città e della campagna monferrina. Opera presentata in cornice.

Angelo Cremona

Ritratto Maschile 1946

Olio su cartone telato. Firmato e datato 1-2-1946 in basso a sinistra. Efficace ritratto di uomo dai tratti severi. Presentato in cornice .