Swatch Gent GK338 Page 1983 Cofanetto Biblioteca Ambrosiana - Svizzera 2001

Olio su tela. L'opera, dipinta seguendo lo stile della pittura spagnola di inizio '600, è in realtà di fine '800. Ritrae una nobildonna che indossa la gorgiera, il colletto pieghettato, rigido e decorativo, tipico dell'abbigliamento sia maschile che femminile del XVI -XVII secolo. L'opera è stata precedentemente restaurata e ritelata. È presentata in cornice dorata di metà '800, inserita in ulteriore cornice più ampia del XX secolo.

La Regina del Gelato 2021

Olio su tela . Firmato in basso a destra. Fabio D'Aroma è un artista dal percorso eclettico e sorprendente, la cui arte si distingue per l'incontro tra la tradizione pittorica classica e l'approccio contemporaneo. Del suo stile pittorico, D'Aroma ha detto : "Mi piace definirlo una sorta di pop surrealismo con una base classica. Mi ispiro ai grandi maestri italiani, ma li reinterpreto con un'ironia che riflette il presente". Le sue figure, spesso dai tratti grotteschi, ma realizzate con una sorprendente tecnica pittorica, sono animate dalla volontà di provocare, suscitare spesso profonde riflessioni anche su temi importanti se non addirittura drammatici, ma con il sorriso.

Sole Produttore

Serigrafia, applicata su lastra di metallo. Firmata in basso a destra, il titolo in basso. Edizione 446/500. Il Sole è una tematica molto cara a Giò Pomodoro fin dagli anni '50, tematica che l'artista non ha mai abbandonato, sviluppandolo in particolare dalla seconda metà degli anni '70 fino a pochi anni prima della sua morte, quando, nel 2000, ha donato alla Città di Genova un Sole monumentale in marmo bianco, collocato proprio all'imboccatura del porto, sul Ponte dei Mille. Il Sole Produttore è la rappresentazione metaforica dello sfruttamento equo da parte della società della forza generatrice del sole. Appassionato di astronomia, geometria e poesia, Gio' Pomodoro è da sempre stato affascinato dal potenziale vitale e simbolico dell'immagine dell'astro. In queste opere, l'artista lo rappresenta mediante una forma circolare stilizzata ì, che viene spezzata per accentuare le potenzialità delle forme geometriche elementari (il cerchio, il quadrato, il triangolo) ad aprirsi a tensioni dinamiche differenti. Su queste forme basilari, Pomodoro inserisce poi all' intorno scritte costituite da parole che rimandano a concetti referenziali, come reale, possibile, collettivo, - in questo caso: "Muove, gira, edifica comune raccolto" -, unite ad altre forme inscritte che indicano strutture fisiche, come cardine, ruota, seme.

Tecnica mista su carta. Sigla A. S. in basso a destra. Un mazzo di rose campeggia la centro di uno sfondo azzurro. Il dipinto è presentato in cornice coeva ebanizzata, decorata con intagli dorati.

San Bernardo da Chiaravalle

La scultura qui descritta, realizzata ad intaglio da un blocco di cirmolo nei primi decenni del'600 raffigura San Bernardo da Chiaravalle. La composizione richiama molto l'incisione di Marcantonio Raimondi che agli inizi del XVI secolo raffigurò il Santo con l'abito monastico, una pastorale, la bibbia in mano e un demonio ai suoi piedi tenuto in catene. La scultura è pensata per una nicchia e pertanto non finita sul retro. Il santo in piedi è raffigurato in leggero movimento, con la bibbia aperta nella mano destra e nell'altra la partenza della catena che tiene legato il demone ai suoi piedi; purtroppo la catena è monca della parte centrale ma si completa col collare, il demonio è sottomesso dal Santo che vi poggia sopra un piede. Sebbene le cromie e la doratura presentino lacune e copertura da fuligine, possiamo notare come l'incarnato del santo sia roseo mentre il demone è rossastro quasi bruno in quanto esposto alle fiamme dell'infermo. Da notare la splendida veste del Santo, che pur raffigurando un abito monastico è laccata nei toni di rosso con ricami dorati all'interno e all'esterno si presenta dorata con ricami bluastri. La veste non è più quella povera dell'eremita ma quella del santo nella gloria celeste che si veste di luce in maggior contrasto col la figura del demonio.

Olio su tela. Firmata e localizzata sul margine sinistro in basso "Roma, Enrico Scifoni". In basso a sinistra è citato il nome della ritratta "Signorina Maria Ciaffi". Lo Scifoni fu artista romano molto attivo come ritrattista tra il 1870 e il 1914. La giovane donna ritratta è abbigliata con abito e acconciatura che richiamano la moda del periodo impero. Il dipinto è presentato in cornice dorata del XIX secolo, che necessita di restauro.

Ornamenti e Antichi Vasi

Acqueforti colorate a mano. Realizzate da Michelangelo Pergolesi nel 1777-1778; il decoro a colori è postumo, già del XIX secolo. Il Pergolesi disegnò e progettò mobili, caminetti, soffitti, lampadari, porte e ornamenti murale, di gusto neoclassico, lavorando soprattutto in Inghilterra. I disegni di tali acqueforti sono numerati, e appartengono probabilmente alla di "Disegni per Vari Ornamenti per 70 Piatti" pubblicato tra il 1777 e il 1801. Le due acqueforti sono presentate in cornici a vista.

Paesaggio Fluviale con Figure

Olio su tela. Firmato in basso a destra. Il soggetto rientra nella produzione di forte matrice naturalistica del pittore, nativo di Modena ma cresciuto artisticamente a Milano e dintorni, luoghi che furono temi frequenti della sua produzione paesaggistica. Anche questo scorcio paesaggistico rimanda alla pianura lombarda. L'opera è presentata in cornice in stile.

San Sebastiano

Scultura a tutto tondo della fine del XVII secolo, raffigurante San Sebastiano legato all'albero e trafitto. Il santo, presentato con una piccola veste ai fianchi è legato al tronco e a un ramo, con un braccio alzato mentre guarda lo spettatore che è metaforicamente colui che lo trafigge con le frecce. La scultura è realizzata a tutto tondo e dipinta in policromia, con parti pittoriche riprese. Si evidenzia il restauro in una parte del piede sinistro e la mancanza delle frecce.

Olio su tela. La Sacra Famiglia si rivolge in quest' opera ad un giovane frate in saio francescano, che probabilmente rimanda alla committenza dell' opera: le mani protese del Bambino si protendono ad accoglierlo, sotto lo sguardo protettivo di Maria e Giuseppe. Già in precedenza restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice antica del XVIII secolo, ridorata.

Marina con Figure

Acquarello su cartone. Firmato in basso a destra. Paolo Sala, milanese di nascita e di formazione, si distinse come uno dei più importanti paesaggisti del suo periodo, così come vedutista delle numerose città italiane ed estere in cui lavorò. Predilesse gli acquarelli, ma dipinse molto anche ad olio. Egli utilizza pennellate veloci ed ampie, sovrapposte, di stampo impressionista, giocando con i colori e le luci per creare atmosfere suggestive, come in questo scorcio marittimo che vede figure su una spiaggia intente all' operazione di setacciamento della rena. Il dipinto è presentato in cornice in stile.

Parte di un'educazione della Vergine Maria

Questa scultura rappresenta una parte della raffigurazione della scena dell'educazione della vergine, che vede raffigurate, secondo la tradizione Sant'Anna seduta con un libro sulle gambe, mentre la giovane Maria sta in piedi al sua fianco intenta nell'apprendimento. In questo caso la statua raffigura la giovane Vergine, mancante il resto della composizione. La giovine è realizzata con una mano alzata e l'altra al seno quasi ad annunciare l'azione benedicente insieme alla maternità divina che caratterizzerà la sua vita. Ha una lunga veste rossa coperta da un manto azzurro.